it's still rock and roll to me

mercoledì 27 giugno 2018

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA # 63: SCREAMING TREES (Dust)

SCREAMING TREES Dust (1996)

DUST è quello che potrebbero essere gli Screaming Trees ancora oggi. Lo sono stati per un disco, quello della maturità, degli arrangiamenti perfetti lontani dalla grezza psichedelia punk dei primissimi dischi (la produzione di George Drakoulias, uno che aveva già lavorato con Black Crowes e Jayhawks, lasciò il segno), della varietà musicale che permetteva loro di continuare a cimentarsi con un personale hard rock (‘Witness’), la psichedelia (‘Traveler’), aggiungere influenze orientali ad aprire e chiudere il disco (‘Halo Of Ashes’, ‘Gospel Plow’), parentesi sinfoniche, e avvicinarsi sempre più a un suono tradizionalmente americano legato al blues e al folk (‘Sworm And Broken’) più vicino a quello che Mark Lanegan stava sperimentando in quel periodo (Lanegan aveva già dato lo starter alla sua carriera solista con due album neri, profondi e meravigliosi), uscendone sempre credibili. Uscito nel 1996, a ben quattro anni dal precedente Sweet Oblivion, con la scena grunge in decisa fase calante se non già morta e tante tensioni interne miste a sostanze tossiche di vario genere a minare la sopravvivenza. Un disco perduto arrivò solo nel 2011 . Già, il ciclone grunge, tanto importante nel portare la band dei fratelli Van e Gary Lee Conner e di Mark Lanegan dalle stelle (nati prima di tutti anche se per popolarità e vendite non brillarono mai come altre) allo scioglimento di quattro anni dopo, a conclusione di un tour che toccò pure il famigerato Lollapalooza, cui si aggiunse un giovanissimo Josh Homme alla chitarra. Pur portato a termine in un tempo lunghissimo- tante furono le canzoni registrate-ci finirono dentro solo dieci tracce (alcune sono uscite nella versione rimasterizzata anni dopo) e un buon contributo in studio lo diede Benmont Tench degli Heartbreakers di Tom Petty presentissimo lungo tutto il disco con le sue tastiere (“avevo sempre voluto fare qualcosa di più di un disco rock bidimensionale e il fatto che su quel disco avesse suonato Tench fece una grande differenza” dirà Van Conner), aggiungiamo Mike McReady (Pearl Jam) che lascia il suo assolo di chitarra su ‘Dying Days’ e Dust si candida a diventare un disco importante. Kerrang lo premiò come disco dell’anno. “È probabilmente il mio disco preferito” dirà Van Conner. Non male per rappresentare un epitaffio di una band ai ferri corti.

PUNTATE PRECEDENTI

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA # 1: FRANCESCO DE GREGORI- Titanic (1982)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #2: THE HOUSEMARTINS-London 0 Hull 4
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #3: THE NOTTING HILLBILLIES-Missing...Presumed Having A Good Time
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #4: EDDIE HINTON-Very Extremely Dangerous (1978)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #5: BIG COUNTRY-Steeltown, 1984
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #6: TESLA-Five Man Acoustical Jam, 1990
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA # 7: PRIDE & GLORY-Pride & Glory (1994)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #8: TIN MACHINE-Tin Machine (1989)

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #9: THE MOTHER STATION-Brand New Bag (1994)

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #10: IZZY STRADLIN & THE JU JU HOUNDS (1992)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #11: WARRIOR SOUL-Drugs, God And The New Republic (1991)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #12: IAN HUNTER-Short Black N' Sides (1981)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA # 13: THE DICTATORS-Go Girl Crazy! (1975)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA # 14: POINT BLANK-Second Season (1977)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #15: TEMPLE OF THE DOG (1991)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #16: NEIL YOUNG-Time Fades Away (1973)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA # 17: JOHNNY WINTER-Nothin' But The Blues (1977)

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #18: BOB DYLAN-Street Legal (1978)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #19- CRAZY HORSE-Crazy Horse (1971)

lunedì 25 giugno 2018

QUEENS OF THE STONE AGE live@ I-Days, Milano, 24 Giugno 2018

Ho affrontato la vigilia del concerto con la tipica supponenza del vecchio nostalgico un po’ rincoglionito e spacca palle “sì però quando li vidi nel ‘98 a Biella eravamo quattro gatti e loro erano ancora grezzi e puri, fresca costola dei Kyuss...sì però nel 2002 all'Acatraz c’era ancora Nick Oliveri e pure Mark Lanegan come ospite, sì però l’ultimo album Villains non mi convince tanto…”. Ieri di tutto quel passato fissato nei miei ricordi è rimasto ben poco, i primi due dischi non sono pervenuti, come se la vera carriera fosse partita da Song For The Deaf, l’album più saccheggiato questo sera con quattro canzoni. Quindi avevo ragione? No. I Qotsa sono un altro gruppo, ma un altro grande gruppo, tra i migliori in circolazione in sede live: compatto, preciso e affiatato, una macchina potente e oliatissima che non ha perso un solo colpo durante un set breve formato festival (un’ora e venti, nessun bis) ma studiato e invalicabile come il più alto e resistente dei muri di pietra. Pure i suoni di Villains, che avevano un piede nel moderno, uno nel passato e le mani a pescare nel vecchio repertorio di Bowie, dal vivo diventano un blocco compatto e ben amalgamato con il resto della produzione. Un abbraccio totalitario al pianeta musica, pratica che Josh Homme pratica ormai da molti anni. Josh Homme è un rocker da alto testosterone, più umano (e più vero) di quanto ricordassi, che attira gli sguardi su di sé anche quando tira fuori il pettine dal taschino dei jeans per sistemare la chioma rossa o quando attira sorrisi con un paio di ben assestate bestemmie in italiano che lo rendono più simpatico (ha pur sempre quel calcio al fotografo da farsi perdonare), ma non mette assolutamente in ombra nessuno dei suoi compagni di band: il batterista John Theodore ha gli stessi livelli di Homme (di testosterone intendo), picchia e si prende la scena a metà di ‘No One Knows’ con un potente assolo, il chitarrista Troy Van Leeuwen lavora di slide e precisione con professionalità e eleganza, il bassista Michael Shuman scalcia e fa lo slalom tra i led luminosi verticali piantati nel palco, il tastierista Dean Fertita si porta a spasso le tastiere, aggiunge suoni nei pochi buchi vuoti e la chitarra all’occorrenza. Partenza al fulmicotone (‘Sick Sick Sick’ è potente e urgente), l' arrivo pure (‘Little Sister’ e ‘Song For The Dead’). Nessuna scena, poche pose da rockstar e solo granitico rock e un set luci, tanto semplice quanto efficace. Dopo ieri sera aggiungerò un altro piacevole e più fresco ricordo a quelli più antichi della mia memoria.

SETLIST

Go With the Flow
Sick, Sick, Sick
Feet Don't Fail Me
The Way You Used to Do
My God Is the Sun
The Evil Has Landed
You Think I Ain't Worth a Dollar, but I Feel Like a Millionaire
No One Knows
Little Sister
Burn the Witch
If I Had a Tail
Domesticated Animals
Make It Wit Chu
A Song for the Dead

RECENSIONE: QUEENS OF THE STONE AGE-...Like Clockwork (2013)

lunedì 18 giugno 2018

RECENSIONE: BUDDY GUY (The Blues Is Alive And Well)

BUDDY GUY The Blues Is Alive And Well (RCA, 2018)

Forse basterebbe iniziare l’ascolto dalla fine, dai 58 secondi di ‘Milking Muther For Ya’ per dare ragione a BUDDY GUY e al titolo del suo nuovo disco: una registrazione breve, spartana, casalinga, solo voce e chitarra. La partita è già nelle sue mani e sì, il blues è vivo e sta bene finchè gli ultimi di una straordinaria generazione irreplicabile, come lui, saranno in questa forma “lo prometto fino al giorno della mia morte, terrò in vita il blues” declama in ‘The End Of The Line’ , anche se in ‘When My Day Comes’ sembra scendere a patti con la mortalità. Mantenendo fede a una promessa fatta a Muddy Waters sul punto di morte, BUDDY GUY, 81 anni, continua a tenere in vita il blues a suo modo (bello l’omaggio a Sonny Boy Williamson con ‘Nine Below Zero’) , uscendo periodicamente con dischi per nulla nostalgici, rispettosi, ma soprattutto mai fermi al passato, sempre ricchi di ospiti, a volte fin troppi, anche grazie alla preziosa collaborazione con l’inseparabile produttore Tom Hambridge che suona pure la batteria (completano la formazione: Rob McNelley alla chitarra, Kevin MdKendree alle tastiere e Willie Weeks al basso). In copertina: si mette in posa con l’inseparabile Fender cosparsa di pois in una foto che pare scattata negli anni della gioventù, sotto il cartello stradale della nativa Lettsworth in Louisiana. Le radici sono lì, sotto quella terra, anche se poi il successo andò a trovarselo a Chicago. “Muddy Waters mi disse: hey man, guarda che Chicago non è come la Louisiana. Lì non puoi dormire con le porte aperte”.
Quelle porte non le ha mai chiuse.
Ma poi: tra scatenati boogie (‘Old Daddy’), la corposa sezione fiati The Muscle Shoals Horns presente in almeno tre canzoni tra cui la title track, i passi lenti e notturni di ‘A Few Good Years’, ecco sfilare gli ospiti di questo disco: il giovane James Bay nella crepuscolare ‘Blue No More’, Mick Jagger all’ armonica nella jazzata ‘You Did The Crime’. Fino ad arrivare ai sei minuti dell'esplosiva ‘Cognac’. Tra le tracce migliori del disco. Buddy Guy canta: “If the late Muddy Waters was here drinking with us, that bottle would be ten times gone"…"Can't drink with me no more Muddy, but I got Keith Richards". Un pensiero all’amico Muddy Waters...ed ecco che si unisce la chitarra di Keith Richards. “How about you Beck? C'mon in here now”, è il turno di Jeff Beck. Una vecchia amicizia, quella tra Buddy Guy e i Rolling Stones, che Guy racconta così tra le pagine di Rolling Stone “mi hanno incontrato che non erano ancora famosi. La prima volta ero in studio, era il 1961 o 1962, stavo registrando un disco chiamato My Time After A While e loro vennero alla Chess Records a registrare un demo”. Poi sì, arrivano veramente i 58 secondi della finale ‘Milking Muther For Ya’ e mettendo una mano sul cuore del blues si può sentire un battito ancora forte e sano…bastano pochi secondi per fare una buona diagnosi.

venerdì 15 giugno 2018

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA # 62: LOVE/HATE (Wasted In America)

LOVE/HATE Wasted In America (Columbia, 1992)

datemi una Y...
“Mamma mamma c’è Gesù Cristo crocefisso lassù”. Forse più di una persona, non solo bambini, quel giorno indicò con il dito quella lettera Y posta così in alto. Qualche mamma spaventata ci avrà pure creduto ma se avessero saputo chi era l’uomo in croce lo stupore (lo spavento) sarebbe stato certamente più grande. Sopra il Mount Lee che domina Los Angeles c’è la lettera Y, è una delle nove lettere che compongono la grande scritta HOLLYWOOD. Il debutto dei LOVE/HATE , BLACK OUT IN THE RED ROOM uscì nel 1990, un disco spaventosamente brutale dove lo street metal losangelino incontrava la rabbia dei reietti del Sunset Strip e lo sporco del vero punk innaffiato da puro Jack Daniels. Un disco epocale degno di stare tra le migliori uscite rock di quel periodo. Il sontuoso contratto con la Columbia doveva essere nuovamente onorato con qualcosa di importante. Almeno della stessa grandezza. Skid, bassista e mente ci mette il disegno di copertina “ è un’immagine impressionistica di una scena avvenuta di fronte al Circus Maximum di New York, dove la polizia ha massacrato di botte un nero” e i testi sempre graffianti e anticonformisti (‘Wasted In America’ si scaglia contro la generazione cresciuta a pane e Tv, ‘Don’t Fuck With Me’ è un inno per l’integrazione razziale sotto forma di ballata, ‘Spit’ è un’allusione sessuale schizzata e senza troppi veli e peli sulla…), il chitarrista Jon E. Love e il batterista Joey Gold si mettono d’impegno per dare una nuova svolta al suono, ora più contaminato (‘Yucca Man’, ‘Time’s Up’) e al passo con i tempi senza rinunciare alla violenza sonora (‘Tranquilizer’) ma pure alla melodia (‘Miss America’) . Il cantante Jizzy Pearl ci mette faccia e voce, la ribellione di chi è cresciuto con dei genitori alcolisti e il marketing pubblicitario: sopra a quella croce posizionata sulla Y di Hollywood c’era proprio lui. Un gesto pubblicitario folle, unico, che finì su tutti i telegiornali americani dell’epoca. Il risultato più immediato furono gli elicotteri della polizia che gli ronzavano intorno come mosche sugli escrementi. Poi l’arresto. I risultati a breve termine furono altalenanti: dopo i tour con AC/DC e Ozzy Osbourne ci fu la rottura con la Columbia e l’uscita di scena del chitarrista Jon E. Love, dentro fino al collo nei suoi loschi affari di droga. Per i Love/Hate ci fu il ritorno all’underground (altri dischi, spesso dimenticati) e alle lotte interne tra Skid e Jizzy Pearl che posero fine a tutto.
Ogni tanto qualcuno punta l’occhio verso il Mont Lee, squadra le lettere della scritta Hollywood senza nessun risultato. Allora meglio guardare le vetrine dei negozi di dischi: è appena uscito il nuovo album di Jizzy Pearl (ALL YOU NEED IS SOUL, anno 2018) che pare riagganciarsi a quel debutto da cui partì tutto.

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DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #9: THE MOTHER STATION-Brand New Bag (1994)

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #18: BOB DYLAN-Street Legal (1978)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #19- CRAZY HORSE-Crazy Horse (1971)

lunedì 11 giugno 2018

RECENSIONE: XAVIER RUDD (Storm Boy)

XAVIER RUDD Storm Boy (Nettwerk, 2018)

Xavier Rudd vide il suo primo concerto a dieci anni d'età. Fu Paul Simon durante il tour del meraviglioso Graceland. Rimase folgorato. Come dargli torto? Non vi è dubbio che il piccolo cantautore di New York fu più che un faro guida per l'inizio della sua carriera. L'australiano ha però avuto un grande vantaggio/fortuna: quello di vivere la music...a etnica e la natura incontaminata da un posto privilegiato rispetto a chi è costretto ad andare a cercare il tutto fuori da casa propria ( agli americani Jack Johnson e Ben Harper ad esempio-grandi amici e appassionati di surf come lui- a cui spesso è associato, manca questo retroterra sociale/culturale più estremo e selvaggio). Cresciuto a piedi scalzi tra la sabbia delle spiagge del Torquay (angolo suggestivo per tutti i surfisti), ma anche tra gli alberi delle foreste e a strettissimo contatto con le popolazione aborigene dell'Australia di cui è estremo difensore (lui nato da padre aborigeno e mamma europea) che ne hanno segnato fortemente la scrittura, sviluppando oltre ad un fortissimo legame con la natura (salutista e vegetariano, difensore dell’ambiente), anche un grande amore per i tantissimi ed inusuali strumenti tradizionali. “La musica è la mia chiesa, la cultura aborigena la mia religione “ dice. Bellissimo vederlo all'opera da solo durante i suoi live-set circondato e sovrastato dagli strumenti. One man band eccezionale.Con questo nuovo STORM BOY, nono disco in carriera, riprende il discorso lasciato in sospeso con Spirit Bird uscito nel 2012. In mezzo ci fu Nanna (2015) la parentesi fortemente influenzata dal reggae, un disco di squadra con The United National come lo fu il più riuscito Koonyum Sun uscito nel 2010. Ritorna quindi a predominare l’anima più ottimista e profonda ben rappresentata dal singolo ‘Walk Away’, un piccolo inno che vuole invogliare a lasciare le vecchie strade alla ricerca del nuovo. Tutto quello che c’era già in ‘Follow The Sun’ , il suo più grande successo commerciale. Sì, insomma non cercate troppe novità qui dentro: ottimismo, amore incondizionato per la vita, forte spiritualità e natura incontaminata a palate, e una produzione, purtroppo, pulita pulita, opera di Chris Bond e Tim Palner. Tra folk leggeri come l’aria fresca del mattino (‘Storm Boy’, ‘Before I Go’), semplici chitarra e armonica (‘True To Yourself’, ‘Times Like These’) qualche fuga elettrica su un tappeto reggae, solo due in verità (‘Keep It Simple’, ‘Feet In The Ground’), un occhio al folk melodico più moderno che cattura sempre le ultime generazioni (‘Honeymoon Bay’) e canzoni più complesse, strutturate ma sempre leggere e ariose (‘True Love’), il disco scorre pigro e rilassato (a volte fin troppo) come la migliore, o la peggiore dipende dai punti di vista, giornata estiva sotto il caldo sole. Meglio se in una spiaggia deserta o in alta montagna. Il consiglio rimane sempre quello di non perderlo dal vivo, se vi manca, almeno una volta va visto.

RECENSIONE/REPORTAGE Live: XAVIER RUDD live@CARROPONTE Sesto San Giovanni (MI) 20 Luglio 2012

giovedì 7 giugno 2018

RECENSIONE: ROGER DALTREY (As Long As I Have You)

ROGER DALTREY As Long As I Have You (Polydor Records, 2018)

Le ricette semplici sono sempre le più ardue da portare a termine con buon gusto e la giusta efficacia che le faccia brillare in mezzo a tante altre portate. Lo sa bene Roger Daltrey che con questo disco vuole fare un po’ di passi indietro “un ritorno agli inizi” dice lui, quando a dominare la sua vita erano il soul e il R&B, quello cantato dalle belle voci. La naturale prosecuzione del precedente disco GOING BACK HOME uscito quattro anni fa insieme a Wilko Johnson (in arrivo anche il suo disco) ma con meno peperoncino e un pizzico di zucchero in più. Sarebbe bastato raccogliere dei vecchi brani degli anni 50 e 60 e reinterpretati. Qui c’è qualcosa in più. Con lui il fedele amico di sempre Pete Townshend che gioca di fino e qualche volta affonda con la chitarra in sette canzoni su dodici (“non c’era bisogno di essere un lampo né un genio per suonare R&B con chitarra. Era necessario disporsi ad un ascolto attento, fino a sentirsi la musica dentro” scriveva Townshend nella sua autobiografia), Sean Genockey (chitarra) e poi Mike Talbot al pianoforte. Compone solo due canzoni di proprio pugno ‘Certified Rose’ e la finale ‘Always Heading Home’, e poi pesca a piene mani nella musica, dimostrando curiosità e buon gusto. Ruba ‘Into My Arms’ a Nick Cave che rimane la straordinaria ballata pianistica di sempre, fa sue la graffiante ‘You Haven’t Done Nothing’ di Stevie Wonder con fiati e cori, ‘The Love You Save’ di Joe Tex e ‘How Far’ di Stephen Stills, apre con una portentosa ‘As Long Ad I Have You’ di Garnet Mimms, trascina con il funk gospel di ‘Get On Out Of The Rain’ dei Parliament. Un disco che mostra, a 74 anni, l’intatta voglia di mettersi in gioco e alla prova, dimostrando ancora fisico ma soprattutto voce. Una prova di vitalità vinta. Un disco che serve più a lui che a noi. Piacevole.

lunedì 4 giugno 2018

RECENSIONE: DAVE ALVIN and JIMMIE DALE GILMORE (Downey To Lubbock)

DAVE ALVIN and JIMMIE DALE GILMORE Downey To Lubbock (YepRoc Records, 2018)

In mezzo tra Dave Alvin proveniente da Downey, California, e Jimmie Dale Gilmore da Lubbock, Texas, c’è la grande America “centinaia di miglia, deserti, montagne e fiumi” come dice Dave Alvin, in profondità, giù radicate, le radici musicali comuni, quelle che si sviluppano verso il vecchio blues, il folk, il R&B di New Orleans, la country music, le border songs e il rock’n’roll dei ‘50. Seppur con qualche anno di differenza, esattamente dieci, anni di stima reciproca hanno trovato sfogo in alcune date live suonate insieme lo scorso anno. Da lì a incidere il disco, il passo è stato veramente corto, veloce e senza sforzo alcuno. Eccolo qua. Due passati importanti da ricordare, uno nei Blasters, l’altro con i Flatlanders, entrambi vecchi frequentatori del folk club The Ash Grove a Los Angeles, entrambi con le stesse canzoni nel cuore. Dieci sono le cover scelte tra cui 'Deportee (Plane Wreck at Los Gatos)' scritta da Woody Guthrie sul mistero dell'aereo caduto a Los Gatos, Canyon, il 28 Gennaio 1948 ( i quattro americani membri dell'equipaggio vennero subito riconosciuti, i ventitré braccianti messicani no), ‘Silverlake’ di Steve Young, il traditional ‘K.C. Moan’, 'Get Together' degli Youngbloods, 'Lawdy Miss Clawdy' di Lloyd Price, 'Buddy Brown's Blues' di Lightnin' Hopkins e ‘Walk On’ di Brownie e Ruth McGee che chiude il disco alla grande. In più aggiungono due canzoni nuove scritte per l’occasione: il manifesto di strada che apre l'album ‘Downey To Lubbock’ e ‘Billy The Kid And Geronimo’ che dice tutto nel titolo, un dialogo a due voci tra il fuorilegge e l’apache. Due figure per certi versi simili. La fusione tra le due voci, tonalità bassa per Alvin, più alta per Dale Gilmore, la chitarra elettrica dell’ex Blasters e un buon gruppo dietro fanno il resto. Non ci rimane altro che viaggiare attraversando i tanti e colorati fondali elettro acustici che i due musicisti hanno costruito con mestiere e tanto cuore (si sente). Buon viaggio.

martedì 29 maggio 2018

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA # 61: GRAM PARSONS (G.P.)

GRAM PARSONS G.P. (Reprise, 1973)

l’amico fragile

“Gram scrisse dei grandi pezzi. ‘A Song For You’, ‘Hickory Wind’, ‘Thousand Dollar Wedding’, grandi idee. Poteva scrivere canzoni che sbucavano da dietro l’angolo ed entravano dalla porta principale, ti sorprendevano da dietro e facevano le capriole. “ Così l’amico Keith Richards ricorda la straordinaria capacità compositiva di Gram Parsons. Uno che arrivò sempre prima di tutti ma inspiegabilmente rimase sempre in seconda fila. Almeno in vita. I due si incontrarono in Inghilterra quando Parsons, spirito inquieto e ribelle, a soli vent’anni volò in cerca di nuovi spunti, già stanco di una vita da rockstar che assaporò per soli pochi mesi con i Byrds. Lo scambio di idee con i Rolling Stones fu di beneficio per entrambe le parti, tanto che le affinità musicali e di vita (alcol e droghe furono un collante non da poco e purtroppo decisivo per il futuro) spinsero Richards a offrirgli un posto nella band. Niente di tutto ciò accadde (sembra che Jagger remò contro), nonostante i due formassero una coppia artistica di fatto ben affiatata, fuori e dentro gli studi di registrazione. Nei deserti di Joshua Tree ci sono ancora le loro impronte.Quando tornò a Los Angeles, Parsons iniziò la breve avventura con i Flying Burrito Brothers che si concretizzò in soli due album che però ebbero la straordinaria capacità di indicare le future vie del country rock. La dipendenza da eroina gli fu fatale per il posto nella band.
G.P. il primo album solista è la dimostrazione pratica di quanto Parsons fosse il primo della classe in materia, un perfezionista che per questo primo sforzo pretese il meglio, i migliori musicisti sulla piazza di Nashville e Los Angeles, ossia i musicisti di Elvis Presley. Insieme a lui anche una nuova e sconosciuta cantante, incontrata per caso una sera: Emmylou Harris. I duetti dei due imperversano lungo tutte le undici tracce con una particolare menzione per la ballata ‘A Song For You’ e per la più frizzante ‘That’s All It Took’.

Arrivò a coniare un nuovo termine come ‘Cosmic American Music’ per descrivere quel particolare mix che dava una spolverata alla vecchia country music (‘Streets Of Baltimore’) con dossicce dosi di contemporaneità (‘She’), rock’n’roll (‘Big Mouth Blues’), bluegrass (‘Still Feeling Blue’) e R&B (‘Cry One More Time’). “Gram era un narratore, ma aveva anche una dote unica che non ho mai ritrovato in nessun altro, era in grado di far piangere le donne” racconta ancora Richards.
Il disco acclamato dalla critica non ebbe il successo sperato e pochi mesi dopo l’uscita, il 19 Settembre del 1973, Parsons venne trovato morto per overdose al Joshua Tree Inn, motel dove amava rifugiarsi in compagnia dei suoi vizi preferiti e della depressione latente. Aveva appena finito di registrare il secondo disco GRIEVOUS ANGEL che uscirà postumo. Dopo la morte la sua salma fu rubata dagli amici, bruciata e dispersa a Cap Rock per rispettare un patto fatto in vita, ma solo di una cosa si è sicuri, da quel giorno insieme alle ceneri, la sua musica ha iniziato a oltrepassare i confini di Joshua Tree, viaggiando nei decenni, arrivando immutata ai giorni nostri.
“La trovata migliore è morire giovani, ma Gram sarebbe un po’ perplesso da tutta questa adorazione” Emmylou Harris.

PUNTATE PRECEDENTI

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #9: THE MOTHER STATION-Brand New Bag (1994)

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #18: BOB DYLAN-Street Legal (1978)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #19- CRAZY HORSE-Crazy Horse (1971)

lunedì 28 maggio 2018

RECENSIONE: GRAVEYARD (Peace)

GRAVEYARD Peace (Nuclear Blast, 2018)

Perché aspettare anni e anni per una reunion quando si hanno buone canzoni nel cassetto? È quello che devono aver pensato i GRAVEYARD, svedesi di Göteborg-per la precisione dall'isola di Hisingen, quartiere operaio della città-, a soli pochi mesi dallo scioglimento: fu annunciato nel Settembre del 2016, a Gennaio 2017 l'annuncio della reunion. Rieccoli qua-all'appello manca il primo batterista Axel Sjöberg sostituito da Oskar Bergenheim-con uno dei dischi più centrati e personali della loro carriera, iniziata nel 2006, anche se i rimandi ai settanta sono sempre presenti e gravitanti intorno alla voce roca e blues di Joakim Nillson. Mancherà forse la freschezza compositiva di Hisingen Blues (2011), la loro vetta che finì pure per stazionare primo nelle classifiche di vendita in patria ma tutto suona onesto e credibile. I punti di riferimento sono quelli di sempre anche se questa volta prediligono la concretezza: le dieci canzoni sono più snelle rispetto al recente passato, scorrono veloci e dirette, fin dalla doppietta di apertura 'It Ain't Over You' e 'Cold Love' che stendono e rapiscono fin da subito. Esce preponderante l'amore per Jimi Hendrix in due tracce che scavano nel blues psichedelico: 'The Fox' si muove lenta e sinuosa, avvolgente, ricordando anche i Thin Lizzy del mai dimenticato Phil Lynott, 'Bird Of Paradise' è invece lava incandescente che straripa da un hard blues della miglior specie, tra le migliori. Nei 43 minuti di durata si corre indietro nel tempo con estrema disinvoltura e il gruppo svedese ha dimostrato sul campo di essere una delle più genuine band in circolazione (saranno in Italia l'8 Ottobre al Bloom di Mezzago): ora in modo pesante e sabbathiano ('Please Don't'), ora con incedere tambureggiante nei due hard rock 'Walk On' e A Sign Of Peace', per poi sorprendere nella psichedelica e morriconiana 'See The Day', nel blues a passo d'uomo 'Del Manic', lenta fino a crescere nell'assolo finale e addirittura ricordando lo swamp rock di Tony Joe White nella finale 'Low (I Wouldn't Mind)', un blues che gioca con le ombre e il mistero, sei minuti che si concludono con il botto. A questo punto sarebbe veramente un peccato perderli una seconda volta. Ma perché poi?

RECENSIONE: GRAVEYARD-Hisingen Blues (2011)
RECENSIONE: GRAVEYARD-Lights Out (2012)
RECENSIONE: GRAVEYARD-Innocence & Decadence (2015)

martedì 22 maggio 2018

RECENSIONE: RY COODER (The Prodigal Son)

RY COODER The Prodigal Son (Caroline/Universal, 2018)

RY COODER ha sempre fatto quello che ha voluto, fregandosene dei tempi, completamente slegato da qualsiasi moda e corrente musicale, risultando avanti quando suona vecchio, antico quando racconta il presente. Innovativo, curioso e strabiliante sempre. Mai banale ma stimolante. Non è da meno PRODIGAL SON, un disco che arriva a ben sei anni da Election Special (2012) e sette da Pull Up Some Dust And Sit Down (2011), due dischi calati perfettamente negli anni in cui uscirono, due concept album di denuncia e protesta che mettevano in risalto crisi finanziarie e giochi di potere in prossimità delle elezioni governative americane del 2012. Riuscitissimo il secondo, un po’ meno il primo. Questa volta, spinto e spronato dal figlio Joachim, abbandona la stretta attualità (anche se parecchie canzoni possono benissimo incastrarsi con i tempi che stiamo vivendo, ecco l'immigrazione trattata in 'Everybody Ought To Treat A Stranger Right') e pesca a piene mani nel gospel, riesumando vecchi traditional e antiche canzoni spiritual di Blind Willie Johnson, Carter Stanley, Blind Roosevelt Graves, imparate quand’era ragazzo e ora verniciate a nuovo, registrate in modo semplice e diretto (quasi live) e imbastite con trame blues, gospel, folk e rock. È tutto ridotto all’osso qui dentro, dagli strumenti ai musicisti, atto a riportare le lancette del tempo indietro di molti anni ed esaltare le tematiche di morte, amore e fede dei testi, portando in superficie la moralità, la storia, la cultura: la chitarra, la voce di Ry Cooder e la batteria di Joachim sono sempre presenti (con sporadiche e bilanciate concessioni alla modernità), unica eccezione per il basso di Robert Francis e il violino di Aubrey Haynie in ‘You Must Unload’, più i cori del fedelissimo Terry Evans, scomparso poco dopo le registrazioni, Bobby King e Arnold McCuller. Tra la cupa, lenta e nera ‘Nobody’s Fault But Mine’ (uno dei picchi del disco) al gospel di ‘Prodigal Son’ scrive tre canzoni di proprio pugno: ‘Shrinking Man’, la più moderna nel testo ‘Gentification’ e ‘ Jesus And Woody’ che cerca di tracciare un dialogo immaginario tra Gesù Cristo e la figura di riferimento del folk Woody Guthrie. Seduti uno vicino all’altro, il figlio di Dio dice: “sì, sono stato un sognatore, Mr. Guthrie, e lo sei anche anche tu”. Dovremmo esserlo tutti, visti i tempi che ci aspettano là fuori.

martedì 15 maggio 2018

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA # 60: BILLY JOEL (Cold Spring Harbor)

BILLY JOEL Cold Spring Harbor (CBS, 1971)

Dopo le uscite discografiche con la prima band, The Hassles, dischi che fallirono sotto il profilo delle vendite, Billy Joel e Jon Small formarono, sotto la spinta del nascente Hard Rock, un insolito duo batteria-organo (un Hammond amplificato, distorto e usato come una chitarra elettrica), gli Attila, votato a sonorità dure, a tratti prog ed epiche ben rappresentate da una copertina di cattivo gusto che li vede ritratti in abiti barbarici dentro ad una stanza da macello ed un suono proto- metal che oggi potrebbe pure andare di moda tra le numerose band/duo esistenti. Un unico e disastroso (in termini di vendita) disco (1970) e anche questo progetto naufragò velocemente, mettendo Joel davanti alla dura realtà del music business. Gli rimasero alcune carte da giocare come critico musicale per il magazine Changes e la scrittura di alcuni jingle musicali per pubblicità, che non bastarono però ad evitargli il baratro della depressione che culminò in un tentativo di suicidio, in verità mai accertato con sicurezza, ed il ricovero presso un ospedale psichiatrico per la guarigione. Episodio raccontato con forti dosi di humor, più in là in carriera: "ho bevuto lucido per mobili. Sembrava più saporito della candeggina” rivelò. "Sono una persona molto sensibile e vulnerabile, con una recensione cattiva potete anche distruggermi” e Robert Palmer, celebre critico musicale del New York Times, ci provò anche più avanti distruggendo il suo masterpiece ‘The Stranger’. Non fu che il primo campanello di allarme a testimonianza dei demoni che si porterà dietro per tutta la carriera: dalle droghe, alla burrascosa vita famigliare (tre matrimoni, tre divorzi), i numerosi incidenti stradali (uno in moto per poco gli costò mani, carriera e quasi la vita), alle liti con ex componenti della sua band, fino all’alcolismo che a scadenze regolari ne mina l’esistenza. E’ del 2012 la notizia rivelata in pubblico dall’amico Elton John che ha consigliato a Joel un periodo di rehab per sconfiggere l’alcolismo, oltre che prendere l’ occasione per punzecchiarlo sulla pigrizia nello scrivere canzoni che lo ha colpito negli ultimi vent’anni, “In questo momento Billy mi odia. E capisco il perché. Mi ha mandato un messaggio dicendomi che non era felice. E ho subito capito di cosa si trattava” racconta Elton John.

Anche il primo album a suo nome ha tutte caratteristiche per scoraggiare sul nascere la carriera di qualsiasi musicista in erba, ma il carattere combattente da ex pugile e la terapia, affrontata e riuscita, questa volta ebbero la meglio. Joel firma un contratto disastroso con la Artie Ripp Family Productions e sforna il suo primo disco COLD SPRING HARBOR (titolo rubato a un quartiere di Long Island a New York), un disco di ballate al pianoforte, prodotto e masterizzato in maniera indecente (a velocità sbagliata) pur contenendo già qualche buona gemma come ‘You Can Make Me Free’, le più famose e longeve nel tempo ‘She’s Got A Way’ e ‘Everybody Loves You Now’ che verranno riprese nel live SONGS IN THE ATTIC del 1981, la strumentale ‘Nocturne’, il picco confessionale toccato con ‘Tomorrow Is Today’, con il suo intermezzo gospel, che si addentra proprio tra le pieghe di quel tentato suicidio. Il contratto firmato da Joel dava tutto in mano a Ripp per i successivi 15 anni e la rescissione gli costò, più avanti in carriera, un bel gruzzoletto. La Columbia quando mise sotto contratto Joel, dovette sobbarcarsi il problema fino all’estinzione del debito con il non pregevole obbligo di stampare il logo Family in tutte le copertine dei dischi successivi. Il debutto passò totalmente inosservato, venendo registrato e rivalutato a carriera affermata nel 1984. “Il mio più grande errore in vita è stato firmare tanti contratti che non sapevo cosa fossero” dirà in seguito.

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