it's still rock and roll to me

lunedì 26 febbraio 2018

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #54: LYNYRD SKYNYRD (1991, The Last Rebel)

LYNYRD SKYNYRD 1991

Tour americano del 1991, i Lynyrd Skynyrd decidono di aprirlo a Baton Rouge in Louisiana. Non è un posto qualunque ma la città verso cui era diretto quel maledetto aereo nel 1977. Non ci arrivò mai come sappiamo. Chi possiede ancora il vecchio biglietto di quel concerto mai suonato, potrà entrare gratis. C'è da portare in giro un disco importante, il primo registrato dalla band dopo quattordici anni: 1991 è il titolo, l’anno della rinascita. Anche se per ragioni legali Lynyrd Skynyrd 1991 sarà il nuovo nome della band per un breve periodo.
Ci sono i superstiti Gary Rossington (chitarra), Billy Powell (tastiere), Leon Wilkeson (basso), Artimus Pyle (batteria), Ed King (chitarra) e poi i nuovi Johnny Van Zant, fratello di Ronnie Van Zant alla voce, Custer alla batteria che presto sostituirà del tutto Pyle e Randall Hall alle chitarre. Tre chitarre tre come ai vecchi tempi. Dopo il trionfale tour tributo del 1987 documentato in Southern By The Grace Of God (1988), i tempi sono buoni per rimettere in moto la leggenda e farla restare tale ancora per un po’. “Abbiamo cominciato, ci siamo divertiti, siamo stati soddisfatti del risultato ed abbiamo rimesso in piedi la band”, racconta Van Zandt in un'intervista dell'epoca. Johnny Van Zandt prima di prendere l’importante decisione di entrare nella band vuole essere sicuro che tutta la famiglia approvi l’idea. Naturalmente sarà un' unanime sì e non ci sarà nessun pentimento per una storia che continua ancora oggi, tra alti, bassi e tante perdite.

“C'è forse un po’ meno rabbia, ma c'è anche molta meno droga in giro. Johnny è bravo quanto Ronnie nello scrivere testi con una storia interessante. In quello non è cambiato nulla”, così Gary Rossington. 1991 è un disco onesto che non aggiunge nulla alla storia già scritta ma presenta una band ancora viva e vogliosa di lasciare un segno: sia negli episodi più rock e incisivi (‘Smokestack Lightning’, ‘Keeping The Faith’, ‘Southern Women’,’I’ve Seen Enough’) che nelle ballate (‘Pure & Simple’,’Mama, Afraid To Say Goodbye’,’End The Road’ con una citazione di Freebird nel testo) che pur non arrivando a toccare i vertici emotivi del passato, lo tributano nel migliore dei modi. Un ritorno per restare e il successore THE LAST REBEL sarà pure superiore.

LYNYRD SKYNYRD The Last Rebel (1993)

Se trovare i cinque stelle tra la discografia dei ‘70 è estremamente facile e appagante, farlo con i dischi della reunion post sciagura è assai più complicato o più semplicemente non ci sono. Si gioca di mestiere, a volte bene, a volte troppo anche se con l’ immutata onestà di sempre. L’unico, il mio preferito, che potrebbe avvicinarsi ai settanta è THE LAST REBEL, secondo disco con Johnny Van Zant alla voce. Continuità con il passato garantita da una formazione ancora legata a quella storica anche se un paio di anni dopo si sgretolerà completamente: Gary Rossington (rimarrà, negli anni, l’unico sempre presente), Ed King, Leon Wilkeson e Billy Powell sono ancora della partita.

Si sente. Canzoni inaspettatamente ricche di soul, assicurato dalla sezione fiati diretta da Jim Horn (’Good Lovin’s Hard To Find’, ’Best Things In Life’ firmata anche da Tom Keifer dei Cinderella) e qualche buon brano carico di antica epicità e vecchio orgoglio sudista (anche se spesso discutibile) come ‘The Last Rebel‘ e ‘Born To Run‘ (no, Springsteen non c’entra!) che sembrano regalare ancora qualche antico sussulto. Dopo sarà solo una carovana di comparse e dischi con un nome da difendere, tanto mestiere, e solo qualche sporadico acuto, fino all’annuncio di pochi giorni fa: gli ultimi ribelli alle prese con l’ultimo tour della loro gloriosa e travagliata storia.

PUNTATE PRECEDENTI

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA # 1: FRANCESCO DE GREGORI- Titanic (1982)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #2: THE HOUSEMARTINS-London 0 Hull 4
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #3: THE NOTTING HILLBILLIES-Missing...Presumed Having A Good Time
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #4: EDDIE HINTON-Very Extremely Dangerous (1978)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #5: BIG COUNTRY-Steeltown, 1984
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #6: TESLA-Five Man Acoustical Jam, 1990
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA # 7: PRIDE & GLORY-Pride & Glory (1994)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #8: TIN MACHINE-Tin Machine (1989)

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #9: THE MOTHER STATION-Brand New Bag (1994)

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #10: IZZY STRADLIN & THE JU JU HOUNDS (1992)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #11: WARRIOR SOUL-Drugs, God And The New Republic (1991)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #12: IAN HUNTER-Short Black N' Sides (1981)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA # 13: THE DICTATORS-Go Girl Crazy! (1975)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA # 14: POINT BLANK-Second Season (1977)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #15: TEMPLE OF THE DOG (1991)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #16: NEIL YOUNG-Time Fades Away (1973)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA # 17: JOHNNY WINTER-Nothin' But The Blues (1977)

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #18: BOB DYLAN-Street Legal (1978)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #19- CRAZY HORSE-Crazy Horse (1971)

mercoledì 21 febbraio 2018

RECENSIONE: GRANT-LEE PHILLIPS (Widdershins )

GRANT-LEE PHILLIPS Widdershins (Yep Records, 2018)

“In quale direzione ci stiamo muovendo?” . È con questa domanda in testa che GRANT-LEE PHILLIPS imbraccia una chitarra, insieme ai fedeli Lee Prixe al basso e Jerry Roe alla batteria, e cerca di dare più risposte possibili con un disco diretto e immediato, registrato con l’urgenza dei tempi migliori, in soli quattro giorni, a Nashville. Là dove il precedente e bellissimo THE NARROWS giocava prevalentemente attraverso suoni acustici con ballate quasi ipnotiche e volgeva lo sguardo indietro, scavando tra le sue radici pellerossa (Cherokee) e riflettendo sull’importante scelta di vita del trasferimento da Los Angeles a Nashville, con WIDDERSHINS affronta con piglio beffardo, e con una buona dose d’ironia, il presente, i problemi della sua grande patria (sì, Trump centra qualcosa), i rapporti sociali sempre più freddi e prossimi allo zero (“non abbiamo mai lasciato il deserto” canta in una strofa di ‘The Wilderneds’) non mancando di giocare con astuzia tra corsi e ricorsi storici: ‘Scared Stiff’ ha il passo veloce dei Clash di ‘London Calling’, ‘The Wilderneds’ e ‘Great Acceleration’ sono rock tesi che rimandano diretti ai giorni dei Grant Lee Buffalo. A proposito Phillips ci vede anche una forte somiglianza tra i periodi storici: “Il periodo dei Grant Lee Buffalo fu anche un periodo di intensa ansia sociale. La Guerra del Golfo, le rivolte di Los Angeles…ero in uno stato d'umore alterato quando scrissi quelle canzoni, proprio come ora”.
L’umore musicale del disco è comunque vario. Alterna i momenti più elettrici con intense pennellate di pura americana (l’apertura ‘Walk In Circles’ ricorda musicalmente il compianto Tom Petty e riflette saggiamente sul tortuoso percorso fatto dall’uomo fino ad oggi, cercando un’originale soluzione), ‘King Of Catastrophes’, ‘Miss Betsy’ (che affronta anche il delicato momento economico e il problema del lavoro minorile), ‘Another, Another, The Boom’ e ‘History Had Their Number’ sono piccole delizie folk roots e country. Grant-Lee Phillips fa nuovamente centro con un disco sentito e ispiratissimo, pieno di ambigui personaggi e messaggi lanciati con il piglio del grande songwriter.

lunedì 19 febbraio 2018

RECENSIONE: DALLAS MOORE (Mr. Honky Tonk)

DALLAS MOORE Mr.Honky Tonk (2018)

Li chiamavano “Honky Tonk Heroes” e DALLAS MOORE da più di vent’anni ne segue le orme e porta avanti la tradizione nel migliore dei modi. Immediati i riferimenti a personaggi come Waylon Jennings e Billy Joe Shaver. Due a caso che contano. Benchè questo MR. HONKY TONK sia solo il quarto album in carriera, per cercare il suo esordio bisogna correre indietro al 1991. Cappellacio calato in testa, lunga e folta barba, look e approccio non troppo lontani da quelli di Chris Stapleton-tanto per rimanere nel presente di questi ultimi anni-, anche se Stapleton gioca spesso e volentieri di classe soul mentre Moore è notevolmente più grezzo.
Prodotto e registrato da Dan Miller (figlio di Roger Miller) a Nashville, inizialmente doveva essere un EP di sole quattro canzoni che si è allungato a otto nell’ultimo anno, quando il songwriter di Cincinnati ha trovato nuove ispirazioni per scrivere durante i tour aperti per alcuni suoi eroi come Dean Dillon, Billy Joe Shaver (eccolo) e Ray Wylie Hubbard. Un anno, il 2017 , che lui stesso incorona come uno dei migliori della sua vita: è diventato padre, l’Ameripolitan Music Awards di Austin ha incoronato il suo gruppo come la migliore outlaw country band dell’anno, e perfino avvenimenti tristi come la morte di Tom Petty sono stati d’aiuto per la scrittura dei pezzi. A volte capita. Purtroppo.
Sono proprio i live (si parla di circa 300 date all’anno!) e la strada a segnare le canzoni: “Ho scritto molte delle mie canzoni in sella alla mia Harley Davidson Road King” racconta in una intervista. E già ce lo immaginiamo.
Un disco caratterizzato da luoghi , viaggi e paesaggi tipicamente americani (‘Home Is Where The Highway Is’ è un testamento , ‘Texahio’), dove litri e litri di Whiskey vengono versati senza badare troppo a spese (‘Mr.Honky Tonk’ l’ha scritta vent’anni fa e racchiude un genere) dove solidi country rock elettrici (l’amore perduto di ‘Killing Me Nice And Slow’ con la chitarra del ventiduenne Lucky Chucky) e sbilenchi walzer guidati dalla pedal steel di Steve Hinson (‘You Know The Rest’) si susseguono fino ad arrivare al bel southern rock finale di ‘Shoot Out The Lights’ che viaggia di slide e dove compare l’armonica di un personaggio come Mickey Raphael (già con Willie Nelson, Waylon Jennings, Chris Stapleton). Dallas Moore incarna alla perfezione la figura del musicista solitario e anticonformista, duro e puro, all'occorrenza romantico (senza esagerare), efficace nel far proseliti senza usare effetti speciali.
Forse non diventerà mai un eroe (ma uno che fa 300 concerti all’anno una candidatura la merita) ma un posto tra i migliori dell’outlaw country di questi giorni l’ha già guadagnato da tempo.

martedì 13 febbraio 2018

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA # 53: THE GEORGIA SATELLITES (Open All Night)

THE GEORGIA SATELLITES Open All Night (1988)

Quando parte ‘Open All Night’, prima traccia di questo secondo album, la sensazione di aver messo su per sbaglio ‘Pink Cadillac’ di Bruce Springsteen dura pochi secondi fino a quando la chitarra di Rick Richards attacca l’assalto, anche se Dan Baird e soci non hanno mai fatto mistero dell’influenza di quella canzone sulla loro. I Georgia Satellites, da Atlanta, si nutrivano sì di rock'n'roll alla vecchia maniera pescato con cura tra il blues di Chuck Berry e l’irriverenza di Jerry Lee Lewis (ecco due vere cover: ‘Whole Lotta Shakin’ e quella ‘Don’t Pass Me By’ scritta da Ringo Starr per il White Album dei Beatles, rilette selvaggiamente in chiave honky tonk) ma seppero aggiungere la durezza di chitarre elettriche aspre e arcigne (‘Sheila’,’Cool Inside’), pescare nella tradizione del loro sud (la ballata finale ‘Hand To Mouth’), dal garage rock, dal rockabilly (‘Mon Cheri’ ricorda i Blasters), dall’hard rock blues (‘Down Down’ avanza come una canzone degli Ac/Dc), nel rock alternativo dei loro contemporanei (‘Baby So Fine’ puzza di Replacements), prendere il lato più sporco e selvaggio di band come i Faces. A tal proposito c'è da segnalare la presenza di uno scatenato Ian McLagan al pianoforte in tre brani. Quella che ne esce è una delle band più viscerali, vere e dirette della seconda metà degli anni ottanta (completano la formazione: Rick Price al basso e Mauro Magellan alla batteria), in grado di tenere alto il nome del southern rock in un periodo in cui viaggiava ai minimi storici per popolarità e scarsità di band all’apice, riaprendo quelle strade che pochi anni dopo saranno nuovamente frequentate assiduamente. Inferiore al debutto uscito due anni prima (trainato dal successo di ‘Keep Your Hands To Yourself’), e anche al successivo e più equilibrato e maturo IN THE LAND OF SALVATION AND SIN uscito l’anno dopo, i Georgia Satellites sono da prendere totalmente in blocco. In tre album seppero dire tutto con l’urgenza dei grandi e con il grande rispetto verso gli altri grandi che arrivarono prima di loro, come testimoniano le numerose cover in scaletta. Durò tutto pochissimo, lo stesso tempo impiegato dalla colla degli adesivi incollati sulla copertina di Open All Night a seccarsi. Una volta volta seccata la colla rimangono i ricordi appiccicosi, difficili da eliminare completamente. Quelli che ti porti dietro per sempre.

PUNTATE PRECEDENTI

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #9: THE MOTHER STATION-Brand New Bag (1994)

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #18: BOB DYLAN-Street Legal (1978)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #19- CRAZY HORSE-Crazy Horse (1971)

mercoledì 7 febbraio 2018

RECENSIONE: ANDREA VAN CLEEF (Tropic Of Nowhere)

ANDREA VAN CLEEF Tropic Of Nowhere (2018)

TROPIC OF NOWHERE il nuovo album solista di ANDREA VAN CLEEF è uscito lo scorso 23 Febbraio, riscuotendo immediatamente un buon riscontro della critica musicale. Uno dei suoi punti di forza è l'estrema versatilità stilistica che accompagna le canzoni in scaletta e perché no: una veste grafica accattivante e vincente. Chi conosce bene il bresciano Andrea (radici camune le sue) non si sorprenderà di tutto ciò: artista poliedrico e musicalmente curioso, capace di tenere banco tanto con i suoi progetti originali di musica pesante tra Black Sabbath e stoner californiano (i defunti Van Cleef Continental, gli Humulus), quanto con i suoi progetti solisti di folk rock psichedelico (il precedente SUN DOG) e omaggi (bello quello messo in piedi per i Morphine).

Dentro a Tropic Of Nowhere, quindi, ho trovato un po' tutto quello che mi piace ascoltare ora: chitarre elettriche che si agganciano all’altra fetta del suo attuale percorso musicale più pesante targato stoner (gli HUMULUS di cui è cantante e chitarrista)-in un brano si riformano anche i Van Cleef Continental ( il batterista Simone Helgast Cavagnini, il bassista Giorgio Fnool e Elena Lady Cortez alle tastiere) il suo gruppo precedente, atmosfere acustiche a metà strada tra

Foto:Tommaso Donghi

i Grateful Dead di American Beauty e il tenebroso Johnny Cash (‘Wrong Side Of A Gun’ cantata insieme a Patricia Vonne), numerose impronte desertiche e di frontiera alla Calexico, Giant Sand e Ry Cooder (una stravolta e caliente 'Paranoid' dei Black Sabbath cantata insieme a Vanessa Del Fierro-irriconoscibile se non ci fosse il testo), schegge impazzite di rockabilly ’50 e garage rock (‘Friday’), luci soffuse e psichedeliche ('Tropic Of Nowhere') che si riallacciano al precedente disco solista, ammiccando a Jonathan Wilson,

suggestive tastiere vintage a impreziosire e una curiosità musicale che sembra ricordare molto da vicino pure Dan Aurbach e i suoi Black Keys ('I Wanna Be Like You'). Tanta carne al fuoco. Suonano con lui THE FOREVER PEOPLE ( Andrea Braga alle tastiere, Giorgio Fnool al basso e Matteo Melchiori alla batteria) e numerosi artisti americani del giro di Rick Del Castillo, pescati a Austin in Texas. Disco caldo, vario, dall' impronta internazionale. Consigliatissimo. Così come consigliato è andare cercare tra le date del tour quella più vicina a voi, ma anche quelle più lontane, perché no? La musica è anche viaggio e Andrea tiene bene il volante.

giovedì 1 febbraio 2018

RECENSIONE: BLACK LABEL SOCIETY (Grimmest Hits)

BLACK LABEL SOCIETY Grimmest Hits (Spinefarm Records, 2018)

E bravo il nostro Zakk Wylde! Non scambiate il titolo per una raccolta di vecchi successi, GRIMMEST HITS è il nuovo album dei BLACK LABEL SOCIETY. Pur non avendo mai cambiato di una virgola il suo approccio alla materia musica, questa volta azzardo nell’affermare che queste dodici canzoni siano quanto di meglio sia uscito sotto la sigla BLS da molti anni a questa parte. Uno dei migliori certamente. Questo grazie al fondamentale recupero di un pesante blues di matrice Black Sabbath (‘All That Once Shined’, ‘A Love Unreal’, ‘Disbelief’, 'Bury Your Sorrow’) forse ritornato in dono dopo il rientro del chitarrista nella band di Ozzy Osbourne, anche se i suoi ZAKK SABBATH (di fatto una cover band) parlano chiaro. Chiarissimo. Anche le tre parentesi acustiche convincono, emanando sapori di vecchio southern rock (‘The Only EWords’, ‘The Day That Heaven Had Gone Away’, la finale ‘ Nothing Left To Say’) ma si è sempre saputo che sotto la lunga barba e dietro quella chitarra eletttrica ha sempre battuto un cuore caldo e sanguinante, alimentato ad alcol e amante del vecchio Neil Young e dei Lynyrd Skynyrd. E poi le solite immancabili mazzate, tamarre sempre il giusto: ‘Trampled Down Below’, ‘Room Of Nightmares’, e una rockeggiante e bella ‘The Betrayal’. L'appuntamento è fissato per il 16 Marzo all'Alcatraz di Milano.

lunedì 29 gennaio 2018

RECENSIONE: JOE PERRY (Sweetzerland Manifesto)

JOE PERRY Sweetzerland Manifesto (Roman Records, 2018)

Il chitarrista manda Terry Reid e David Johansen in prima fila: un piacevole disco virato blues.

Se il primo disco solista di Steven Tyler, uscito due anni fa mi lasciò l’amaro in bocca, perso com’era in un country pop con poco mordente e da sbadiglio facile, con JOE PERRY si è sempre andati sul sicuro (più o meno) fin dal Joe Perry Project nei primi anni ottanta, passando dagli altri due album solisti JOE PERRY (2005) e HAVE GUITAR, WILL TRAVEL (2009). Una chitarra, imitata e che ha lasciato un segno. Basterebbe soffermarsi sui nomi dei cantanti che lo accompagnano in questa nuova avventura fuori dagli AEROSMITH per capire che qui si fa sul serio. Nulla per stupire ma abbastanza per accontentare i rocker duri e puri di vecchia data, orfani da ormai troppo tempo da un disco a nome Aerosmith che meriti. A proposito: ma il futuro della band di Boston qual è? C’è TERRY REID, una voce incredibile (nel bel blues ‘I’ll Do Happiness’ con Zak Starkey dietro le pelli, nella ritmata ‘Sick And Tired’, nel marziale hard rock dominato dalla chitarra ‘ Won’t Let Me Go’in chiusura del disco) personaggio corteggiato dai più grandi gruppi hard rock degli anni settanta ma che ha sempre preferito una carriera defilata, ai margini del rock system. C’è DAVID JOHANSEN (New York Dolls) che non ha bisogno di troppe presentazioni e gioca bene le sue carte da trasformista: fa il crooner nell’acustica ‘I Wanna Roll’, mentre nei canonici Chicago blues ‘Haberdasher Blues’ e ‘I’m Going Crazy’ si trasforma in un vecchio blues man cimentandosi anche all’armonica. Infine ROBIN ZANDER (Cheap Trick) nella traccia più scatenata e divertente del disco, un rock’n’roll ad alto voltaggio ‘Aye, Aye, Aye’ che rimanda agli Aerosmith anni settanta. Rimangono una poco convincente cover di ‘Eve Of Destruction’ portata al successo da Barry Mcguire e cantata dallo stesso Joe Perry con JOHNNY DEPP alla batteria, già compagno di band nei Hollywood Vampires insieme ad Alice Cooper, e le due strumentali (poco riuscite pure queste per la verità) dai forti sapori esotici: l’apertura afro tribale affidata a ‘Rumble In The Jungle’ e la più moderna ‘Spanish Sushi’ carica di synth che trova riuniti anche i due figli di Perry, Tony e Roman. Insomma, quando si va sul sicuro con i cantanti davanti il disco viaggia che è un piacere. E dire che era nato per essere un disco di sole canzoni strumentali…

sabato 20 gennaio 2018

RECENSIONE: CORROSION OF CONFORMITY (No Cross No Crown)

CORROSION OF CONFORMITY No Cross No Crown (Nuclear Blast, 2018)

1995. Megadeth in concerto al Forum di Assago. Era il tour di Youthanasia e ad aprire c’erano i CORROSION OF CONFORMITY, ancora reduci da quel Deliverance che non ho difficoltà a indicare come uno dei miei dischi preferiti di tutti gli anni novanta. Devo essere sincero: ero lì più per loro che per Dave Mustaine. Prima dell’inizio mi comprai pure la t.shirt della band di Pepper Keenan e soci, quella originale, pagata salatissima. Ma era proprio figa per lasciarla lì. Con me ho uno zainetto e la t-shirt rimase lì dentro per tutto il concerto, al sicuro, anche quando, dopo sole due canzoni e guadagnato un buon posto nelle prime file, qualcuno si appoggiò a me, aggrappandosi ad una tracolla dello zaino che naturalmente si ruppe, trascinandomi a terra. Presi qualche inevitabile scarpata, qualcuno mi camminò sopra, ma mi rialzai combattivo e vendicativo più che mai. La forza dei vent’anni. Passarono soli pochi secondi e realizzai che con lo zaino rotto non potevo fare molto altro se non piazzarmi in un angolo e godermi i concerti in tutta tranquillità. Ma con la rabbia in corpo. Da allora, per molti anni e concerti dopo, entrò in vigore una legge non scritta: mai più zaini ai concerti!

1996, un solo anno dopo. Concerto dei Metallica sempre al Forum di Assago. Anche questa volta ci sono i Corrosion Of Conformity in apertura. I Metallica a promuovere Load (che per assurdo voleva scimmiottare i COC) i COC hanno il nuovo Wiseblood. Io non ho più lo zainetto con me, ma anche questa volta non riesco a godermi il concerto come vorrei. Il palco dei Metallica era al centro del parterre, occupando di fatto quasi tutta l’area, io lassù in alto nelle tribune, ma più avanti capii il perché. A metà concerto vidi una delle cose più tamarre di sempre: fu simulato un finto incidente con tanto di scoppi, crollo del palco, finti operatori luce che piombavano a terra come marionette e musicisti che se la davano a gambe. Qualcuno tra il pubblico ci cascò e imboccò la via d’uscita. I Metallica riapparvero dopo cinque minuti a centro palco, illuminati da quattro lampadine: un ritorno ai garage days. Cazzo, non potevano fare tutto il concerto così? Sta di fatto che dopo l’11 Settembre una cosa così sarebbe punita con la galera. Sì ma i Corrosion Of Conformity? Mai pervenuti. Visti dalla tribuna, sto ancora aspettando ora che arrivino i suoni. I Metallica si presero tutta la scena, palco compreso.

2012. I Corrosion of Conformity vicino a casa (al Rock And Roll Arena di Romagnano Sesia)! Figo dico io, consapevole del fatto che non sono quelli con Pepper Keenan, impegnato in pianta stabile con i Down di Phil Anselmo, ma la prima formazione a tre, quella legata all’hardcore dei primi album. Poche tracce degli anni novanta, un tour per ricordare gli inizi. Concerto senza infamia e senza lode.

2018. Ritornano con la formazione di Deliverance: Pepper Keenan ritorna alla chitarra e voce dopo quattordici anni, Woody Weatherman, Mike Dean sono sempre al loro posto (chitarra e basso) e Reed Mullin siede alla batteria. Il disco NO CROSS NO CROWN (titolo ispirato da una chiesa inglese del 1700 dove suonarono in tour), registrato in North Carolina in 40 giorni con il fido John Custer alla produzione (sporca e molto differente dagli anni novanta) e Keenan che faceva la spola dalla sua abitazione a New Orleans, dai primi ascolti, sembra promettere bene, sporco e paludoso il giusto: un concentrato di nero sabbathiano anni settanta (‘Wolf Named Crow’, ‘Nothing Left To Say’ cita dichiaratamente Planet Caravan nei momenti di lisergica quiete), doom (‘A Quest To Believe’), accenti southern rock (‘Little Man’) e stoner groove (‘Forgive Me’, ‘Disaster’ ricorda i Trouble) come ai vecchi tempi, ci sono pure i brevi intermezzi acustici tra un brano l’altro e una cover regalata alla fine, ‘Son And Daughter’ dei primissimi Queen. Ma la domanda è una sola: riuscirò finalmente a vederli nelle condizioni ottimali, da headliner, senza zainetto, senza palchi che crollano e setlist perfetta?

mercoledì 17 gennaio 2018

RECENSIONE: THOM CHACON (Blood In The USA)

THOM CHACON Blood In The USA (Appaloosa/IRD, 2018)

Sangue metà libanese, metà messicano, nato a Sacramento ma proveniente da Durango, un vecchio cugino pugile, Bobby Chacon, avversario di quel Ray “Boom Boom” Mancini cantato da Warren Zevon e un nonno sceriffo nel New Mexico ai tempi di Billy The Kid. Basterebbero tutte queste coordinate per capire quanto per Thom Chacon i confini non siano alti muri invalicabili ma semplici linee da attraversare con curiosità e speranza in cerca di buone opportunità. Questo nuovo disco esce a distanza di ben cinque anni dal precedente. Tanto tempo. Era nel cassetto da ben due anni ma vede la luce solamente ora, non perdendo assolutamente nulla in attualità, anzi, le tematiche delle sue canzoni sembrano ancor più radicate nel presente di questi Stati Uniti targati scelleratamente Donald Trump. Anche questa volta non cerca troppi colpi ad effetto. Preferisce raccontare quell’America che una volta chiamavamo nascosta e invisibile, quella che qualcuno vorrebbe nascondere sotto il tappeto buono delle feste: canzoni corte, stringate (nove canzoni per ventisette minuti), minimali e senza orpelli, costruite intorno ad una chitarra acustica e un’armonica, senza gridare, dove i protagonisti sono sempre gli emarginati, i lavoratori senza più lavoro (‘Union Town’) e quelli con pochi diritti (‘Work At Hand’), la disperazione dei contadini dimenticati nei loro campi (‘Empty Pockets’), gli immigrati messicani erranti tra i confini (‘I Am An Immigrant’), la disillusione, le terre promesse che tradiscono e non accolgono più (‘Blood In The USA’), le speranze (‘Easy Heart’, ‘Big As The Moon’), quelle ci sono ancora, guai se mancassero.. Il suo è un folk antico, agrodolce, cantato con voce aspra e profonda che ricorda l’ultimo John Mellencamp e Ryan Bingham, che guarda al passato, ispirandosi ai più grandi songwriter americani come John Prine, Bob Dylan, Steve Earle, lo Bruce Springsteen di The Ghost Of Tom Joad, Townes Van Zandt, il sempre dimenticato Jim Croce, e Tom Russell. Non sono paragoni, sono punti di riferimento. Nessun colpo ad effetto ( chi li vuole?) ma onesta solidità cantautorale senza scadenze, sempre dura a morire.

lunedì 15 gennaio 2018

RECENSIONE: CHEAP WINE (Dreams)

CHEAP WINE-Dreams (Cheap Wine Records, 2017)

è ora di sognare
Ormai dei veterani del rock italiano, i pesaresi Cheap Wine non hanno bisogno di troppe presentazioni così come non sono mai venuti a compromessi con niente e nessuno: la scelta di continuare ad autoprodursi, con il basilare aiuto del crowdfunding questa volta, dopo anni (e sono venti!) non può che deporre a loro favore quando si tratta di misurarne il livello d’indipendenza. Anche se mi piace immaginare le lotte con i mostri là fuori, pronti ad avanzare indecenti compromessi per fare il grande salto mainstream nell’epoca in cui un contratto discografico non lo si nega nemmeno all’ultimo dei concorrenti di un talent. I Cheap Wine rimangono duri e puri. Così come la loro musica. DREAMS è il disco che conclude la trilogia iniziata da BASED ON LIES (2012), proseguita con BEGGAR TOWN (2014) e intervallata dall’originale e bel disco dal vivo MARY AND THE FAIRY uscito nel 2015 che metteva completamente a nudo la loro vera anima musicale costruita su un approccio al rock libero e incontaminato che solo i grandi dalla forte personalità possono permettersi, e la band dei fratelli Marco e Michele Diamantini (Andrea Giaro al basso, Alan Giannini alla batteria e con il sempre più riconoscibile e indispensabile tocco di Alessio Raffaelli alle tastiere) rientra a pieno merito nella categoria dei grandi. L’ascolto di due canzoni come ‘Pieces Of Disquiet’ e dell’iniziale ‘Full Of Glow’ potrebbero bastare per descrivere il loro approccio alla musica lontano da qualsiasi etichetta se non un semplice e inclusivo “rock”: la prima avanza con il passo lento, sinuoso, scuro e avvolgente, quasi pinkfloydiana nella struttura, la seconda è un attacco di chitarre fiero e indipendente a metà strada tra gli Heartbreakers di Tom Petty, i Dream Syndicate i gli amati Green On Red. Dopo aver lottato con le menzogne e camminato tra le rovine, i personaggi delle loro canzoni iniziano a lanciare lo sguardo oltre il grigio. Il pezzo mancante della trilogia sono i sogni: il futuro inizia a schiarirsi, colorarsi e fiorire. La copertina del disco , sempre curatissimo il lavoro che c'è dietro, lo annuncia in anticipo. Sognare non è più vietato, sperare è un dovere. Che sia di buon auspicio per il 2018 e oltre.

lunedì 8 gennaio 2018

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA # 52: DUST (Dust)

DUST Dust (1971)

Marc Bell (il futuro Marky Ramone) e Kenny Aaronson sono poco più che adolescenti quando si conoscono tra i banchi di scuola. Uno suona la batteria, l'altro il basso, dai libri alla prima band il passo sarà brevissimo, tanto quanto la nascita dei Dust nel 1969 con i più esperti Richie Wise alla chitarra e voce e Kenny Kerner a fare da guida, mentore, produttore e paroliere. I Dust si formano per le strade di Brooklyn a New York e DUST, il primo disco, è qualcosa di molto potente per l’epoca: “guardando al passato, i Dust possono essere annoverati tra le prime band americane di Heavy Metal, eravamo influenzati da quello che succedeva in Gran Bretagna, ma non c’erano altre band in America che facevano quello che facevamo noi” racconterà Marky Ramone nel 2013.
Ascoltando il sulfureo incedere hard blues di ‘From A Dry Camel’ è impossibile non citare i Black Sabbath tra le principali influenze ma in mezzo ai cangianti dieci minuti della canzone ci sono anche i futuri semi che vent’anni dopo saranno raccolti e seminati nuovamente nei deserti di Palm Springs dal movimento stoner-la canzone che vale il disco- , anche ‘Love Me Hard’ aggredisce di chitarre ma è più snella e veloce, l’apertura ‘Stone Woman’ è un blues urgente dominato dalla slide tanto quanto il più canonico di ‘Goin Easy’. 'Chasin’ Ladies’ sembra seguire le grandi orme lasciate dai Mountain di Leslie West, ‘Open Shadows Felt’ è una ballata che prende forma tra i fumi psichedelici e che cresce nella distanza, mentre la finale ‘Loose Goose’ è un tirato rock'n'roll strumentale suonato alla velocità della luce e aperto alle lunghe jam. “Quando ho incontrato Marc Bell per la prima volta non credevo che qualcuno potesse suonare la batteria in modo così hard e veloce” dirà Kenny Kerner.
Dust sarà replicato l’anno dopo da HARD ATTACK, per certi versi anche meglio del debutto per produzione e scrittura, acquistando pure inaspettati toni epici ben rappresentati anche dalla copertina, opera di Frank Frazetta. Poi, per ogni componente ci sarà un futuro roseo ma non sotto il nome Dust che invece rimarrà solo un culto per pochi racchiuso e impolverato dentro a due soli dischi. Se non li conoscete e avete buon fiato, soffiate sulla polvere e scopriteli.

PUNTATE PRECEDENTI

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #9: THE MOTHER STATION-Brand New Bag (1994)

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #18: BOB DYLAN-Street Legal (1978)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #19- CRAZY HORSE-Crazy Horse (1971)

giovedì 4 gennaio 2018

RECENSIONE: MAVIS STAPLES (If All I Was Was Black)

MAVIS STAPLES If All I Was Was Black (ANTI, 2017)

non c'è tempo per piangere
Pochi sanno mettersi in gioco così bene superata una certa soglia di anni (non si svelano gli anni delle signore e comunque c’è sempre wikipedia per i più curiosi). Se poi sei già entrata nella leggenda della musica gospel soul con tutta la famiglia, che bisogno hai di confrontarti con i più giovani? Mavis Staples no, è un’artista che ha sempre vissuto tra le note alte, sa il fatto suo e sembra averci preso mano e (buon) gusto. I lusinghieri riscontri hanno dato coraggio ulteriore e la classe è sempre tanta, tantissima. Dopo le cure di Ry Cooder (WE’LL NEVER TURN BACK rimane per me insuperato), l’anno scorso si mise nelle mani di M. Ward (cantautore e produttore, vi ricordate il progetto Monsters Of Folk con Conor Oberst?) per interpretare canzoni scritte appositamente per lei da diversi autori, tra cui spiccava una ‘Jesus Lay Down Beside Me’ scritta da Nick Cave. Un disco più leggero del solito. Purtroppo, o fortunatamente per l’ispirazione artistica, è capitato che un certo Donald Trump si sia messo sulla strada (proprio lo stesso che pochissimi giorni fa si è messo a scherzare sul riscaldamento del pianeta), ed è sembrato quasi un obbligo ritornare alla cara vecchia canzone di protesta come accadeva negli anni sessanta per rivendicare i propri diritti civili. “Non c'è tempo per piangere, non c'è tempo per le lacrime” canta in ‘No Time For Crying’, è ora di agire. Ritorna il vecchio amico Jeff Tweedy, con il quale aveva già registrato due album (YOU ARE NOT ALONE e ONE TRUE VINE), che porta con sé l’ormai inseparabile figlio Spencer e il compagno di band nei Wilco, Glenn Kotche, scrive dieci canzoni adatte alla voce, alla classe e alla tempra combattiva della Staples, suona e duetta in una canzone, ‘Ain’t No Doubt About It’. Americana (‘Peaceful Dream’), black music (‘If All I Was Was Black’) e funk (‘Who Told You That’) si fondono insieme per la giusta causa e ne esce uno dei dischi più combattivi dell’anno.

40 DISCHI per ricordare il mio 2017

Etichette

lunedì 26 febbraio 2018

mercoledì 21 febbraio 2018

lunedì 19 febbraio 2018

martedì 13 febbraio 2018

mercoledì 7 febbraio 2018

giovedì 1 febbraio 2018

lunedì 29 gennaio 2018

sabato 20 gennaio 2018

mercoledì 17 gennaio 2018

lunedì 15 gennaio 2018

lunedì 8 gennaio 2018

giovedì 4 gennaio 2018