RECENSIONE: CORROSION OF CONFORMITY (Good God/Baad Man)

 

CORROSION OF CONFORMITY  Good God/Baad Man (Nuclear Blast, 2026)

quando l'ambizione paga

Se settimana di resurrezione dev'essere, resurrezione sia. Rinascono i Corrosion Of Conformity, ma in verità non sono mai morti, con un disco doppio, forse il più ambizioso della loro lunga vita, nato e cresciuto durante uno dei periodi più bui della loro quarantennale carriera, segnato dalla morte del batterista storico Reed Mullin nel 2020 e dall' abbandono, in forma amichevole, del bassista altrettanto storico Mike Dean, come perdere una sezione ritmica da paura in un solo "brutto" colpo, ma anche un disco capace, in un'ora di musica, di mettere sul piatto  le tante sfumature della loro musica. Due soli uomini rimasti al comando di quella famiglia di  giovani punk rocker nata a Raleigh, Carolina del Nord, intorno al 1982: il chitarrista e fondatore Woody Watherman e Pepper Keenan (voce e chitarra) nella band dal 1990, che hanno creato e imbastito il grosso a New Orleans, ritrovandosi ad ascoltare musica come solo due vecchi amici sanno fare ("ascoltavamo vecchi dischi e roba che ci piaceva, bevevamo birra, suonavamo la chitarra e scrivevamo riff") per poi essere raggiunti da Stanton Moore, batterista di estrazione jazz già presente nel sempre dimenticato In The Arms Of God e nei live, e Bobby Landgraf al basso.
Un disco dove si percepisce tutta quella libertà di muoversi nell'universo rock guadagnata in anni di militanza senza l'obbligo di rimanere incastrati dentro a consumati cliché. Un ideale doppio
 ("Il nostro produttore, Warren Riker, continuava a chiamarlo Dark Side of the Doom", racconta Keenan) diviso in una prima parte, Good God, più stoner, doom, rocciosa, e incazzata, con testi di denuncia, e una seconda Baad Man più solare, che marca territori sudisti, e con l'impronta rock'n'roll tatuata sopra. Tutto suona però free e spontaneo, con la creatività lasciata libera di correre e galoppare tra passato e presente: lo si capisce in tracce come 'Run For Life', lenta, sabbathiana e psichedelica nei suoi nove minuti e nella finale, quasi strumentale 'Forever Amplified' con i suoi umori sudisti con tanto di cori femminili gospel aggiunti da Anjelika "Jelly" Joseph, dei Galactic, band jazz-funk di New Orleans dove suona il batterista Moore. Una accorata dedica a tutte le persone che ci hanno lasciato per sempre, Reed Mullin in testa.
In mezzo tutto il groove blues, heavy e  stoner di 'Good God?/Final Dawn', 'You Or Me', 'The Handler', 'Asleep On The Killing Floor' riconducibili al periodo Deliverance(1994) e Wiseblood (1996), una 'Lose Yourself' che pare invece appartenere al più southern e melodico America's Volume Dealer uscito  nel 2000. Ma anche una "fumata" blues e psichedelica, nello stile degli amati ZZ Top, come 'Handcuff County,' e la mazzata thrashcore 'Gimme Some Moore' con Al Jourgensen dei Ministry ai cori che pare citare in causa i Black Flag e riportare ai primi anni ottanta ("Io e Woody volevamo scrivere una canzone come se avessimo di nuovo 17 anni" racconta Kenaan), sono due facce della stessa medaglia.
Ma c'è anche il funky sudista e sbarazzino alla Grandfunk  di 'Baad Man' che ospita Barry Gibb (Bee Gees) alla chitarra (ha usato la vecchia Stratocaster del fratello Maurice) che a sua volta ha ospitato la band nei suoi studi di registrazione a Miami, i sapori mediorientali della strumentale 'Bedouin's Hand', l'acustica e dolente avanzata di 'Brickman' tra country e folk nero e scuro.
Non l'ho mai negato, i COC sono da sempre una delle mie band americane preferite, sempre seminali e importanti nelle varie incarnazioni della loro carriera. Dall'hardcore punk iniziale, al crossover di metà carriera, fino ad abbracciare lo spirito seventies e lo stoner. Undici dischi che si dividono in capolavori e di mestiere ma mai brutti da sprofondare nell'insufficenza. Sì insomma anche il precedente e in ombra No Cross No Crown (2018) aveva i suoi buoni momenti.
Forse non hanno mai raccolto la  popolarità adeguata all'importanza che hanno rivestito nella musica pesante americana nei due decenni in cui erano al top (gli ottanta e i novanta) ma il fatto che nel 2026 se ne escano con un disco del genere, ancora ricco di spunti è buon segno. Se poi aggiungiamo quella cappa, a volte psichedelica, a tratti fangosa,  di perdita e sentita emotività che pare aleggiare sopra tutte le canzoni il gioco è fatto: il buon segno si trasforma in un ottimo disco. Bentornati. Ora aspettiamo i Down: anno impegnativo per il buon Pepper.

RECENSIONE: KEVIN STEELE (One Thing Left To Do)

 

KEVIN STEELE  One Thing Left To Do (Steele Records, 2026)

riinizio dal blues

"Questo è il disco che ho sempre voluto realizzare. È il mio primo album da solista. Nessun compromesso. Non ho dovuto rendere conto a nessuno se non a me stesso". A parlare è Kevin Steele che fino all'altro ieri conoscevamo come ex cantante dei Roxx Gang e ancora attuale dei Mojo Gurus, messi in piedi dopo la fine della prima band.

Se come primato i Roxx Gang da Tampa, Florida, vantano quello di essere stati la prima band rock americana a firmare per la Virgin Records, musicalmente si elevarono dalla scena glam sleaze rock  americana degli anni ottanta grazie ad un approccio che sembrava preferire più la sostanza a all'aspetto visivo. Il loro disco Things You've Never Done Before del 1988 rientra certamente tra quelli da avere. Kevin Steele era il cantante dalla voce ruvida che ora dopo quarant'anni realizza il suo primo album solista, cercando di concentrare in 45 minuti di musica tutte le influenze che ha assorbito da ascoltatore e da artista. Un disco vario, grezzo e con poche rifiniture, che preferisce l'impatto pur con il blues a fare da collante. Ad aiutarlo Billy Summer alle chitarre, al basso e in produzione. Insieme a Steele formano i Cosmic Twins: "Io e Billy formavamo una squadra fantastica. C'era una sintonia mentale immediata. Sapeva istintivamente dove volevo arrivare musicalmente con ogni canzone prima ancora che glielo dicessi. Ecco perché ci chiamano i Gemelli Cosmici". E poi: Steve Peake (tastiere), Steven C. Tanner (batteria), Rob Pastore (pedal steel), Kyle Lovell (batteria in "I Know What Yer Up To), Scott Myers (trombone, Voce), Adam Turkel (Voce, Percussioni), Linda Militello e Zoe Summer (Voci).

Anche se all'inizio piazza la tirata punk della title track che inganna parecchio, il resto del disco alterna ed esplora il blues nelle sue varianti: il classico giro che aggroviglia 'The 9 Lives Blues', la strisciante, ipnotica e oscura 'Snake Charmer', la polvere alla ZZ Top che circonda 'I Know What Yer Up To', l'honky tonk rotolante di 'The BedSpring Boogie',  il rock’n’roll di 'My Baby Didn't Come Home' e l'ottimismo di 'Last e There's A Better Day Comin' con la benedizione gospel nel finale, il funky che agita 'Nobody Tells Me When To Quit'.

Non mancano  tre ballate: l'autobiografica 'Sad Sad Song' toccante nei suoi sei minuti ondeggianti verso  New York Dolls e David Johansen, il country guidato dalla pedal steel 'Fingers Crossed', e il blues voce e chitarra 'Don't You Worry 'Bout Me' (presente come bonus).

Un disco vario e piacevole dove Steele si mette a nudo, dimostrando di poter iniziare una nuova carriera a 63 anni.

WILLIE NILE live@Ristorazione Sociale , Alessandria, 27 Marzo 2026

'Hard Times In America': Willie Nile lo cantava già nel lontano 1992 e l'ha ribadito più volte questa sera con quella canzone, sempre d'attualità, e con altre imbeccate che lo sottolineavano ("hello Trump? Fuck you" facendo finta di rispondere al telefonino che si è trovato sul pianoforte)  chiamandoci a raccolta sotto la forza dell'unione che può ancora fare la differenza. 'We Are We Are' canta nel suo ultimo disco The Great Yellow Light rispondendo  a quella 'Wild Wild World' che lo apre. Ci ha invitato dentro alla sua "casa dalle mille chitarre" dove allo scoccare della mezzanotte c'è Robert Johnson che canta e il rock’n’roll è ancora una fede e un'arma di pace, la migliore sulla piazza, in molti casi anche la più economica e potente. Illusi e romantici ci crederemo sempre. Fino alla fine.

Willie Nile, 77 anni  è sempre e (ancora) una garanzia di ottima e trasudante passione rock’n’roll con la stessa coerenza che lo segue da quel suo indimenticabile debutto uscito nel 1980, che aveva già tutte le caratteristiche che si è portato dietro in anni (anche difficili) con canzoni dove il vecchio folk, sporco di polvere preziosa, tramandato dal Greenwich Village (il gran finale lo riserva a una 'Blowin in The Wind' elettrica, ma qui nessuno gli darà del "Giuda"), i sixties marchiati da una Rickenbacker dei Byrds e l'assalto urbano del punk rock che visse sulla propria pelle in anni irripetibili che oggi sembrano veramente preistoria del rock, si uniscono in un solo verbo.

Willie, instancabile,  coniuga ancora quel verbo con immutata passione, aiutato dal sempre ottimo Marco Limido alla chitarra (straripante in più momenti), Antonio "Rigo" Righetti al basso ( e personale google translate di Nile) e l'impeccabile Alessio Gavioli alla batteria, la sua italian band,  ma i due momenti migliori di questa sua seconda serata in Italia (la prima a Bergamo, la prossima sarà domenica a Modena) arrivano quando si siede al pianoforte (il suo primo grande amore  a cui ha dedicato anche un intero disco, il sempre troppo dimenticato If I Was A River) per due ballate come 'Streets Of New York', a vent'anni dalla sua uscita,  e 'Across The River', dal debutto, intense e allungate, concluse con un gran crescendo a tutta band ad amplificare messaggi, sogni, epicità e phatos.

E poi c'è anche chi le risposte nel vento cerca e di acciuffarle a modo suo...camminando tra le strade di New York, tra le strade di Alessandria con un leprotto che ti attraversa la strada, sotto la stessa luna vagabonda, l'importante è avere in tasca dei sogni e in mano solo una chitarra e non una pistola.

RECENSIONE: THE LONG RYDERS (High Noon Hymns)

 

THE LONG RYDERS  High Noon Hymns (Cherry Red, 2026)

già tre dopo il ritorno

Tre anni fa i Long Ryders si presentarono sul piccolo palco del Blah Blah a Torino per la prima volta senza il bassista storico Tom Stevens scomparso nel Gennaio del 2021. Al suo posto accanto al solito briccone Sid Griffin, al sempre  perfetto e impeccabile Stephen McCarthy e a  Greg Sowders che sotto il suo cappellaccio non sbaglia un colpo c'era il nuovo bassista Murry Hammond ( già nei Old97s). Ricordo che in città quella sera c'era il regista Tim Burton che presenziava all'inaugurazione di una mostra a lui dedicata. Era metà Ottobre e l'autunno iniziava a farsi sentire e non fu un caso che l'album presentato in quell'occasione si intitolasse September November uscito nel 2023, seguito di quel Psychedelic Country Soul che sancì il ritorno della band che insieme a una bella manciata di altre band contribuì a costruire il movimento Paisley Underground che tenne in piedi il rock’n’roll negli anni ottanta. Di quelle band i Long Ryders erano quelli che fondevano il folk rock  dei Byrds con le sonorità post punk.

Fu un ritorno per restare. Trent'anni dopo. E non è un caso che nell'incalzante 'Four Winters Away', brano che apre questo nuovo High Noon Hymns cantino di quanto non ci sia troppo tempo da perdere. Soprattutto davanti al mondo di oggi. Un brano politico scritto ai tempi del primo mandato di Trump ma poi messo nel cassetto.

"Sono contento di poter dire che credo siamo stati tra i primi veri gruppi anti-Trump. Saremmo stati i primi se l'avessimo fatta uscire prima. Ora si sono uniti Springsteen e Billy Bragg. Facciamo parte del gruppo e sono contento che ne siamo stati coinvolti" racconta Griffin in un'intervista.

Anche se sono passati più di quarant'anni  Sid Griffin e soci continuano a camminare sulla stessa strada che Native Sons, State Of Our Union, Two Fisted Tales, i loro primi tre album, avevano solcato. Certo, oltre a quel taglio di capelli alla Byrds che li caratterizzava, manca anche lo spirito giovanile che ti permetteva di saltare invece di camminare ma il filo che tiene unite una Rickenbacker a una Telecaster, i vecchi Byrds a Gram Parsons, il Paisley Underground al country, il jingle jangle al rock non si è ancora consumato nonostante i chilometri percorsi. Lo si capisce dai momenti più tirati e rock come la già citata 'Four Winters Way', una 'Stand A Little Further In The Fire' che ci stampa un riff degno dei T Rex di Marc Bolan e un testo nuovamente anti Trump, una '(How How How) How Do YoubWanna Be Loved?' dal piglio punk e surfer, non lontano dai Ramones ("il mio tentativo di imitare Paul McCartney. Pensavo che se lui riusciva a scrivere una canzone dal nulla, forse potevo farlo anch'io" spiega Griffin), una 'Down To The Well' che fa bella mostra di quei accenti alla Tom Petty And The Heartbreakers, o una 'A Belief In Birds' che pur parlando di volatili non riesce a trattenere nemmeno nel titolo un riferimento agli amati Byrds.

Lo si ribadisce nei momenti più soft, che sia l'omaggio a Los Angeles di 'A Hymn For The City Of Angels', l'ariosa 'World Without Fear' che pare lasciare entrare un vento soffiato ancora da Tom Petty, il country rock alla Flying Burrito Brothers di 'Ramona', la pedal steel da tramonto che dipinge 'Knoxville On The Line', le atmosfere country bluegrass di 'Wanted Man In Arkansas' (una rapina in un negozio di liquori finita con un omicidio), le sognanti armonie di 'Say Goodbye To Crying', "una sorta di omaggio ai tempi del Paisley Underground" come racconta ancora Griffin.

A dividersi la scrittura Sid Griffin e Stephen McCarthy, in produzione la vecchia volpe Ed Stasium (The Ramones, Living Colour, Soul Asylum) che ga lavorato nei suoi studi Kizy Tone a Poway in California, tra gli ospiti spiccano DJ Bonebrake  degli X, batterista imprestato  al vibrafono e il giovane prodigio del bluegrass Wyatt Ellis al mandolino. 

A chiudere la cover di 'Forever Young' di Bob Dylan che forse non sarà memorabile ma è pur sempre un buon rifugio dentro a cui accomodarsi in tempi come questi e un ormai eterno buon auspicio per il futuro di tutto e di tutti.

SHAWN JAMES live@Spazio 211, Torino, 12 Marzo 2026

 

La prova che al giorno d'oggi esistono infinite vie per rendere virale e famoso un'artista mentre tu sei fermo alla copertina di un disco? Si presenta quando aspettando l'inizio del concerto di Shawn James allo Spazio 211, una coppia francese mi bussa alla spalla e mi chiede in inglese:

"l'hai conosciuto con The Last of Us Part II ?"

Scusate? 

"Il gioco!" mi dicono. 

Oh no, rispondo. Non conosco quel gioco. Non conosco nessun videogioco. Non mi piacciono più i videogiochi dal lontano 1992. Vaglielo a spiegare che lo conobbi una decina di anni fa alla vecchia maniera scrivendo del suo disco On The Shoulders of Giants nel mio blog e che ai tempi fui attirato dal suo faccione in copertina e mi incuriosì. Ecco spiegato perché fuori dal locale in coda c'erano così tanti ragazzi di giovane età e il locale era pieno. Poi scopro che la sua canzone più famosa è proprio quella 'Thtough The Valley' presente nel videogioco. Shawn James è un ragazzone di quarant'anni con una pazzesca e naturale forza interpretativa, una voce incredibile, profonda, baritonale, svezzata con i cori gospel delle chiese frequentate in giovane età nella periferia Sud di Chicago dove abitava prima del trasferimento in Arkansas. Diventatata adulta ascoltando Howlin’ Wolf, Robert Johnson e Otis Redding e poi il rock alternativo degli anni novanta, poi ancora tramutata in un folk soul con testi profondi tra peccato e redenzione. 

Non è uno che si risparmia Shawn James: due ore tiratissime di concerto con la sua affiatata band composta dal batterista Rob Kennedy, dalla brava e composta polistrumentista Caoimhe Hopkinson (chitarra, tastiere, violino), dal contrabbassista e chitarrista Zack Sawyer  e soprattutto dall'istrionico violista elettrico Sage Cornelius, vero mattatore sopra e sotto il palco (numerose le sue calate tra il pubblico) con la sua attitudine metallara tradita dalla sua voce da screamer e dall'ossesivo headbanging. I lunghi capelli gli permettono coreografie niente male. 

Un pubblico fedele e partecipe ha accompagnato Shawn James in ogni canzone che si trattasse dei momenti più intimi come l'esecuzione di 'Muerte Mi Amor', di una 'Eating Like Kings' eseguita insieme al suo autore Gravedancer che ha aperto il concerto con un breve set in solitaria o nell'infuocato finale dove il folk soul tutto americano si è incendiato diventando hard ('No Blood From A Stone).

Tra storie di vita raccontate con sincerità e complicità come farebbe un vecchio amico al bar, una cover di 'Like A Stone' degli Audioslave con il violinista Cornelius che riproduce fedelmente il solo di chitarra di Tom Morello, un invito ben accolto di Shawn James a mandare un bel "fuck you" a Donald Trump dopo averci detto quanto sia "imbarazzante essere americani" in questi tempi scuri, scorrono le sue canzoni The Thief And The Moon, Burn The Witch, I Want More, Midnight Dove, Crossroads.

Shawn James vive la musica sulla propria pelle, pure in modo assolutamente indipendente, si percepisce dall'intensità e l'onestà che ci mette sia quando racconta la propria vulnerabilità nei momenti più intimi del suo songwriting oscuro sia quando, soprattutto nel finale, si cala nella parte del rocker energico e selvaggio. Una bella serata pensata e decisa all'ultimo minuto. Spesso sono le migliori.

RECENSIONE: THE BLACK CROWES (A Pound Of Feathers)

THE BLACK CROWES   A Pound Of Feathers (Silver Arrows Records, 2026) 

vivi di rock and roll

 Molto probabilmente tra le foto promozionali dei Black Crowes non vedremo mai più una band al completo davanti a una discarica di macchine abbandonate come apparivano nella copertina di The Southern Harmony And Musical Companion o quei cinque abbigliati come una band garage rock di fine anni sessanta come nel debutto Shake Your Money Maker. I Black Crowes di oggi sono i fratelli Robinson, Chris e Rich che camminano in coppia, di notte, tra le vie di una città (foto di copertina di Lindsey Ross).

Forse era già così allora ma i compagni di merenda contavano eccome. Steve Gorman dove sei? Da quando hanno fatto l'ennesima pace ogni foto promozionale li ritrae insieme, loro due e nessun altro a fare ombra quasi a voler dimostrare che questa volta gli scazzi sono stati appianati definitivamente e l'amore fraterno e la sinergia famigliare campeggiano davanti a tutto. E forse, proprio per voler cogliere a pieno questo attimo di pace e fratellanza non fanno passare nemmeno due anni dal precedente disco che segnò il loro fortunato ritorno. Se Happiness Bastards era un buon ritorno con il rock’n’roll a trainare il tutto, A Pound Of Fathers sembra consacrarli. Diciamolo: difficile trovare una band che invecchiando alzi così l'asticella del rumore. E della freschezza compositiva pure. I fratelli Robinson ci hanno provato e hanno sbancato: A Pound Of Feathers è forse il loro disco più hard e heavy in carriera e arriva dopo quasi quarant'anni di dischi, litigi, tour e reunion. Non è da tutti. Erano dei fuoriclasse e lo sono ancora. La dimostrazione arriva da come è nato il disco, registrato in sole due settimane a Nashville con lo stesso produttore di Happiness Bastards, Jay Joyce, e con il solo Cully Symington, batterista della band dal 2023 in studio, poi raggiunti da Erik Deutsch (tastiere) e Mackenzie Adams e Leslie Grant (cori)  e con Rich Robinson a suonare il basso. In tour ci saranno pure gli altri.

 "Alla fine della prima settimana avevamo nove canzoni finite, pronte, al punto che tutti noi, persino Jay, dicevamo, 'Non perdere tempo con queste canzoni. Ci piace già molto dove sono." 

Un lavoro nato d'impeto. Da buona alla prima. Senza troppe sovrastrutture. Aggiornano i riff di casa Stones con la pesantezza dei loro anni novanta mantenendo le loro origini southern con cori di tradizione soul: 'It's Like That' sferraglia che è un piacere, 'Do The Parasite' possiede uno dei riff più sanguigni del disco, la slide di 'Profane Prophecy' è incalzante. 'You Call This A Good Time?' si stampa in testa con un riff hard che porta alla mente gli Ac-Dc e quel coro che fa "ahahah" pure. 'Blood Red Regrets' insegue i Led Zeppelin di Physical Graffiti, la voce di Chris Robinson è effettata e la chitarra di Rich si traveste con gli abiti del vecchio amico Page. Se questa è il lato più selvaggio e dominante non mancano vecchi sapori della tradizione americana a partire da 'Queen of the B-Sides', una di quelle ballate che negli anni novanta avrebbero fatto il botto, due soli minuti che avremmo registrato nella cassettina per l'innamorata di turno accanto a 'Patience' dei Guns N' Roses se fosse il 1991. C'è poi il ritmo saltellante di 'High & Lonesome' acustica, con il violino, una delle tracce più melodiche del disco. Quella che può piacere a tutti. 'Pharmacy Chronicles' è un altro numero acustico vestito d'Americana guidato dalla slide, diario di una rock’n’roll band che guida sulla corsia di sorpasso. Restano le due canzoni finali: 'Eros Blues', è un blues scuro con l'Hammond in evidenza che nella seconda metà si infiamma di hard rock per poi finire in un corale gospel che riporta tutto a casa e poi c'è 'Doomday Doggerel', una delle canzoni più cupe della loro carriera, dove i Led Zeppelin incontrano i Black Sabbath e fanno la pace.

 "Abbiamo scritto molto spontaneamente, io lavoro in questo modo, ma qualcosa come 'Doomsday Doggerel' è un ottimo esempio di come un minuto prima non ci fosse una canzone, e 30 minuti dopo c'è una delle mie canzoni preferite che abbiamo mai scritto" dice Chris Robinson. Gli ascolti forse gli daranno ragione. E se in tempi come questi, ognuno di noi cerca un rifugio sicuro e confortevole dove ripararsi dai mali del mondo, i Black Crowes pur con tanti anni su groppone ne offrono uno che suona dannatamente fresco, frizzante e per certi versi nuovo nella loro discografia. Se cercate ancora le sfumature di Amorica non le troverete. I Black Crowes ora sono più diretti di quanto non lo siano mai stati. "Amiamo suonare musica perché il mondo è caos. Possiamo connetterci a qualcosa che non è questa realtà". Lo ribadisce anche Chris Robinson. La loro realtà è certamente migliore della realtà là fuori.

ANGELA BARALDI live@GPG, Torino, 6 Marzo 2026

 

Dopo una settimana di Sanremo subita quasi passivamente, e quella successiva di sole parole per esaltare o distruggere la settimena precedente, subita passivamente pure questa - potere dei social babie! - non vedevo l'ora di vedere rappresentate su un palco live le canzoni che compongono il mio disco italiano preferito del 2025: 3021 di Angela Baraldi. Quella di Torino è l'ultima data di questo tour e Angela, che effettivamente a Sanremo vi partecipò pure nel lontano 1993 con 'A Piedi Nudi' (presente nella scaletta della serata), sembra rappresentare bene tutto ciò che a Sanremo non si vede e sente più da qualche anno. Basterebbe quel semplice: "testi e musica di Angela Baraldi" a sostituire elenchi lunghi come formazoni di calcio che imperversano ultimamente nelle canzoni pop italiane alla voce autori.

Cantautrice dalla spiccata personalità, indipendente, vera e fiera, con 3021 ha realizzato un disco intimo, breve ma avvolgente. Quasi antico. Ipnotico. Costruito su otto canzoni essenziali, dal taglio rock , che racchiudono un po' tutta la sua carriera: c'è il suo padre putativo Lucio Dalla dentro a 'Cosmonauti' e sua madre a cui è dedicata 'Saturno', un breve volo sopra alla stagione glam. Ci sono la speranza per un futuro dove ci si potrà innamorare ancora nonostante tutto ('3021') e l'umanità, le vicinanze e le distanze in canzoni come 'La Vestizione' e 'Cuore Elettrico',

Canzoni che hanno rappresentato l'ossatura del concerto contornate però da alcune gemme pescate dal passato. 

La Baraldi tiene il palco con antico magnetismo, s'inginocchia, danza leggiadra come uno sciamano e rimane in bilico su una gamba che pare Ian Anderson mentre canta 'Cuore Elettrico'. Prende ciò che le grandi cantautrici hanno insegnato in settant'anni di storia rock'n'roll e lo unisce alla italianità. Una mosca bianca all'interno del cantautorato rock femminile made in Italy da preservare con cura, forte di esperienze segnanti nella musica come quella che la vide collaborare con gli ex CSI Massimo Zamboni, Gianni Maroccolo e Giorgio Canali e nella recitazione come attrice.

Oggi ad aiutarla sul palco la sua band: il mancino Federico Fantuz alla chitarra (coautore di alcuni degli ultimi pezzi), Giovanni Fruzzetti al basso e al synth e Daniele Buffoni alla batteria.

Passano così  'Sono Felice', canzone di un allora giovanissimo Macromeo ritrovata nei cassetti di quest'ultimo che mai la incise, 'Hollywood Babylonia' con le storie maledette di tre attori della vecchia Hollywood, lo stomp blues 'Josephine' dedicata a Joséphine Baker artista e attivista afroamericana che si stabili a Parigi, il lento e notturno blues di 'Michimaus', una 'Tutti A Casa' per non dimenticare Federico Aldrovandi e la sua triste storia fino alla finale 'Mi Vuoi Bene O No?', suo primo grande successo, privata della parte funky per essere contornata da sfumature jazz. 

Eravamo davvero in pochi dentro alla sala del CPG (un centro polivalente veramente ottimo), tanto che lei ci scherza su mettendosi in posa davanti alle però tante macchine fotografiche Reflex presenti ("non mi era mai capitato di avere più fotografi che pubblico"). "Pochi ma buoni" come dice. E in TV non c'era neppure Sanremo a distrarre. Dove eravate? Angela Baraldi c'era, rocker unica e in splendida  forma.

RECENSIONE: MICHAEL MONROE (Outerstellar)

 

MICHAEL MONROE  Outerstellar (Silver Lining Music, 2026)

rock and roll finchè ce n'è

Si fa fatica ad associare questa copertina che pare più la scatola di qualche collirio a buon mercato al rock'n'roll di un'istituzione in pista da quarant'anni come Michael Monroe. E allora non giudichiamo il disco dalla copertina ma passiamo subito alla dodicesima traccia in scaletta: si intitola 'One More Sunrise' è la canzone più lunga che il finlandese abbia mai scritto. Sette minuti e quaranta secondi che sembrano ben rappresentare la completa maturità artistica di chi non ha più nulla da dimostrare a nessuno: una canzone dall' imponente crescendo che pare cercare quell'epicicità quasi springsteeniana perduta nei seventies con l'amato sax e un pianoforte protagonisti . Una canzone che non ti aspetti che lo stesso Monroe racconta così: "mi piace perché rompe gli schemi e si allontana dai formati classici. Mi piace creare qualcosa di diverso, inaspettato. Ecco perché "One More Sunrise" è una delle mie canzoni preferite".

Ok. Ma prima cosa troviamo? Il solito grande rock'n'roll di uno dei pochi grande rocker rimasti su questa terra. Michael Monroe sta viaggiando verso i sessantaquattro anni (salutista e ripulito pure ) ma dentro di lui alberga ancora lo spirito ribelle di chi attraverso tutte le tappe della sua carriera che si chiamino Hanoi Rocks, Demolition 23, Jerusalem Slim o solista (è partito con Night Are So Long nel 1987)sia riuscito a creare quel lungo ponte  che parte da Stooges, Stones e New York Dolls e porta allo sleaze rock degli anni ottanta fino a proiettarsi fino ad oggi. Saranno pure passati gli anni ma quando partono canzoni come  'Rockin Horse' (una dichiarazione di indipendenza), 'Shinola', 'Newtro Bombs', 'Rode To Ruin' caricate a salve  da antico spirito punk , lo sleaze di 'Disconnected' che si scaglia contro il modernismo esasperato , l'armonica di 'Precious', le atmosfere più cupe di 'Painless' (racconto sui rapporti burrascosi con le case discografiche) , le accattivanti  atmosfere sixties create dalle tastiere su cui veleggia 'When The Apocalypse Comes' (dove canta: "Quando arriva l’apocalisse, il posto migliore per l’ultimo momento è tra le braccia di una persona cara") o i toni che si abbassano nella ballata acustica 'Glitter & Dust' capisci che Michael Monroe fa ancora dannatamente sul serio.

E quell'epopea legata al rock'n'roll rimane salda in canzoni esplicite come 'Black Cadillac' che Monroe racconta così: "questa canzone parla di un amico, un tossicodipendente che viveva nel bagagliaio di una Cadillac in un parcheggio. Era Johnny Thunders , il chitarrista dei New York Dolls , un tipo che conoscevo bene. Aveva ovviamente un problema di eroina. Ma a un certo punto, a New York , viveva effettivamente nel retro di questa Cadillac in un parcheggio". E il forte legame a musicisti fedeli come il chitarrista Steve Conte e il bassista Sammi Yaffa fa il resto. A completare Rich Jones (chitarra) e Karl Rockfist (batteria).  

Ennesima lezione di attitudine. Disco che  arriva ancora con freschezza e vitalità.

SCOTT H. BIRAM live@El Barrio, Torino, 21 Febbraio 2026

Si scusa Scott H. Biram. A fine concerto si ferma a parlare con noi pochi spettatori (un vero peccato. Ma la promozione per questi eventi?) e si scusa, quasi uno ad uno, per i problemi tecnici che ha avuto per più di metà concerto con la stomp box amplificata che non arrivava come avrebbe dovuto. Non è contento, sembra realmente amareggiato per non averci dato quello che voleva. Lo si rincuora perché è andata benissimo lo stesso e durante l'ora e mezza di durata forse nessuno si sarebbe accorto del problema se lui non avesse interrotto bruscamente con qualche imprecazione. Grande umiltà. Un personaggio Scott H Biram. Texano, cresciuto nella campagna di Prairie Lea, in una famiglia di musicisti (papà suonava il sax, gli zii avevano una piccola band), nello stereo di casa prima Leadbelly, Lightnin' Hopkins e Doc Watson poi i Black Sabbath e il punk rock dei tempi del liceo, mentre il suo fisico nel tempo è tenuto insieme dalle cicatrici e dalle protesi al titanio, lascito di alcuni episodi da leggenda: un incidente stradale in Texas nel 2003 che gli lasciò intatto un arto su quattro ma non gli impedì, un paio di mesi dopo, di salire sul palco in sedia a rotelle con una flebo al seguito, poi in Francia nel 2009, quando scivolò nei pressi di una pompa di benzina. 

Sotto il gilet si intravede una t shirt dei Beastie Boys (Check Your Head), entra sul palco con in sottofondo Anesthesia (Pulling Teeth) dei Metallica, testamento del compianto Cliff Burton. Già questo inquadra la sua voracità musicale anche se poi la scaletta è infarcita di blues fino al midollo. Canzoni, sue e cover, di  peccato e redenzione, suonate con antico spirito DIY, lo stesso che gli bolle in corpo quando suona le sue chitarre, quando sbuffa dentro un’armonica e batte il piede sulla stomp box, scuotendo il cembalo , anche se non si sente come vorrebbe lui. Tranquillo Scott! Ringhia, predica, si sfoga. Tutto insieme. Un “The Dirty Old One Man Band” come il titolo di uno dei suoi tredici dischi, quasi tutti legati alla Bloodshot Records di Chicago. Passano il reverendo Gary Davies e lo yodel di Jimmy Rodgers, Robert Johnson e Muddy Waters, John Lee Hooker. 'Throw A Boogie Woogie' di Sonny Boy Williamson diventa 'Black Betty' dei Ram Jam. Blues grezzo e qualche ballata country dagli umori texani, l'amore per il gospel (ci ha fatto un disco), la veemenza punk metal è sempre a un passo, dietro l'angolo, camuffata dalle chitarre acustiche.

E quando canta " I'm still drunk, still crazy, still blue" gli credi senza ulteriori verifiche. Finito il concerto vorrebbe farne un'altra ma parte in filodiffusione una musichetta targata Walt Disney. Risalito sul palco ci saluta con un passo di danza classica e un inchino. Quest'ultimo contraccambiato da noi pochi ma fortunati.

RECENSIONE: DEWOLFF (Fuego!)

 

DEWOLFF  Fuego! (Electrosaurus Records, 2026)

"una fiamma che brucia ancora"

Dopo la coronazione di un sogno, registrare un intero disco nei Fame Muscle Shoals Studios in Alabama (Muscle Shoals uscito nel 2024), gli olandesi Dewolff formati dai due fratelli Pablo (chitarra e voce) e Luka De Poel (batteria e voce) con Robin Piso (hammond, piano, synth e Wurlitzer), sublimano i loro inizi con un disco di cover. È però una raccolta di canzoni che cerca di fuggire il più possibile dai soliti dischi di cover, spesso incisi con svogliatezza o per riempire un buco contrattuale. Un'arma a doppio taglio che nel tempo poche volte è stata baciata dalla fortuna. Pochi ma buoni quelli che hanno fatto la storia. Qui siamo nel mezzo ma certamente non farà la storia nemmeno questo.

Queste sei canzoni (o otto) per trenta minuti di durata sono si cover, ma sembrano  metterci davanti a quel che sono i Dewolff in sede live, sopra a un palco, le canzoni ricevono un trattamento diverso, si allungano, si mischiano, diventano jam musicali.

Pescando tra i gruppi, gli autori e le canzoni che li spinsero a prendere gli strumenti in mano e formare la band.

"Un tributo alle canzoni e agli artisti che ci hanno plasmato fin dagli albori dei DeWolff. Invece di scrivere nuovi brani, siamo tornati a una manciata di canzoni che hanno acceso la scintilla. I pezzi forti che hanno plasmato chi siamo come musicisti e come band" raccontano.

 I loro eroi, non necessariamente famosi: si passa dai Redbone di 'Judgement Day' (1973)  band losangelina formata da nativi americani agli inizi degli anni sessanta raggiungendo la maggior notorietà nei primi settanta e con Jimi Hendrix loro grande fan tanto da spingersi a indicare il loro chitarrista Lolly Vegas come "il migliore che avessi mai sentito" a Leon Russell con 'Roll Away The Stone', estrapolata dal suo primo mitico disco solista del 1970. Qui i Dewolff si calano completamente nella parte, sprofondando  completamente in quel southern soul ammaliante. C'è 'The Fan' dei Little Feat di Lowell George, brano del 1974 preso da l'album Feats Don't Fail Me Know, con gli olandesi che ingranano la quarta per un lungo viaggio con la chitarra ospite di Joe Bonamassa: un carnevale di chitarre e tastiere che riporta a quelle lunghe jam dove i generi musicali non contavano più perché era il demone della musica a impossessarsi degli strumenti. Otto minuti di sarabanda strumentale con dialoghi e duelli.

C'è la più basica 'Fire And Water' dei sempre dimenticati ma più famosi Free, hard blues solido e seducente, una "veloce" 'Faster And Faster' (anno 1970) dei misconosciuti Eden Rose, band francese di jazz rock progressivo guidati dall'Hammond di Henri Garella (a salire in cattedra è il tastierista Robin Piso a inttomettersi la chitarra di Pablo De Poel ), fino ad arrivare ai dieci minuti finali di 

'Fire and Brimstone/Hawg Frog/I Walk On Gilded Splinters' dove fanno incontrare la chitarra rock'n'roll blues di Link Wray del 1971 lo swamp rock di 'Hawk Frog' di Buzz Clifford e il voodoo New Orleans sound di 'I Walk On Guilded Splinters' prelevata da Gris-Gris (1968) di Dr. John. Un finale cosmico degno di qualunque loro concerto.

LOS LOBOS live@Teatro Superga, Nichelino (TO), 11 Febbraio 2026

Dalle mie parti in Valle Cervo, nell'alto biellese, negli ultimi tempi l'avvistamento di lupi è diventato sempre più frequente. Una cosa che desta curiosità, affascina, per molti aspetti preoccupa anche. È la legge della natura che si fa sentire. Bussa alla porta dell'umanità. La calata italica, organizzata da Admr Chiari, per un tour di quattro date dei vecchi lupi chicani della East Los Angeles è invece motivo di gioia e tante altre cose fuorché preoccupante. Forse solo l'assenza di Louie Perez, sembra per motivi di salute, e un inizio di concerto a lenta carburazione di David Hidalgo potevano destare qualche dubbio. Anche se l'apertura in quarta con uno dei loro primi manifesti non lascia trasparire nulla. La domanda Will The Wolf Survive? arriva fiera a ricordarci quell'incrocio tra America e Messico sublimato da lì in avanti. 

I Los Lobos sono ancora una instancabile locomotiva del ritmo che ha in Conrad Lozano (basso pazzesco, panama in testa, braghette corte e culo seduto per più di metà concerto) e Alfredo Ortiz ( batteria e vero propulsore per tutta la serata) le solide fondamenta, nel compassato Steve Berlin (sax e tastiere) il fantasista che completa l'opera con abbellimenti estetici ficcanti e opportuni e in Cesar Rosas (chitarra e voce) e David Hidalgo (chitarra, voce e fisarmonica) le due facce da prima pagina. Si scambiano assoli di chitarra, si alternano alla voce. Cantano insieme. 

 Una oliata macchina del ritmo che non ha conosciuto cali passando con disinvoltura dalla cumbia di Chuco's Cumbia e Maricela al rock di Flat Top Joint (cover degli ex compagni di scuderia Blasters), dai caldi sapori tex mex di Ay te dejo en San Antonio e Volver, Volver, omaggio a Santiago Jiménez e Vicente Fernández, al rock'n'roll di Don’t Worry Baby, Evangelina e Más y más. Poca tregua e poche parole quando sono le canzoni a raccontarci tutti i loro cinquant'anni di carriera e il delicato momento storico che si sta vivendo alle loro latitudini. Il solito mix tra canzoni autografe e cover, perché da sempre l'omaggio ad altri artisti ha caratterizzato tutta la loro carriera dagli inizi quando suonavano a feste, battesimi e matrimoni, passando per il lancio mondiale di metà anni ottanta, fino all'ultimo disco inciso cinque anni fa Native Sons che omaggiava tutta la scena musicale della loro Los Angeles, senza distinzione tra punk e latin roots. 

Dalle atmosfere jazz blues di The Neighborhood (title track del mio album preferito da cui estraggono pure la stupenda Angel Dance, ballata piena di soul), passando dalla fisarmonica che scolpisce nel tempo la melodia notturna di Kiko And The Lavender Moon all'omaggio finale a Richie Valens (Oh My Head, Come On Let's Go, l'immancabile La Bamba che li proiettò verso tutti quelli che ancora oggi: " i Los Lobos quello della Bamba?") a ricordarci che quel lontano giorno del 1959 quando il "rock'n'roll mori" partorì anche il suo futuro. 

Un finale che ha decretato il rompete le righe, con il pubblico, fino a quel momento educatamente seduto  ( a parte qualche conoscente "desapericido della sedia"  che non ne poteva più  già  da tempo in piedi a ballare ai lati della sala) che finalmente ha potuto abbandonare le seggiole del pur bel teatro Superga e avvicinarsi ai propri idoli per un finale tutti vicini e stretti e le mani a tenere il ritmo sulle assi del palco. Ecco se devo trovare un neo alla serata è quella voglia, tarpata dalle seggiole, di alzarsi in piedi e muovere le gambe (soffro seduto ai concerti rock) seguendo i ritmi sempre diversi della scaletta. Un viaggio tra tempi, stili e generi. Il lupo è sopravvissuto, per farlo ha dovuto camminare, prendersi altri spazi. Scendere a valle. Niente e nessuno lo ha ancora abbattuto.

RECENSIONE: JAY BUCHANAN (Weapons Of Beauty)

JAY BUCHANAN  Weapons Of Beauty (Sacred Tongue Records/Thirty Tigers, 2026)

dialogo con il silenzio

Per tutti quelli che in questi ultimi vent'anni hanno seguito il crescendo artistico dei californiani Rival Sons culminato (per ora) negli ultimi due dischi legati tra loro Darkfighter e Lightbringer, il loro sforzo artistico più impegnativo e personale, una scommessa vinta, la bravura interpretativa, su disco e live,  del loro cantante Jay Buchanan non  è certamente una novità. Qualcuno prima dell'uscita di questo disco, invece, può averlo riconosciuto anche nel concerto di addio a Ozzy Osbourne, Back To The Beginning a cui ha partecipato senza sbavature, oppure nel film Springsteen, Deliver Me From Nowhere, diretto da Steve Cooper : Buchanan si era calato completamente a suo agio nel cantante leader della resident band dello Stone Pony, il locale del New Jersey dove Springsteen amava rifugiarsi, lontano dalla fama, per farsi una cantata con gli amici, lontano dai riflettori rock che iniziavano a puntarlo con insistenza in quei primi anni ottanta. Io Buchanan non l'ho avevo riconosciuto, l'ho capito dopo leggendo i nomi del cast. 

E proprio dal regista Scott Cooper si potrebbe partire per raccontare il suo primo album solista: è lo stesso regista ad aver messo giù la sequenza di queste dieci canzoni come fossero la sceneggiatura di un film. Una pellicola girata tra i deserti del Mojave dove Buchanan si è rifugiato (come fosse lo Stone Pony per Springsteen) per tre mesi, in un bunker sotterraneo con un generatore a benzina per la luce, tenendo fuori la sua anima da rockstar sviluppata con la band, gli otto dischi pubblicati e i tanti tour, alla ricerca di qualcosa di più profondo  e intimo radicato dentro a sé stesso. Di giorno in superficie tra il nulla della sabbia e di una vecchia miniera d'oro abbandonata, di notte sottoterra a mettere giù  le sensazioni e i ricordi che quei luoghi hanno portato a galla nella sua memoria. Un intenso dialogo con il silenzio. Contemplazione di anima e paesaggi circostanti.

"Weapons Of Beauty’ è il suono di queste placche che si spostano dentro di me, troppo forte per essere ignorato. Sorprendentemente, non ho mai conosciuto una vulnerabilità che mi facesse sentire così potente...Ho anche fatto amicizia con l'isolamento e alla fine il deserto stesso è diventato in un certo senso un collaboratore davvero vivace" ha raccontato. 

Sono uscite dieci canzoni registrate successivamente in soli cinque giorni a Savannah, Georgia, insieme al produttore e amico Dave Cobb e alcuni fidati amici ospiti e musicisti di Nashville: Chris Powell (batteria), Leroy Powell (chitarra), Brian Allen (basso), J.D. Simo (chitarra) e Philip Towns (tastiere).

" Penso che questo disco sia come guardare direttamente nel cuore di Jay: nessun filtro, nessun rumore, solo emozione pura e cruda" ha raccontato il produttore Dave Cobb.

Dieci canzoni, tra cui la cover della sempre straziante 'Dance Me To The End Of Love' di Leonard Cohen qui rivestita di soul, che dimenticano l'elettricità della band e sprofondano nella sottrazione strumentale per mettere bene in evidenza la sua voce potente, il vibrato, le sfumature. Gli strumenti non sovrastano mai il racconto ma accompagnano, sorreggono.

Ne è uscito un ritratto interiore, un percorso inedito che esplora territori folk e gotici, radici e Americana.

Canzoni di perdita e redenzione (il crescendo della toccante 'Caroline', come sopravvivere a un dolore e lasciare il passato per affrontare il futuro), di solitudine ('High And Lonesome' vede la slide di J. D. Simo ospite nel disegnare impronte tra la sabbia e un falò) e fede dentro al bel gospel soul 'True Black', guidato dal pianoforte protagonista e con Buchanan a fare da predicatore, ricordando il primo Billy Joel, country/gospel del periodo Piano Man. 

Una narrazione intima, la vita che rallenta per spiare dentro all'amore per la compagna  nel folk 'Sway', nella intima poesia di 'Shower Of Roses' sembra intravedersi il cuore dell'autore, i ricordi d'infanzia che affiorano in 'Deep Swimming', la canzone più ritmata in scaletta. Prove cantautorali come la road song 'Tumbleweeds', le atmosfere west coast seventies di 'The Great Divide' e poi la confessionale title track in chiusura, confidenziale, voce e pianoforte.

Per completare l'opera, l'artista Jeremy Lipking, pittore realista, è stato chiamato per disegnare la copertina.

Intanto mentre queste dieci canzoni inizieranno a lasciare il deserto del Mojave per entrare in modo discreto nelle case di tutto il mondo, Jay Buchanan ha annunciato di essere già al lavoro sul nuovo disco dei suoi Rival Sons. Un disco sorprendente e rivelatore.

RECENSIONE: HANDSOME JACK (Barnburners!)

 

HANDSOME JACK  Barnburners! (Alive records, 2026)

in blues we trust

Continuano a non deludere i figli dello  stato di New York (provengono da Lockport), proprio perché stanno un passo indietro ai tempi. Anche nel loro sesto disco e con più di vent'anni di carriera continuano a macinare il loro sound in bilico tra southern rock targato nineties con la benedizione di Chris Robinson che ai tempi li volle ad aprire per la "confraternita" formata insieme al compianto Neal Casal (grande fan della band), hard blues figlio delle grandi power trio band dei seventies,  lo swamp rock benedetto dall'acqua santissima di John Fogerty e il blues nero dei padri su cui si fonda maggiormente questa nuova uscita. 

Il trio formato da Jamison Passuite (chitarra, voce), Joey Verdonselli (basso, voce) e Bennie Hayes (batteria, voce) continua a puntare sul calore di composizioni che non hanno bisogno di troppi addittivi, fregandosene di essere troppi alla moda. Basti la cover di 'Polk Salad Annie' con cui omaggiano il grande Tony Joe White per avere il loro codice fiscale. Persa per strada la carica garage dei primissimi dischi a farla da padrone sono le profonde radici blues fatte crescere e trasportate ai nostri tempi: dallo stomp con il classico beat alla Bo Diddley di 'Tonight We Ride', lo sbilenco andazzo di It's 'Only Business', orgia edulcorata tra Captain Beefheart e Canned Heat, il trotto boogie dell'esuberante e sensuale 'Do It! Do It!' e 'I'm Hooked' con tanto di cori trascinanti, a una 'Poly Molly' che è puro Chicago Blues alla Elmore James con la slide a fare la voce grossa, ("In 'Polly Molly' abbiamo preso il classico stile bottleneck di Elmore James e lo abbiamo adattato ai tempi moderni. La versione live, semplice e grezza, suona allo stesso tempo antica e fresca, e questo era uno dei nostri grandi obiettivi per il nuovo disco" dicono), 'Let's Go Downtown' cavalca invece  più veloce di tutte mentre nel  finale affidato a 'Ghost Woman', frenano mettendosi all'ombra di una composizione cupa, spettrale e limacciosa con chitarre eletttiche aspre.

Nel ritmato swamp rock 'Barnburner' che apre il disco ricordando i Black Keys cantano "we’re gonna light it, we’re gonna burn it down" promettendo fuoco e fiamme per i successivi 33 minuti. Pochi ma abbastanza per confermare il trio come uno dei migliori e buoni traghettatori di certi vecchi suoni nel presente e futuro. Veri e grezzi.

RECENSIONE: MEGADETH (Megadeth)

MEGADETH   Megadeth (Tradecraft/ BLKIIBLK, 2026)

this is my life

La mano del tempo ha lisciato a dovere il carattere ispido che ha segnato gran parte della sua carriera ma si è accanita con forza sul fisico. Dave Mustaine negli ultimi anni ha combattuto con svariati malanni (artriti alle mani, problemi cervicali con operazioni annesse, un cancro alla gola vinto) che l'hanno portato a quella decisione che un musicista vorrebbe posticipare il più possibile: la fine della sua creatura Megadeth. Il capolinea da festeggiare, possibilmente per più tempo possibile. Una fine che ha un album e avrà un tour che come minimo durerà tre anni. Scelta bizzarra per uno messo male fisicamente. Ma per ora sembra proprio sia così. O quasi. Si sa come vanno a finire certe cose. Megadeth è un album che si veste a festa fin dalla copertina con il buon Rattlehead vestito elegantemente di bianco ma con la fine segnata dal fuoco pronto a cancellarne le tracce, anche se sappiamo che tutto rimarrà a segnare la storia della musica heavy metal con almeno un poker di dischi (forse più) da possedere e amare.

Un disco che nulla inventa ma che ripercorre un pò tutte le tappe della band, musicalmente vario ma in generale con la melodia della maturità come faro guida, in barba a quei puristi del metal che vorrebbero ancora la velocità della gioventù come se tutto fosse cristallizzato al 1984 e forse neppure erano nati . Ogni epoca ha la sua marcia.

Eppure ci sono un paio di episodi che portano a quel thrash tecnico e ricco di cambi di tempo che caratterizzavano Rust In Peace: l'iniziale 'Tipping Point' che apre l'album in maniera sublime, sicuramente la migliore traccia, è  un biglietto da visita più che dignitoso per una band in giro da quarant'anni. Da sola sembra mangiarsi gli ultimi vent'anni degli amici/nemici Metallica condensando in solo quattro minuti tutto ciò che James Hetfield e soci non riescono più a raggiungere.

Le fa eco 'Made To Kill' con batteria (Dirk Verbeuren) e basso (James Lomenzo) in primo piano e quelle accelerazioni speed con assoli disseminati un po' ovunque. E i defender qui sono accontentati.

L' anarco punk di 'I Don't Care', tanto ribelle quanto quasi infantile nel suo testo è un testamento di indipendenza che scava ancora più indietro nel tempo così come 'Let There Be Shred', una battaglia all'ultimo assolo di chitarre tra Mustaine e il nuovo chitarrista, il finlandese Teemu Mantysaari che si dimostra degno successore dei tanti chitarristi che si sono avvicendati nel tempo. Lo dimostra pienamente lungo tutte le undici tracce, portandosi a casa i complimenti del capo.

Ma sono i mid tempo intrisi di melodia che si riallacciano agli anni novanta di Countdown To Extinction, Youthanasia e il sempre dimenticato Cryptic Writings a prevalere: 'Hey God' è un dialogo con la ritrovata spiritualità, un avvicinamento che ha lasciato il segno dopo la vittoria sul cancro,  'Puppet Parade' si sarebbe collocata bene in scaletta tra 'Skyn O' My Teeth' e 'Symphony Of Destruction', 'Another Bad Day' rallenta ulteriormente in una spirale melodica che lascia poco scampo, "si sopravvive giorno dopo giorno" sembra il monito, così come 'Obey The Call' avanza intrisa di velata tristezza e 'I Am War' sembra scavare dentro all'anima di un musicista che nel bene o nel male non è mai venuto a patti con nulla e nessuno, pagando tutto sulla propria pelle e reagendo a pari passo con il suo carattere mai troppo accomodante ma sempre verace e schietto.

Fino alla autobiografica, fino all'osso, 'The Last Note' dove Mustaine scrive il suo testamento, ripercorrendo la carriera fino a giungere a quel "long goodbye" che dice tutto o forse niente. Un finale che una chitarra arpeggiata rende triste più del dovuto. A proposito è uscito pure un film Behind The Musk dove Mustaine ripercorre quarant'anni di musica.

Di questi giorni però la dichiarazione che forse ci sarà il tempo per un disco solista in futuro.

Ma siccome l'inizio della  storia di Mustaine ha un nome la fine lo riesuma mantenendo fede alle radici: 'Ride The Lighning' sia'. Assolo o non assolo uguale all'originale chi se ne frega: dibattiti per giovani youtuber. Megadeth ha diviso, sta dividendo, ma è un disco piacevole dall'inizio alla fine, cosa che, dalle mie parti, con i Megadeth non succedeva da parecchio. 

RECENSIONE: LUCINDA WILLIAMS (World's Gone Wrong)

 LUCINDA WILLIAMS  World's Gone Wrong (Highway 20 Records, 2026)

l'ultima combattente

In questi mesi convulsi con gli equilibri del mondo ribaltati come un calzino usato e ormai logoro mi sono spesso chiesto dove fossero le voci degli artisti che più amiamo? Pochi, veramente pochi, quelli che si sono esposti in prima linea. In uno slancio di ingenua utopia ho addirittura pensato: perché nessuno organizza un grande concerto di protesta? Come dite? Son finiti gli anni d'oro del rock? Bruce Springsteen ci ha provato durante i suoi concerti dello scorso tour e ancora in questi primi giorni del 2026, pure Neil Young non le ha mandate a dire, come suo solito, facendo incazzare Donald Trump che si è spinto a rispondere loro direttamente. Ho assistito a un Bob Mould che ha interrotto il concerto per scusarsi per quello che sta succedendo negli Usa, abbiamo ascoltato il bellissimo disco di Mavis Staples dello scorso anno che già nel titolo Sad And Beautiful World diceva tutto. 

Ma solo una come Lucinda Williams che in vita ha collezionato così tante ferite con conseguenti cicatrici da sviluppare una spiccata sensibilità, poteva tirare fuori un disco di protesta come lo è World's Gone World. Un disco inseguito da sempre ma che solo ora sembra aver senso.

Dopo aver vinto la battaglia con l'ictus che l'ha colpita qualche anno fa e che ancora sta lasciando segni del suo passaggio donando una deambulazione incerta, ora da gran combattente affronta i mali del mondo e della sua America. E se siete stati al Teatro Lirico Giorgio Gaber di Milano  il 10 Gennaio del 2023 e avete assistito a uno dei concerti più surreali, strazianti e umani che abbia mai visto sapete di che pasta è fatta la settantatreenne cantautrice della Louisiana .Una che porta sempre a casa la partita con forza e cuore. " Faccio ancora fatica a camminare, il mio tour manager, Travis, mi sostiene per un braccio mentre salgo e scendo dal palco. A volte mi aggrappo all'asta del microfono solo per mantenere l'equilibrio. So cantare. Al momento no sto suonando la chitarra, quello lo farò più tardi"

Nella title track che apre il disco, alla Stones, si immedesima nella quotidianità di una giovane coppia della working class americana che fatica a tirare avanti trovando consolazione nella musica di Miles Davis. Ed è proprio quello che vuole Lucinda Williams con queste dieci canzoni di rock blues tese come lame che affondano sulla carne viva del mondo. Che si tratti del southern rock chitarristico alla Drive By Truckers di 'Something's Gotta Give' dove il "troppo" stroppia e il presagio è dietro l'angolo "il male è arrivato...lo senti ovunque", ecco le chitarre di Pettibone e Marc Ford salire in cattedra. Che si tratti della ballata country dalla lenta andatura alla Neil Young 'Low Life' (scritta insieme ai Big Thief e con l'armonica di Mickey Raphael), aleatoria fuga dalla realtà in compagnia di un bicchiere e di un juke box che trasmette Slim Harpo e Dr. John ma con un "uragano dentro" che continua a macinare rabbia. Che si tratti del taglio sixties di 'How Much Did You Get For You Soul?' calata negli inferi con l'incontro di Robert Johnson che forse ci aveva già messo in guardia, "i sogni rimandati" (ricordando la poesia di Langston Hughes) che escono dal blues nero 'Black Tears' a ricordarci quanto il razzismo serpeggi ancora indisturbato nonostante le lezioni della storia. Che si tratti della mistica e corale elettricità rock di 'Sing Unburied Sing' ispirata all'omonimo romanzo di Jesmyn Ward, della domanda "Dio ha dimenticato la battuta finale?" che infesta la lenta e pungente 'Punchline' con una chitarra Resonator a piangere le lacrime del mondo. Che si tratti del grido liberatorio "alzatevi e combattete" che esce prepotente da 'Freedom Speaks'. Lucinda Williams ci mette in guardia, ci informa. Ci sprona. E' il momento di agire: "ogni giorno il presidente Trump diceva qualcosa di folle o prendeva una decisione. Queste canzoni dovevano uscire"

Lo sapeva bene Bob Marley che già nel 1979 con 'So Much Trouble In The World' metteva il mondo davanti ai suoi mali (povertà, disuguaglianze, conflitti armati, degrado ambientale), gli stessi di oggi. L'eterno conflitto tra realtà e illusione. Il duetto con Mavis Staples sulla canzone di Marley è un dialogo tra due generazioni di donne destinato a restare. Da tramandare nei prossimi anni. Pur circondata da uomini, il marito Tom Overbay e Ray Kennedy collaboratori fidati , la sua band formata dalle chitarre di  Doug Pettibone e Marc Ford, la batteria di Brady Blade, il basso di David Sutton e le tastiere di Rob Burger (quell'Hammond!), sono le donne le vere protagoniste di queste dieci canzoni. Lo è Mavis Staples, lo è la voce della brava Brittney Spencer che doppia quella della Williams in un paio di occasioni, lo è Norah Jones che duetta nella finale 'We've Come Too Far To Turn Around', un valzer intimo che pare ottimista, vedendo un futuro migliore all'orizzonte. Un disco che ci spiattella i mali del mondo, suggerisce azioni e ci fa sognare un futuro diverso. Un grande disco: potente, fiero e resistente. Un disco che questi tempi meritano.

THE DREAM SYNDICATE live@Hiroshima Mon Amour, Torino, 21 Gennaio 2026

Negli ultimi quattro anni a Torino credo di aver incrociato più volte Steve Wynn che un piatto di bagna cauda. Due eccellenze che non smettono mai di stupirmi. Due garanzie. Sempre. Wynn, da solo per concerti più intimi: in compagnia del solo Chris Cacavas (il quinto uomo alle tastiere, a sorpresa, stasera all'Hiroshima), oppure con Enrico Gabrielli e Rodrigo D'Erasmo per il bel concerto dell'anno scorso per la presentazione della salvifica autobiografia Non Lo Direi Se Non Fosse Vero. Libro assolutamente da leggere per quanta umanità vi è contenuta. E poi con i Dream Syndicate, sbarcati l'ultima volta in città nel 2022 allo Spazio 211, concerto da salotto tutti vicini vicini. Ma stasera è diverso. Si respira l'aria del grande evento, il locale è più grande e si riempirà, meritatamente, è la prima data del tour europeo e il primo dei quattro concerti italiani per festeggiare il loro Medicine Show, il secondo disco uscito nel 1984 e da poco ristampato in un ricco box, che tanto fece soffrire in fase di registrazione ("alla fine ero molto soddisfatto del disco, ma fisicamente e mentalmente ero a pezzi" racconterà Wynn) quanto fu fondamentale per proiettarli tra i grandi gruppi rock americani degli anni ottanta. 

I Dream Syndicate non deludono mai anche quando decidono di improntare la prima parte di show pescando brani solamente dalla seconda fase di carriera, mai troppo lodata e ancora tutta da scoprire,  quella della sperimentazione, cavalcando territori più aspri e dilatati uscendone comunque vincitori. A farla da padrone in scaletta è l'album How Did I Find Myself Here? e Jason Victor a confermarsi un grande chitarrista, quando dialoga con la chitarra di Wynn e ancor di più quando parte per i suoi viaggi sonori portandosi dietro tutti noi. Tanto compassato quanto trascinatore.

Dieci minuti di pausa e la scenografia dietro a loro passa dalla copertina dell'album These Times a quella inconfondibile e iconica di Medicine Show. Momento atteso dai piu. L'età stasera conta e sotto i cinquanta anni è difficile scovare gente.

Di quei tempi lontani, oltre alla giacca di Wynn, sono rimasti in tre: Wynn e la sezione ritmica instancabile e a tratti roboante con Mark Walton al basso e Dennis Duck alla batteria.

Tutto ciò che è compreso tra 'Still Holding On To You'  e 'John Coltrane Stereo Blues' che vorresti durasse all'infinito ma che già straripa oltre, è pura gioia per le nostre orecchie. 

Tre decenni di musica che paiono tenersi per mano: sixties e eighties mai così vicini, tra acidità, garage punk e psichedelia che ballano insieme, si mischiano, si allungano, si dilatano in cavalcate elettriche ipnotizzanti e da vero colpo da KO. Dove si finisce di riinizia con la canzone successiva. I bis finali dedicati all'album The Days Of Wine And Roses con due canzoni e a una 'Let It Rain', cover di Eric Clapton che ci accompagna verso l'uscita dopo due ore e dieci di concerto con un solo commento all'uscita da parte di tutti: i Dream Syndicate sono una garanzia! Sempre. Come un buon piatto di cucina piemontese. Sì, insomma domani sera faresti volentieri il bis. 

RECENSIONE: GLUECIFER (Same Drug New High)

 

GLUECIFER  Same Drug New High (Steamhammer, 2026)

il ritorno 

Me la ricordo molto bene quella serata del 1 Febbraio 1998 al Babylonia di Biella: una domenica sera con il meglio del rock'n'roll scandinavo sulla piazza ai tempi. Di scena gli svedesi Hellacopters, ad aprire i norvegesi Gluecifer. Che serata infuocata! Sono passati ventisette anni e dopo aver sognato per anni un'altro concerto con questa accoppiata protagonista, oggi nel 2026 quel sogno si potrebbe compiere da qualche parte in giro per il mondo. Non certo al Babylonia morto e sepolto da anni e forse nemmeno in altri posti d'Italia visto che il tour dei Gluecifer non toccherà nemmeno il nostro paese. Tornati in pista gli Hellacopters con un paio di dischi senza la carica della gioventù ma con la classe della maturità, anche i norvegesi guidati da Biff Malibu (voce) e Captain Poon (chitarra) con Raldo Useless (chitarra), Danny Young (batteria) e Peter Larsson (basso) ricompaiono dopo un'assenza discografica lunga ventidue anni (Automatic Thrill fu l'ultimo album nel 2004). L'idea di un nuovo disco nasce l'indomani del tour di reunion iniziato nel 2018 e proseguito fino al 2023 e come spesso succede ci si domanda: il tempo avrà scalfito l'inconfondibile rock'n'roll adrenalinico del quintetto norvegese? Quel gallo combattivo posto in copertina sembra essere chiaro: i Gluecifer sono tornati per restare e continuare a far muovere gambe e culi a tutti i loro fan sotto al palco. Il tris di canzoni iniziali le canta chiare, i Gluecifer sono ancora una fottuta macchina rock'n'roll, una delle migliori e forse sottovalutate degli ultimi trent'anni. 'The Idiot' (il titolo da un quartiere di Oslo) corre veloce con la carica del punk, 'Same Drug New High' è più cadenzata ma sferraglia che è un piacere, mentre con 'Armadas' si ritorna a correre ad alta velocità. Se 'I'm Ready' ha il tiro degli Ac Dc con una melodia contagiosa (un po' come 'Made In The Morning'), 'The Score' presenta il riff più cadenzato e quadrato che sembra uscire dagli anni ottanta di qualche metal band old school. I tempi cambiano e in 'Pharmacy' Biff Malibu  ci accompagn tra i marciapiedi di una città abitata da zombie annientati da Fentanyl, ma non troppo visto che la vita on the road dei musicisti che esce da 'Another Night, Another City' sembra essere la stessa di sempre. La loro 'We're Are The Road Crew' degli amati Motorhead che seguirono pure in tour. '1996' riporta le lancette indietro alla loro entrata in scena, poco prima del debutto Ridin' The Tiger, scandinavian rock  come ai vecchi tempi, mentre 'On The Wire' chiude il disco seguendo una stralunata tastiera molto sixties e psichedelica.

Undici canzoni tra punk, garage e hard rock che Biff Malibu descrive così: "canzoni su un quartiere di Oslo, un rifugio dalla città verso uno stile di vita rurale e alternativo, sull'amore, sull'odio, sulla grandezza da due centesimi, sull'apocalisse e sulla descrizione precisa della vita del Capitano Poon a metà degli anni Novanta".

Il mondo intorno a loro è cambiato, tutto corre sempre più veloce ma lo spirito della musica esce ancora intatto e immutato come in quel 1996. Bentornati.