RECENSIONE: JOHN HIATT With The JERRY DOUGLAS Band (Leftover Feelings)

JOHN HIATT With The JERRY DOUGLAS Band  Leftover Feelings (New West, 2021)

ritorno a Nashville

Avevamo lasciato John Hiatt a farsi ispirare all'ombra di un'eclissi lunare, lo ritroviamo tre anni dopo chiuso dentro agli storici RCA Studio B a Nashville insieme a Jerry Douglas e la sua band a registrare un disco che esce fuori perfettamente riuscito e che in qualche modo chiude il lungo cerchio della sua carriera che proprio da Nashville prese il via. "Sono stato immediatamente catapultato al 1970, quando sono arrivato a Nashville" ha scritto nel suo sito. Stanze insonorizzate  impregnate di storia che avvolgono Hiatt e Douglas in un abbraccio che pare quanto più famigliare. Certamente caldo e ispirato. 

"Tutta la musica che è stata fatta lì, la puoi sentire uscire dai muri" racconta Hiatt. 

 Un reciproco rispetto tra i due nato lontano nel tempo ma che solo ora ha preso forme concrete "ho molto rispetto per lui, anche prima che avessimo mai fatto qualcosa insieme" spiega Douglas. 

Si suona tutti uniti, con una classica strumentazione da bluegrass band: niente batteria ma violino, basso, chitarre elettriche e acustiche, su cui svetta la dobro di Douglas (anche un mago con la lap steel e produttore del disco) sono i soli ingredienti di queste undici canzoni elettro acustiche che come sempre abbracciano forte l'amore, la strada, la vita fino ad arrivare a toccare il suicidio del fratello Michael, avvenuto quando lui aveva solo undici anni nella crepuscolare 'Light of the Burning Sun', vero punto focale del progetto. 

L'inconfondibile voce di Hiatt, che il tempo, (68 anni) ha reso solo un po' più roca, fa il resto. Un lavoro di sottrazione che tende ad arricchire, messo in piedi in sole quattro sedute di registrazione, buon esempio da seguire per chi è invece abituato ad aggiungere sempre e comunque, fino ad esagerare. Qualche buon up tempo rock'n'roll blues infarcito di groove come 'Long Black Electric Cadillac,' Little Goodnight e 'Keen Rambler', il country sbuffante di 'All The Lilacs in Ohio' e ballate country folk come 'The Music Is Hot', un vero atto di fede, e 'I'm in Asheville', fanno di Leftover Feelings l'ennesimo disco riuscito di una carriera tanto prolifica quanto tarata quasi sempre verso i livelli dell'eccellenza. Una continuità con l'intera carriera confermata anche dalla copertina, con quella tazza di caffè (o the?) che, pure con qualche capello bianco in più, sembra riportare al retro copertina di Bring The Family, certamente tra i suoi vertici di sempre.

RECENSIONE: THE REVEREND PEYTON'S BIG DAMN BAND (Dance Songs For Hard Times)

THE REVEREND PEYTON'S BIG DAMN BAND   Dance Songs For Hard Times (Family Owned Records,2021)

Torna quel "canotta a tutta chitarra"  di Reverend Peyton, naturalmente insieme alla moglie Breezy sempre impegnata con la sua instancabile washboard e Max Senteney alla batteria: uno dei più bizzarri e genuini personaggi che popolano la roots music americana, talento innato di fingerpicking che negli anni si è guadagnato  tante prime pagine nelle riviste specializzate di chitarre. 

Un disco nato in piena pandemia che ha dovuto lottare duramente con il Covid e le sue conseguenze che hanno colpito da vicino la moglie, alcuni suoi famigliari e tanti amici, a volte anche in maniera durissima. Canzoni dai testi non troppo sereni (dalle pessime condizioni finanziarie eredità della pandemia cantate nel blues alla Bo Diddley d'apertura ' Ways And Means', all'aiuto dall'alto invocato in 'Come Down Angels' un gospel sui generis) ma che "surfano" su questi tempi difficili con la consueta irruenza e vivacità di sempre. 

"Mi piacciono le canzoni che suonano felici ma in realtà sono molto tristi" dice lui. 

Country blues innaffiato di rockabilly (la veloce 'Rattle Can'), l'irresistibile invito a cogliere l'attimo della ballabile 'Too Cool To Dance' ("sembra quasi una canzone degli anni '50 andata perduta" dice) , il blues di 'No Tellin' When' e 'Sad Songs', lo swamp boogie di 'Nothing Easy But You And Me' sono state registrate senza troppe sovraincisioni, cantate in presa diretta come se fossimo tutti seduti lì, intorno all'aia, circondati da porci, galline e fieno svolazzante. Naturalmente tutti vicini, abbracciati e con un bicchiere in mano perché la pandemia nel frattempo è svanita.

RECENSIONE: AMIGO THE DEVIL (Born Against)

AMIGO THE DEVIL  Born Against (Liars Club, 2021)

a tinte noir

Padre greco, madre spagnola, Danny Kiranos è un personaggio dai tratti inquietanti e gli occhi spiritati, ancora tutto da scoprire. Fisicamente mi ricorda il povero Bob Hite dei Canned Heat con meno grammi di panza in corpo. Arriva dal Texas, vicino ad Austin, questo è il suo secondo disco importante dopo Everything Is Fine del 2018 e avendo poco più di mezz'ora da dedicargli tra il monumentale box di Deja Vu e l'album di cover blues dei Black Keys, ne sono sicuro, qui dentro ho trovato alcune belle sorprese che valgono la pena d'essere ascoltate. Nulla di miracoloso e roboante ma canzoni scritte, costruite e suonate  bene che pescano su più fronti, tanto ciniche e dalla lunga ombra inquietante trascinata dietro da essere morbosamente invitanti e accattivanti. Che ti fanno dire a fine disco:"aspetta, aspetta che lo riascolto". 

Testi poco accomodanti i suoi, che narrano di sparatorie dentro a sale da gioco Bingo ('Murder At The Bingo Hall' è un racconto dal canovaccio teatrale che non sarebbe dispiaciuto ad Alice Cooper), di vendette ai danni di vecchi serial killer degli anni 30 ('Drop For Every Hour'), di ultime lettere dal braccio della morte ('Letter From The Death Row') , insomma popolate da gente poco raccomandabile, venuta al mondo con una missione da compiere che non sempre è quella più giusta e incanalata nelle vie della legalità. 

Del titolo, estrapolato dalla canzone 'Quiet As A Rat' dice: "per me non è ancora chiaro se nasciamo in una tabula rasa e poi troviamo la fede o ci viene insegnata la fede, o siamo nati con una sorta di fede e poi la perdiamo o la riscopriamo lungo la strada?". 

Una crocevia variegato e democratico dove il country folk alla John Prine ('Better Ways To Fry A Fish'), il Tom Waits sgangherato di Raindogs con tuba, chitarra e percussioni in stile New Orleans ( 'Quiet As A Rat'), i "cattivi semi" di Nick Cave sparpagliati qua e là, i crescendo orchestrali alla Glen Campbell ('Small Stone' è un'apertura sontuosa presentata da una voce non da meno), il country malinconicamente epico di 'Different Anymore', il bluegrass  di '24K Casket' e il blues cucinato quasi crudo di  'Shadow' (eccoli i "semi cattivi") si succedono in una incombente atmosfera dalle tinte noir che sa avvolgere, confondere ma farsi piacere.

RECENSIONE: TONY JOE WHITE (Smoke From The Chimney)

 

TONY JOE WHITE  Smoke From The Chimney (Easy Eye Sound, 2021)

una voce da lontano

Io a Tony Joe White voglio un gran bene a prescindere: la sua voce potrebbe cantare qualsiasi cosa e sarei incantato davanti alla sua magnetica sagoma intagliata a suon di swamp rock. E anche oggi che  White non c'è più da tre anni, la sua musica emana la stessa magia di sempre, dove i fantasmi delle paludi della sua Lousiana si risvegliano e sembrano imbracciare gli strumenti e suonare l'ultimo dei valzer in terra. Poco prima di morire il 24 Ottobre del 2018, aveva fatto uscire un disco intimo e tenebroso che sembrava un temporale minaccioso e incombente sulla sua esistenza. Si chiuse nel fienile della sua casa con una Stratocaster, pochi amici e suonò il suo ultimo blues. Fu un disco quasi premonitore, ridotto all'osso, arricchito solamente da sussurri e battiti di piede sulle assi del pavimento a fare ancor più spavento. Così diverso da questo, frutto di alchimie (ma nemmeno troppe) da studio di registrazione, ma assolutamente credibile e lo dico subito: riuscito, nonostante operazioni come queste siano sempre un alto rischio per chi le mette in pratica e altissimo per la reputazione di chi non c'è più e non può nemmeno prendere provvedimenti se non le distanze. Tutto è in mano al buon gusto degli eredi. 

Ecco però spuntare quel prezzemolo di Dan Auerbach. Questa volta al buon Auerbach riesce pure di resuscitare i cari estinti: trasforma nove demo voce e chitarra, registrati da Tony Joe White durante gli ultimi quindici anni della sua esistenza (proprio come l'ultimo disco)  in nove canzoni finite (bene), e complete. L'idea di lavorare con uno dei padri dello swamp rock  risale a parecchi anni prima, quando i due si incontrarono ad un festival in Australia nel 2009 ma solo ora, grazie al l'intermediazione del figlio Jody White (ecco l'erede), è diventata reale e concreta. Meglio tardi che mai? Come al solito Auerbach ci mette i musicisti di Nashville, tra cui Billy Sanford alla chitarra, Paul Franklin alla pedal steel e Bobby Wood (Elvis Presley) al piano, in più un grande Marcus King alla chitarra elettrica a sostenere il groove di una circolare  'Bubba Jones', naturalmente l' etichetta Easy Eye Sound, la sua chitarra e la passione di sempre. 

"Non è stato usato nessun computer" sottolinea Auerbach. La band ha suonato in presa diretta seguendo le tracce grezze lasciate da White.

Del primo singolo uscito, la cavalcata acida a lento trotto 'Boot Money' Auerbach dice anche: "una specie di serpente che striscia fuori dalla palude". E nel video cartoon i due sono disegnati insieme in un ipotetico studio di registrazione, ciò che Auerbach sognava potesse concretizzarsi prima o poi. Per una 'Del Rio You're Making Me Cry' che accarezza l'anima a passo di flamenco sollevando polvere texana, una  'Over You' che segue a ruota dando l' imprinting al disco (pigrizia e distensione sono la regola), l'ariosa 'Listen To Your Song' con il suo assolo di chitarra finale, c'è il tenebroso blues di 'Scary Stories', la magniloquenza orchestrale di 'Someone Is Crying', la ballata ' Billy' a chiudere. In mezzo alle canzoni, immagini fumose di uomini che stanno in piedi nonostante tutto e una notte perenne con la luce della luna a fare da unica via di fuga. 

Operazioni delicate e sempre un po' discutibili queste, ma il risultato che si può ascoltare fin dalla prima canzone in scaletta, l'amabile country soul 'Smoke From The Chimney', non è affatto male. È tutta una questione di buon gusto e qui è stato usato con rispettosa devozione. Non conterà molto ma per me è un sì.

RECENSIONE: GARY MOORE (How Blue Can You Get)

GARY MOORE  How Blue Can You Get (Provogue, 2021)

aperti gli archivi!

Ricordo ancora con un certo rimpianto la mia rinuncia a quel concerto di Gary Moore a Milano nel Luglio del 2010. Non ricordo il motivo della mia assenza ma ricordo benissimo che volevo assolutamente andarci. Ma chi poteva saperlo che fu l'ultimo in Italia: pochi mesi dopo, il 6 Febbraio del 2011, il suo corpo fu trovato esamine dalla sua compagna in una stanza d'albergo nella Costa del Sol in Spagna.  Sono passati dieci anni, mentre io continuo a vangare tra i ricordi cercando una valida motivazione alla mia assenza, esce sul mercato quello che a tutti gli effetti si può considerare il primo disco postumo di inediti (nel 2012 uscì il live Blues For Jimi). Otto canzoni sono forse poche per questo primo evento ma la qualità è veramente buona e sicuramente ora che gli archivi sono stati aperti, questa uscita non rimarrà isolata per molto tempo. Il Gary Moore passato in rassegna è quello della svolta blues partita da Still Got The Blues (1990) e arrivata fino alla morte con l'ultimo disco inciso Bad For You Baby (2008). Ad accompagnare Moore ci sono il bassista Peter Rees, le tastiere di Vic Martin e le batterie di Darrin Mooney e Graham Walker. Un disco che ricalca le uscite di quel periodo, dove cover, riletture e brani inediti vengono assemblati insieme. Qui troviamo quattro cover: una torrenziale 'I'm Tore Down' di Freddie King dai toni quasi hard, canzone che Moore amava spesso presentare durante i suoi live, un'altra vivace, strumentale e travolgente 'Steppin' Out' di Memphis Slim, lo standard di BB King 'How Blue Can You Get' del 1964 che da il titolo al disco e una frizzante 'Done Somebody Wrong' di Elmore James. Le quattro canzoni firmate da Moore sono la notturna 'In My Dreams' ballata con Moore che fa piangere la sua chitarra, il quasi rural blues 'Looking At Your Picture' e poi due rivisitazioni di suoi vecchi brani: 'Love Can Make A Fool  Of You' ripescata da Da Corridors Of Power del 1982, ripulita dagli orpelli anni ottanta e trasformata in un blues malinconico con un grandissimo assolo, infine 'Living With The Blues', un'altra classica ballata dal tocco alla Gary Moore  a chiudere il disco. 

A Moore non importava troppo vendere dischi, l'importante era rimanere sempre onesto e in linea con le proprie idee musicali. Probabilmente, però, questo disco venderà di più rispetto agli ultimi dischi in vita, usciti un po' in sordina e dimenticati in fretta. Ne sono sicuro. 

In un'intervista rilasciata al Belfast Telepraph a proposito delle sue smorfie mentre suonava disse:" potrebbero essere di dolore o di piacere. La gente mi prende in giro per questo, ma non c'è nulla di artificioso. Quando suono mi perdo completamente e non sono nemmeno consapevole di quello che sto facendo con la mia faccia - sto solo suonando ".

E in questo disco suona ancora molto bene tanto da riuscire ad immaginare quelle smorfie sul suo volto.