EDDIE HINTONVery Extremely Dangerous (Capricorn,1978)
Disco di una categoria superiore. Eddie Hinton fu tanto forte con la sua voce nera-il tag “l’Otis Redding bianco” campeggia ovunque, meritatamente ma anche ingabbiante-quanto debole nell’affrontare i problemi incontrati lungo la breve strada della sua esistenza. Very Extremily Dangerous fu il debutto solista che arrivò nel 1978 dopo anni dedicati come session man per i più grandi: Aretha Franklin, Joe Tex, Solomon Burke, Boz Scaggs, Percy Sledge, Wilson Pickett, Otis Redding, The Staple Singers, Johnny Taylor, Elvis Presley, The Box Tops, Evie Sands,Toots Hibbert e tantissimi altri si sono serviti della sua chitarra, delle sue canzoni, del suo talento.
‘Very Extrenely Dangerous’ è una bomba di intensità southern soul (copertina inclusa), registrato ai Muscle Shoals, che dovrebbe esplodere nelle case di tutti, nessuno escluso.
Paradossalmente il più grande successo fu anche la sua rovina: la mitica etichetta Capricorn chiuse i battenti proprio dopo questo disco e la vita di Eddie, destinata a migliorare, iniziò invece a sprofondare negli abissi poco sani della depressione a cui andò ad aggiungersi una vita famigliare tormentata e poco stabile. Il resto della carriera fu un’altalena con bassi (di vita) e alti (musicali) tra cui spicca ancora Letters From Mississippi del 1985.
La morte arrivò prestissimo nel 1995 a soli 51 anni. Un infarto rapì il suo debole cuore, troppo sensibile e blues per questo mondo irrispettoso.
JACKIE
GREENE Back To Birth (yep ROC Records, 2015)
Qualcuno di voi lo ricorderà alla chitarra dei BLACK
CROWES nell’ultimo (?) tour della band dei fratelli Robinson. All’Alcatraz di
Milano nel 2013 ebbe il difficile compito di rimpiazzare Luther Dickinson e ci
riuscì egregiamente. Oppure avrete letto il suo nome tra i componenti dei
Trigger Hippy, band formata da Steve Gorman, batterista dei Black Crowes, e dalla
cantautrice giramondo Joan Osborne. In verità il californiano Jackie Greene è
un cantautore e polistrumentista con cinque album solisti alle spalle, votati
al folk, che ottennero anche buoni riscontri di critica all’uscita. Dopo cinque
anni di assenza ritorna con quello che si può definire il classico album della
maturità. Ilbagaglio delle esperienze
si è arricchito negli ultimi anni, permettendogli di esplorare diverse strade
contemporaneamente, con risultati sempre sopra la media: dal carezzevole vento west coast ’70, seguendo la stella di Jackson
Browne (A FaceAmong The Crowd) a episodi ancora più leggeri (Now I Can See
For Miles), dagli umori sudisti, ora soul (Trust Somebody, Where The
Downhearted Go) ora gospel/blues nella pianistica a due atti ‘Hallelujah’ , caracollanti passeggiate nel country(Motorhome), fino alla più tirata e rock The
King Is Dead. Un disco essenzialmente di ballate, dalla scrittura limpida e
cristallina (a volte fin troppo pulito), ben prodotto dal Los Lobos, Steve
Berlin. Un quieto e onesto traghettatore verso l’arrivo dell’autunno…
Sì, viaggiare Chris Stapleton ha viaggiato per buona parte dei suoi trentasette anni nel retro bottega della musica americana, come componente degli SteelDrivers e dei Jompson Brothers, ma soprattutto come autore per numerosi cantanti country del giro di Nashville, ricevendo anche buoni riscontri commerciali. Nel 2013, sulla strada della vita, invece, incontra l’ostacolo più grande, la perdita del padre: carica i bagagli, fa salire la moglie su una grossa Jeep e parte alla ricerca di se stesso e nuove ispirazioni. Lungo il viaggio dall'Arizona al Tennessee ha raccolto 14 canzoni (due le cover tra cui spicca una perfetta Tennessee Whiskey ) che si è tenuto per sé, e registrato con Dave Cobb, uno dei produttori più in voga del momento. Ne è uscito un debutto sorprendentemente intenso e profondo dove l’amore per l’outlaw country ’70, lo scarno folk e il soul trovano un collante nella voce, vera arma vincente di questo nuovo fuorilegge errante tra i grandi spazi americani.
Enzo Curelli 8
da Classic Rock # 34 (Settembre 2015)
La maturità
La stella brillante continua ad illuminare il percorso della band di Ben Nichols. Se la decisa virata verso il Memphis sound del precedente WOMEN & WORK aveva fatto storcere il naso ai fan della prima ora, con l’ottavo album prodotto ancora da Ted Hutt, fanno solo mezzo passo indietro a favore della varietà che concentra i diciotto anni di carriera che li ha visti protagonisti dell’alt country. Anche se manca la rabbia giovanile, quella si è persa: i fiati persistono in un poker di coinvolgenti R & B (Can’t You Hear Them Howl ), le ballate dolenti (la springsteeniana My Girl And Me In ’93) e descrittive (I Woke Up In New Orleans) continuano a dipingere romantici quadri per losers. Per la prima volta in un loro disco compare pure una cover: I’m In Love With A Girl dei Big Star con Jody Stephens ospite. A fare la differenza ci sono sempre la voce tagliente e i testi di Nichols e quando ci prende per mano in Went Looking Warren Zevon ‘s Los Angeles per una nostalgica passeggiata per le vie della città degli angeli è meglio di qualsiasi guida turistica in commercio. Enzo Curelli 7
da Classic Rock # 34 (Settembre 2015)
MARK LANEGANHouston-Publishing Demos 2002 (Ipecac Recordings, 2015)
Come un becchino d'altri tempi, Mark Lanegan sputa a terra, impugna nuovamente la pala con le sue manone tatuate e scava alla ricerca di un passato perduto, così lontano dalle sbandate electro/rock proposte negli ultimi dischi solisti. Anche se lui, alle due ultime prove in studio, ci crede parecchio. Massimo rispetto. Blues Funeral è al top. Quasi volesse rimarcare con fermezza la linea che divide il passato dal presente. E il futuro quale sarà? Lo aveva già fatto l'anno scorso con i dodici inediti presenti nella raccolta Has God Seen My Shadow?. Lo fa nuovamente, a distanza di pochi mesi, equello che trova sembra ancora terra umida, viva, buona per essere utilizzata e data in pasto ai fan, perché a loro è indirizzata questa uscita. Ecco quindi altre dodici canzoni che ci ricordano il suo tempo migliore, immediatamente dopo la rottura con gli Screaming Trees ma con già cinque dischi solisti alle spalle e prima di un turbinio di collaborazioni che gli hanno fatto guadagnare il titolo di stakanovista del rock. In questo disco ci sono delle versioni demo, ma in alcuni casi sembrano complete e buone così, registrate in soli sette giorni nell'Aprile del 2002 al Sound Art Recording Sudio di Houston in Texas, insieme a Keni Richards (batteria), Steve Bailey (basso), Mike Johnson (chitarre), Ian Moore (chitarra e sitar), Bukka Allen (tastiere) e Mickey Raphael (armonica). Alcune verranno riprese e lavorate successivamente per altri album (vedi la spartana versione di Grey Goes Black che andrà a finire, con qualche cambiamento, in Blues Funeral), alcune vedono il cielo nero e terso per la prima volta.
Poteva diventare un album ufficiale, e sarebbe stato un album eccellente e perfettamente incastonato tra Field Songs (2001) e la svolta musicale che prenderà corpo di lì a poco con Bubblegum(2004), anche se caratterialmente è più vicino alla prima parte di carriera. Pur con quel senso di incompiutezza che aleggia qua e là-ma che ci piace tanto- questo è il Lanegan tenebroso, solitario e beffardo che preferiamo: il pistolero western di nero vestito, nipote dei nonni Johnny Cash e Ennio Morricone, nella gelida e malinconica passeggiata di High Life, il bluesman decadente in The Primitives, il folker solitario e disperato in A Suite For Dying Love e nella orientaleggiante Two Horses, il crooner che canta per il popolo che affolla i cimiteri con la voce che sembra arrivare dall'aldilà in I'll Go Where You Send Me e Nothing Much To Mention, il rocker dimesso nell'apertura No Cross e nelle chitarre acide e pressanti di When It's In You che diventerà poi Methamphetamine Blues, il cerimoniere ossianico nella conclusivae ipnotizzante Way To Tomorrow.
Certamente non indispensabile, ma ottimo per i nostalgici, e bello per chi volesse approcciarsi ora, in gran ritardo, alla musica di Lanegan.
THE WHITE BUFFALO Love And The Death Of Damnation (Unison Music/Earache Records, 2015)
Dietro al nome White Buffalo continua a nascondersi Jake Smith, un omone grande e grosso, un po’ Warren Haynes, un po’ il grande Lebowski, che qualcuno di voi avrà conosciuto attraverso la serie tv Sons Of Anarchy. LOVE AND THE DEATH OF DAMNATION è il suo quarto disco. Anche se non è propriamente un concept album come il precedente e ambizioso Shadows, Greys, and Evil Ways uscito nel 2013, le canzoni che lo compongono, pur vivendo tutte di vita propria, sembrano ancora una volta seguire un percorso narrativo ben preciso dove i personaggi protagonisti lottano contro la diabolica oscurità che gravita intorno alle loro strade, ma non tutti riescono ad arrivare all’agognato traguardo dove, ai bordi dei marciapiedi meno battuti, nuove luci irradiano chiarezza sull’esistenza. Buio mimetizzato negli accadimenti di tutti i giorni (‘Dark Days’, ‘Modern Times’ accompagnata da un divertente video), nelle disperata ricerca di fede e redenzione (‘Where Is Your Saviour’), nei complicati meccanismi delle relazioni umane: nei rapporti d’amore (‘Go The Distance’, ‘I Got You’ cantata in coppia con Audra Mae), tra genitori e figli, tra uomini in perenne conflitto e prevaricazione. "Musicalmente e liricamente, questo è l'album più diversificato che abbia mai fatto. Amore, morte, luce e oscurità. Vi farà ridere e vi farà piangere. Un concentrato di emozioni." Racconta Jake Smith a PopMatters.com Un concentrato di alta drammaticità serpeggiante dentro ai repentini e sbuffanti attacchi cow/rock (‘Rocky’) ben sostenuti dalla sezione ritmica (Matt Lynott alla batteria, Bruce Witkin al basso), alle eteree ballate pianistiche (‘Radio With No Sound’), alle trombe mariachi che colorano gli spietati confini geografici delle terre del sud in ‘Chico’, allo strepitoso gospel/soul condotto dall’hammond di Mike Thompson nella finale ‘Come On Love, Come On In’ e al traditional folk americano (‘Home Is In Your Arms’) che si fa anche scuro e tenebroso come un abito da giorno del giudizio in ‘Last Call To Heaven’, dove a ergersi protagonista è ancora una volta la sua inconfondibile voce. Ricca, profonda, intensa e sincera come la parte nascosta di quell’ America raccontata in queste nuove undici canzoni.
Quando Muddy Waters era sul letto di morte, quasi sconfitto dalla malattia, sembra che Buddy Guy lo chiamò informandolo che sarebbe corso al suo capezzale. Waters rispose senza esitare: ”non venire qui, è tutto a posto, l’importante è che tu tenga in vita il blues”. Il ragazzo lo ha preso in parola e oggi, che anche il maestro B.B.King non c’è più da un paio di mesi, a 79 anni è rimasto uno degli ultimi esponenti puri e originali di una schiera di musicisti pazzesca e irripetibile. A Waters dedica la chiusura del disco con l’esplicita ‘Come Back Muddy’, a King una straordinaria ‘Flesh & Bone’ con un lusso come Van Morrison alla voce, a se stesso e alla musica tutta la celebrativa title track. Dopo tanti anni, una buona fetta di blues è tutta qui, racchiusa in tre canzoni. Prodotto e scritto insieme a Tom Hambridge, BORN TO PLAY GUITAR si presenta più snello e scorrevole rispetto al precedente pur buono ma lungo e ambizioso RHYTM & BLUES. Meno ospiti ma di peso: Billy Gibbons (ZZ TOP) su ‘Wear You Out’, Joss Stone in ‘(Baby) You Got What It Takes’ e Kim Wilson dei The Fabulous Thunderbirds in un paio di pezzi. Il 30 Luglio, Buddy Guy ha compiuto gli anni-AUGURI!- ma il regalo più grande lo ha fatto a noi. Il blues continua a scorrere liscio nelle sue vene. Tra le uscite imperdibili dell'anno.
THE NOTTING HILLBILLIES-Missing…Presumed Having a Good Time (1990)
Quattro musicisti inglesi giocano a fare i cowboys, divertendosi e divertendo. Un set ben preparato: vestiti, luci, fondali con saloon in evidenza e chitarre dobro protagoniste. Traditionals country/blues e qualche originale con la chitarra di Mark Knopfler che inizia lentamente il distacco dalle grandi arene rock, ormai frequentate con i Dire Straits, per prepararsi all’imminente carriera solista alla ricerca della sua musica, tra folk, blues e country (bello anche ‘Neck And Neck’ in coppia con Chet Atkins che uscì sempre nel ‘90) che culminerà con ‘Privateering’, ottimo doppio album di studio (il suo migliore? Sì il migliore), e con l’ultimo ‘Tracker’, un po’ sottotono (sì sottotono a mio avviso). Sono seduti nel saloon anche il fido Guy Fletcher, Steve Phillips e Brendar Croker . Un disco che penso di aver consumato, prima in cassetta rigorosamente registrata da chi all’epoca ritenevo “vecchio”, poi originale quando finalmente lo trovai in qualche angolino dell’usato. Nulla di veramente nuovo in questo atto unico, ma va tutto giù che è un piacere.
NEIL YOUNG + PROMISE OF THE REAL The Monsanto Years
(REPRISE RECORDS, 2015)
Canti di protesta
Se volete bene a Neil Young accetterete di buon grado anche questo nuovo disco, nato sì d’istinto, ma incentrato su tematiche care al canadese da più di quarant’anni, fin da quei versi “guarda Madre Natura in fuga” inclusi in After The Gold Rush del 1970, proseguite poi negli anni 80 con i concerti Farm Aid, messi in piedi con John Mellencamp e Willie Nelson in difesa degli agricoltori, e ribadite con forza anche durante l’ultimo tour con i Crazy Horse. L’attacco alla multinazionale agrochimica Monsanto, rea di mettere in commercio sementi OGM, è duro, liricamente ingenuo, ma non fa sconti. Anche se i dischi che ascolteremo fra un mese ritorneranno ad essere HARVEST, ON THE BEACH e RUST NEVER SLEEPS e questo sarà ricordato solamente quando dovremo riporlo al giusto posto all’interno della discografia, Neil Young merita, ancora una volta, totale rispetto. La prolificità di questi ultimi anni, anche nella sfera privata, non sempre è stata sinonimo di brillantezza artistica quanto invece di libertà e genuinità. Sulla scia dei suoi instant records più recenti, da LIVING WITH WAR che si scagliava contro la politica guerrafondaia di George W. Bush all’ambientalista FORK IN THE ROAD , THE MONSANTO YEARS colpisce duro musicalmente fin dai messaggi di speranza e amore dell’apertura A New Day For Love : “è un nuovo giorno per il pianeta , è un nuovo giorno per il sole”. Ok, poche novità: country garage/rock grezzo e puro fatto di chitarre, feedback infiniti (Big Box) e slogan travestiti da cori che sembrano già sentiti mille volte (People Want To Hear About Love), ma basta la libertà d’espressione e di movimento all’interno del music business (nella strafottente A Rock Star Bucks ACoffee Shop canta: “le madri vogliono sapere cosa mangiano i loro figli”) per fare dell’idealista Young e dei suoi dischi un esempio, ancora poco imitato, da seguire. La linea che lo divide dall’essere un predicatore rompipalle è spesso vicina, ma la forza del rock tiene tutto a debita distanza: linee e rompipalle veri (il miliardario Donald Trump l’ultimo della fila).
I figli di Willie Nelson, Lukas e Micah con i loro Promise Of The Real, accompagnano l’amico di papà come farebbero dei giovani cavalli pazzi alle prime armi con qualche pausa per tirare il fiato come nella sbilenca ballata country Wolf Moon che si riallaccia ad HARVEST MOON. Se volete bene a Neil Young già sapete che a parlare, nei suoi dischi, non è la voce dell’artista ma quella dell’uomo. E questo fa spesso la differenza quando la qualità non è più quella dei tempi migliori. Enzo Curelli 7
da Classic Rock #33 (Agosto 2015)
LANCE CANALESThe Blessing And The Curse (Music Road Records/IRD, 2015)
28 Gennaio 1948, un aereo cadde a Los Gatos Canyon: morirono quattro americani, i membri dell'equipaggio, che vennero tutti identificati immediatamente e ventotto braccianti messicani; di loro, invece, mai nessuno seppe nomi e cognomi, vennero segnalati solamente come deportati. Caso chiuso. Woody Guthrie ci scrisse una poesia, 'Plane Wreck At Los Gatos' , musicata in seguito da Martin Hoffman econosciuta anche come 'The Deportee Song' , riproposta negli anni da numerosi cantautori americani, da Bob Dylan a Bruce Springsteen. Solamente nel 2010, lo scrittore messicano Tim Z. Hernandez, al lavoro per un libro, iniziò ad interessarsi della vicenda, arrivando, dopo lunghe ricerche, a capo del mistero riportando in superficie i nomi di tutti e ventotto i contadini periti nell'incidente che, finalmente, ebbero una lapide degna di tale nome. Lo stesso scrittore Tim Z.Hernandez recita l'elenco dei loro nomi mentre Lance Canales ricanta e suona quella canzone. E basterebbe partire da questa versione di 'Deportee' di Woody Guthrie ( inizialmente uscita come singolo nel 2013) per capire chi è il songwriter californiano, originario di Fresno. Un disco intenso che sette canzoni prima parte cavalcando: 'California Or Bust' galoppa a ritmo di slide selvaggia mentre poco dopo 'Cold Dark Hole', un blues nero come la pece, ci presenta la voce scura e profonda di Canales, un po' Leonard Cohen, un po' Tom Waits e un po' quello che gli estimatori di Mark Lanegan vorrebbero sentire ancora dal loro idolo. Non cercatelo altrove quindi, lo troverete qua.
Un disco fatto di tante chitarre acustiche ora pigre e sonnacchiose (la bella 'Death Got No Mercy' in duetto con Eliza Gilkyson, la dolente 'Sing No More'), con qualche impennata elettrica frizzante e decisa; ballate tese, costruite su storie vissute in prima persona tra il duro lavoro nei campi di frutta e verdura a San Joaquin Valley ('Farmer') e le strade che portano verso tutti i confini, geografici ed umani, senza risparmiare attacchi politici che solamente chi ha le mani sporche di terra può permettersi di fare con dignità. Un folk blues ('Weary Feet Blues') suonato alla vecchia e antica maniera, scarno e diretto e una voce vissuta, credibile, orgogliosa delle proprie umili radici come lo sono state quelle dei più grandi storyteller americani: difficile non riconoscere le stesse strade percorse da Guthrie, Townes Van Zandt, Steve Earle e Tom Russell. Prodotto da Jimmy LaFave e distribuito dalla stessa etichetta, la Music Roads, di proprietà del cantautore texano che quest'anno è uscito con il buon THE NIGHT TRIBE. Il disco può contare sulla partecipazione di numerosi ospiti: dallo stesso LaFave, a Ray Boneville, da Joel Rafael a Eliza Gilkyson.
In questo Agosto di giornate dominate dall'ozio e dedicate a piccoli e piacevoli traguardi di giornata, raggiunti comunque con estrema calma, una copertina anonima e volutamente vintage si è fatta strada tra i tanti ascolti messi da parte nei mesi precedenti.
Una volta c'erano i famosi dischi per l'estate: ebbene, quest'anno, il mio è THE BLESSING AND THE CURSE (in uscita il 28 Agosto). Da ascoltare...anche dopo ferragosto naturalmente.
Something More Than Free (SOUTHEASTERN
RECORDS, 2015) Rinato per restare L’aver
militato come chitarrista e autore nei Drive-By Truckers per sei anni, i
migliori del gruppo di Athens immediatamente seguenti all’ acclamato SOUTHERN
ROCK OPERA del 2002, potrebbe garantirgli un posto nell’enciclopedia rock di
questi vuoti anni duemila. Ma Jason Isbell ha sempre saputo mettersi in gioco
con talento. Prima inventando i 400 Unit, poi da solo, scrivendo con il
precedente SOUTHEASTERN una delle più toccanti pagine di autoanalisi lette
negli ultimi tempi: un disco di country/folk, crudo ed essenziale che metteva
in mostra dieci anni di cadute nelle tenebre degli abusi (alcolismo ma anche
droghe) e la conseguente riabilitazione grazie a ricoveri e all’incontro salvifico
con Amanda Shires, la donna diventata sua sposa e violinista, in risalto nel
singolo 24 Frames. Questo secondo
passo della rinascita è musicalmente più ambizioso, collettivo (il blues rock Palmetto Rose), e alleggerito nelle
liriche: “è più celebrativo” come dice Isbell, e la futura paternitàche sembra affrontata in Children Of Children ha influito nella stesura delle nuove undici
canzoni, meno pungenti ma sempre di qualità. Enzo
Curelli 7 da Classic Rock #33 (Agosto 2015)
Non è un caso. INCUINTRETIMP di Franco Giordani e CANTA
CANTA dei Mé, Pék e Barba hanno tantissimi punti in comune. Sono due dischi,
usciti quest’anno, che viaggiano quasi a braccetto pur essendo completamente slegati
da qualsiasi logica di mercato che possa tentare di accomunarli: pensati,
costruiti e suonati da persone con la musica che batte nel cuore, gira nella
pancia ed esce dal cervello. Franco Giordani è un simpatico e talentuoso strumentista
friulano, lo conosco da qualche anno solamente via facebook ma questa è l’impressione-
sicuramente veritiera- con il folk che scorre nel sangue e con le scarpe ben
sporche della sua amata terra.
Franco Giordani (foto:Gabriele Moretti)
In questo debutto solista ha messo tutto se stesso con
il prezioso aiuto di Luigi Maieron, poeta e cantautore carnico (cercate il suo
VINO TABACCO E CIELO del 2011) che lascia la firma su parecchi testi, sia in
dialetto (friulano e clautano) che in italiano (‘Gente Persa Per La Città’). E
poi c’è anche una piacevole parentesiinglese
con la finale rilettura di ‘The Old Triangle’ del drammaturgo e poeta irlandese
Brendan Behan.
I Mé, Pék e Barba, finalmente visti al recente Buscadero Day, sono una nutrita truppa
di sanguigni emiliani che ha lasciato un pezzetto di cuore in Irlanda, proprio come
fecero i primissimi vicini di casa MCR. Amano
scavare nel passato dei luoghi, delle persone, degli avvenimenti (per un classe
’73 come me, come non identificarsi in ‘Rossi Gol’?), amano far ballare (‘Niù
Folk’) e far pensare (‘Canto Barbaro’ ispirato da ‘Barbarico’ di G.L.Ferretti).
CARTA CANTA si spinge anche oltre: è un prezioso concept album con dodici
canzoni, anche qui dialetto e italiano si abbracciano, che traggono spunto da
altrettanti libri e autori. Partono da Trans Europa Express di Paolo Rumiz e arrivano
a Storia di Una Scatola Di sassi di Davide Persico. Strumenti della tradizione
(banjo, ghironda, flauto, violino) guidati dal capo banda Sandro Pezzarossa, con
la partecipazione di importanti ospiti
musicali tra cui spicca Marino Severini dei Gang che lascia la voce da bandito in ‘La Tigre D’Ogliastra’.
Mé, Pék e Barba
Sia INCUINTRETIMP che CARTA CANTA sono due album da
ascoltare ma anche da leggere: nel bellissimo libretto illustrato con le foto in
bianco/nero di Gabriele Moretti ci sono sei brevi racconti di Franco che ci
fanno conoscere un po’ del suo (e nostro) passato popolato da quei caratteristici personaggi
di paese (in questo caso il paese è Claut incastonato nella vallata friulana
Valcellina) sempre più rari e in via d'estinzione; nel disco dei Mé, Pék e Barba, confezionato in un suggestivo booklet, partecipano numerosi ospiti legati
alla letteratura italiana contemporanea. Interventi scritti, parlati e recitati di: Erri
De Luca (sua l’introduzione), Paolo Rumiz, Mauro Corona e Marcello Fois. Infine, il legame che mi ha fatto accoppiare questi due
dischi: Franco Giordani e i Me Pek e Barba sono buoni amici, si conoscono e
hanno collaborato spesso insieme in passato, sia in studio che live.Non è un caso.
Hull batte Londra 4 a 0 fuori casa, e non ci sarà partita di ritorno. Hull è la piccola città dello Yorkshire (città natale pure degli Everything But The Girl e Mick Ronson, chitarrista di David Bowie, Lou Reed e Bob Dylan) dalla quale provengono quattro ragazzi vestiti come chierichetti in libera uscita seduti alla mensa dell’oratorio e sorpresi a bere spuma ma con il Manifesto di Marx nascosto dentro la cartella. Nel retro copertina si legge: “Take Jesus - Take Marx - Take Hope”. LONDON 0 HULL 4 è un esordio fulminante che resiste bene al tempo. Un disco di brit pop perfetto (attenzione! Provocazione gratuita: altro che Blur. Bleah!). Dodici potenziali singoli, frizzanti, urgenti e melodici ma carichi di rabbia e amarezza, che partono dalle melodie vocali, orecchiabili e pop del beat ’60 (‘Sheep’, ‘Happy Hour’), raccolgono per strada quel che resta delle chitarre rock dei contemporanei The Smiths (‘Anxious’), e ci appiccicano piccoli ma importanti adesivi di soul (‘Think For A Minute’, ‘Flag Day’) e gospel (‘Lean On Me’) proprio come fatto in quella cover di ‘Caravan Of Love’ di Isley-Jasper- Isley cantata a cappella, mai inserita in nessun album, che diventò però il loro marchio di riconoscimento e anche loro unico numero uno nelle classifiche di vendita. Gli Housemartins durarono solamente tre anni e tre dischi: seguiranno il secondo THE PEOPLE WHO GRINNED THEMSELVES TO DEATH (1987) e il terzo NOW THAT'S WHAT I CALL QUITE GOOD (1988), una raccolta con inediti, b-sides e singoli (qui troverete 'Caravan Of Love').
Poi i chierichetti crescono (ma mica tanto), chiudono il Manifesto di Marx e la Bibbia, salutano il parroco che li ha cresciuti e prendono ognuno la propria strada: Paul Heaton (voce) forma i Beautiful South insieme al batterista Dave Hemingway, Stan Cullimore (chitarra) si dedica alla TV , mentre Norman Cook (basso) si battezza una seconda volta con il nome Fatboy Slim e tenta la conquista del mondo. Amen.
Dischi da isola deserta cresciuti nell’arido deserto (ma pieno di bei fiori) degli anni ottanta? Ci metto volentieri questo! Disco icona dei miei quattordici anni.
MANDOLIN ORANGE Such Jubilee
(Iamsound Records, 2015)
Bluegrass per due
Johnny Cash e June Carter, Emmylou Harris e Gram Parsons , Gillian Welch e David Rawlings: quali e quante coppie hanno il merito di aver tenuto alto il nome dell’american music in tutti questi anni? I Mandolin Orange provano a tener testa ai grandi citati, fin dal loro debutto ‘Quiet Little Room’ uscito nel 2010. Forti dei numerosi consensi di pubblico e critica ottenuti dal precedente ‘This Side Of Jordan’ (2013), il duo della Carolina del Nord, formato da Emily Frantz e Andrew Marlin, ha trascorso questi ultimi due anni suonando ininterrottamente nei più famosi festival americani.
Ma quasi a voler sottolineare un distacco dal possibile aumento di fama, il quarto disco in carriera si priva di tutti gli orpelli inutili, facendosi bastare le buone armonie vocali e strumentali (violino, chitarre e mandolino) in dieci canzoni mid-tempo che viaggiano placidamente tra country e folk. L’uniformità della proposta, priva di reali affondi, può così trasformarsi in croce e delizia. (Enzo Curelli)
da CLASSIX #
44 (Giugno/Luglio)
EDDIE HINTON Very Extremely Dangerous (Capricorn,1978)
‘Very Extrenely Dangerous’ è una bomba di intensità southern soul (copertina inclusa), registrato ai Muscle Shoals, che dovrebbe esplodere nelle case di tutti, nessuno escluso. 
