it's still rock and roll to me

domenica 17 settembre 2017

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA # 45 :JACKSON BROWNE (Running On Empty)

JACKSON BROWNE Running On Empty (Asylum Records, 1977)

C’è ancora tanta magia da scoprire lungo i solchi di RUNNING ON EMPTY. Anche se i solchi friggono, la puntina a volte salta e ti viene voglia di mettere su il CD, e l’immagine di copertina sul cartone lascia sempre più intravedere la forma circolare del vinile. Tutto mi parla di vita, di anni passati (e sono quaranta!), di tempi all’apparenza sbiaditi ma ancora scalpitanti, di una celebrazione (il concerto) che non ha ancora perso il suo fascino. Della vita che si trasforma in un lungo tour che sai quando inizia ma non quando finisce. Un neverending tour (Dylan la sa lunga!). Ci sono le strade e le grandi città, le stanze d’albergo e i tour bus, ci sono alberghi da tre stelle e motel pessimi, ci sono i palchi e i backstage, ci sono il sole accecante del giorno e l’oscurità silente della notte, ci sono la famiglia e le groupie, ci sono i sogni e le illusioni, ci sono il divertimento e la noia. C’è Jackson Brown e che registra uno dei dischi live più potenti del rock senza bisogno di chitarre elettriche a palla e pubblico esaltato davanti. Un live fuori dall’ordinario, che prende vita ai margini del palco, nato per strada che racconta la strada, quella principale fatta di serate e pubblico ma soprattutto di strade secondarie, quelle meno battute dove si incontrano le storie più belle ma anche quelle più disperate. è la vita che presenta le sue due facciate, quella pubblica e quella privata. Qui ci sono entrambe. Jackson Browne è democratico nel dare spazio a sue composizioni: l’apertura con l’autobiografica ‘Running On Empty’, un classico all’istante, una folle corsa nel vuoto e nell’incertezza del futuro, il sesso facile in ‘Rosie’, una ballata al pianoforte, poi ancora ‘You Love The Thunder’, The Load-Out’, e brani scritti da amici tra cui spicca ‘The Road’ di Danny O’Keefe guidata dal violino di David Lindley, un inno che non ha ancora perso efficacia, una intima ‘Cocaine’ del Reverendo Gary Davis registrata nella stanza 124 di un Holyday Inn nell’Illinois in un caldo agosto del 1977 con quella sniffata finale che è più potente di un assolo, così come ‘Shaky Town’ di Danny Kortchmar che apre il lato B e l’ariosa ‘Love Needs A Heart’ scritta con l’amico Lowell George. Con ‘Stay’, cover datata 1960 di Maurice Williams And The Zodiacs si chiude il disco, e il falsetto di David Lindley le canta chiare: un invito al pubblico a restare, la vita mica finisce al calar del sipario… E’ la vita on the road di un cantautore ma è anche la mia, la tua, la nostra su questa terra. “Running On Empty/running blind/running Into The Sun/but I’m Running behind”

UNTATE PRECEDENTI

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA # 1: FRANCESCO DE GREGORI- Titanic (1982)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #2: THE HOUSEMARTINS-London 0 Hull 4
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #3: THE NOTTING HILLBILLIES-Missing...Presumed Having A Good Time
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #4: EDDIE HINTON-Very Extremely Dangerous (1978)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #5: BIG COUNTRY-Steeltown, 1984
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #6: TESLA-Five Man Acoustical Jam, 1990
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA # 7: PRIDE & GLORY-Pride & Glory (1994)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #8: TIN MACHINE-Tin Machine (1989)

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #9: THE MOTHER STATION-Brand New Bag (1994)

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #10: IZZY STRADLIN & THE JU JU HOUNDS (1992)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #11: WARRIOR SOUL-Drugs, God And The New Republic (1991)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #12: IAN HUNTER-Short Black N' Sides (1981)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA # 13: THE DICTATORS-Go Girl Crazy! (1975)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA # 14: POINT BLANK-Second Season (1977)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #15: TEMPLE OF THE DOG (1991)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #16: NEIL YOUNG-Time Fades Away (1973)
DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA # 17: JOHNNY WINTER-Nothin' But The Blues (1977)

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #18: BOB DYLAN-Street Legal (1978)

lunedì 11 settembre 2017

RECENSIONE: MOTÖRHEAD (Under Cöver)

MOTÖRHEAD Under Cöver (Motörhead Music, 2017)

Qui dentro non c'è nessuna grande novità, almeno per chi ha sempre seguito la band di Lemmy. Undici cover recuperate e raccolte tra quelle realizzate dalla formazione più longeva a partire dal 1992 fino alla morte di Lemmy avvenuta il 28 Dicembre del 2015, solo pochi mesi dopo la pubblicazione dell’ultimo disco BAD MAGIC. Tutte canzoni che hanno trovato posto nei dischi ufficiali, in compilation e tributi vari. Tutte recuperabili facilmente. La nota negativa sta tutta qui: è il primo disco postumo, si poteva scavare di più tra gli inediti, ma ne sono certo, arriverà presto molto altro.
Tutte canzoni già edite meno una: ‘Heroes’ di David Bowie, l’unico vera novità mai ascoltata prima, una delle ultime registrazioni di Lemmy, Phil Campbell e Mikkey Dee, canzone che Lemmy adorava. Un’omaggio a Bowie che, ironia della sorte, morirà due settimane dopo Lemmy.
Così tra ‘Breaking The Law’ dei Judas Priest, ‘Cat Scratch Fever’ di Ted Nugent, c'è pure quella ‘Hellraiser’ scritta da Lemmy insieme a Ozzy Osbourne e Zakk Wylde che insieme ad un’altra manciata di canzoni finì nell’album NO MORE TEARS di Ozzy “Feci più soldi scrivendo quelle quattro canzoni per Ozzy che in quindici anni di Motorhead” scriverà Lemmy nell’autobiografia La Sottile Linea Bianca. E poi ancora l’omaggio al primo punk inglese dei Sex Pistols (‘God Save The Queen’) e americano dei Ramones (‘Rockaway Beach’) anche se a riguardo Lemmy aveva le idee chiare “Sex Pistols furono una grande rock’n’roll band ma non molto più di questo. Tra l’altro diedi io delle lezioni di basso a Sid Vicious”. Si pesca tra gli amati Rolling Stones, presenti con ben due canzoni (‘Jumpin’ Jack Flash’ e ‘Sympathy For The Devil’), un pensiero all'amico Dio con ‘Startruck’ dei Rainbow per l’occasione cantata da Biff Byford dei Saxon, ‘Shoot ‘Em Down’ dei Twisted Sister e una infuocata versione di ‘Whiplash’ dei Metallica (quando i Metallica facevano ancora i Motorhead).

Il disco scorre via in un batter d’occhio così come è sempre successo con i loro dischi. Lemmy scrisse:”Molti mi dicono:’Una volta ascoltavo i Motorhead’, con il sottointeso che, crescendo, non si può più. Bè sono felice che lo dicano perché non voglio dei fottuti adulti tra il mio pubblico. Sono sempre gli adulti che mandano tutto a puttane”. Quindi scegliete voi da che parte stare. Io mi sento ancora (relativamente) giovane.

mercoledì 6 settembre 2017

RECENSIONE: NEIL YOUNG (Hitchhiker)

NEIL YOUNG Hitchhiker (Reprise records, 1976/2017)

1975-1976: come vivere dieci anni in due. Proviamo a ricostruire cosa furono quei due anni per Neil Young. Con ZUMA uscito nel 1975 aveva rimesso in moto i Crazy Horse, reclutando il nuovo Poncho Sampedro alla chitarra in sostituzione di Danny Whitten. Un disco sostanzialmente rock ("uno dei miei preferiti" dice Young) che gli fece riprendere fiato dopo l'apnea esistenziale che avvolse la personale trilogia oscura (TIME FADES AWAY, ON THE BEACH e TONIGHT'S THE NIGHT), tra i picchi assoluti della sua carriera. Nel mezzo registra altri due album: HOMEGROWN, che lo stesso autore preferì mettere da parte, per le tante debolezze presenti disse, a favore della forza e la coesione di Tonight's The Night. Homegrown è ancora inedito oggi e molto probabilmente vedrà la luce per la prima volta con l'uscita del prossimo giro di archivi. L'altro fu CHROME DREAMS. Intanto arriviamo al Gennaio del 1976: Young è a Miami con Stephen Stills, i due iniziano a definire le canzoni che finiranno nel loro album LONG MAY YOU RUN. Un disco carico di tante aspettative a cui seguiranno più delusioni che vero successo. Il tour conseguente andò a rotoli dopo poche date e Stills si ritrovò da solo a portare a termine il tour e con il buon servito di Young in tasca ("Eat The Peach"). Il 25 Novembre Neil Young insieme a una formidabile schiera d'artisti partecipa a The Last Waltz, il concerto d'addio della Band. In mezzo a tutte queste cose però, l'11 Agosto del 1976, Neil Young prese il suo pickup, chiamò con sé il fidato David Briggs (collaboratore fin dal 1968) e l'amico Dean Stockwell e si diresse agli Indigo Ranch Studios.

“Nel 1976 ero una furia e siccome avevo preso l’abitudine di scrivere diverse canzoni alla settimana, mi ritrovai ingolfato: avevo troppo materiale e poco tempo in studio. Registravo ovunque potessi farlo e mi muovevo velocissimo, finendo i miei dischi molto rapidamente…
Una sera io e Mister Briggs prendemmo Stretch (un Pickup Dodge Wagon Crew Cab Long-bed del 1975 soprannominato Scretch Armstrong) e andammo al suo posto preferito, gli Indigo Ranch Studios. Con David passai la notte a registrare nove canzoni acustiche e completammo un nastro che intitolai HITCHHIKER. Era un’opera fatta e finita, nonostante io fossi piuttosto strafatto, come si può sentire da quelle performance. Con noi quella sera c’era Dean Stockwell, mio amico e grande attore con cui in seguito lavorai come co-regista di Human Highway. Dean rimase lì con me nella stessa stanza dove registrai tutte le canzoni di seguito, tranne qualche piccola pausa per l’erba, la birra o la cocaina. Briggs stava in sala e missava in diretta sul suo banco preferito.
Stretch era il mezzo perfetto per raggiungere l’Indigo Ranch, lo studio dove creammo moltissima musica in un brevissimo lasso di tempo suddiviso nell’arco di un anno. Per me e Briggs fu uno dei periodi più creativi. Quello studio si trovava molto all’interno tra le colline sopra Malibu. Era su una strada sterrata alla fine del Canyon, oltre la casa di Garth Hudson (il magico organista di The Band). Lasciammo un bel po’ di anima in quell’edificio quando, pochi anni dopo, fu raso al suolo da un incendio che distrusse anche tutte le attrezzature analogiche preferite da David. Le cause dell’incendio rimangono ignote” Neil Young dall'autobiografia Special Deluxe

Poi il nulla fino ad Aprile di questo 2017, quando un indizio malandrino fatto uscire dal fotografo Gary Burden riportò interesse verso quel disco perduto: la stupenda copertina di Hitchhiker fece la sua prima comparsa sui social, mettendo in subbuglio i fan, me per primo. Qualche mese di conferme, date d’uscita smentite e tracklist ipotizzate in mezzo all’intensa e disordinata attività artistica di Neil Young fatta di nuove uscite e vecchi archivi sempre in dirittura d’arrivo. L'attesa è finita, dopo 41 anni quelle registrazioni sono state pubblicate ufficialmente questo 8 Settembre. Ci sono dieci canzoni, otto già conosciute e pubblicate in diverse versioni in dischi successivi: 'Pocahontas' che si apre con la frase "are you ready Briggs?", 'Powderfinger', 'Ride My Llama' finirono su RUST NEVER SLEEPS (1979), 'Human Highway' su COMES A TIME (1978), 'Captain Kennedy' su HAWKS & DOVES (1980), 'The Old Country Waltz' su AMERICAN STARS 'N BARS (1977), 'Compaigner' vide la luce nella sostanziosa raccolta DECADE (1977), mentre la scura 'Hitchhiker' che da il titolo al disco è una piccola biografia in musica tra confessioni di paranoia e droga "la confessione della mia progressiva storia con le droghe assunte nel corso della mia vita" venne recuperata molto tardi nel sempre sottovalutato LE NOISE del 2010.
Fanno la prima comparsa su disco invece: la misteriosa ‘Hawaii’ con un inaspettato chorus in simil falsetto e tanti rumori in sottofondo, e ‘Give Me Strenght’ che ha il passo di un suo classico, già presentata live, dove Young canta di solitudine e di un amore finito male:
" I'm Ridin' down Swett road in my old car/The moon is almost full; I see thec stars shinin''/The party ended long before the night/She made me feel alive and that's alright"

Un disco intimo, caldo e brillante seppur con un velo di tristezza che spesso si adagia riportando alla mente gli stati d'animo dei due anni precedenti, che va a rimpolpare ("completare" non si può ancora usare) uno dei periodi più prolifici del canadese che sfodera la grandezza dei pochi di fronte alla spoglia (embrionale) esecuzione in acustico di dieci canzoni: voce, una chitarra, un'armonica, più un pianoforte che compare nella finale 'The Old Country Waltz'. Aggiungete un po' di sana stonatura da sostanze e Hitchhiker è completo nella sua spartana incompletezza. Tutto qui? Tanto direi.
Un inizio d'autunno caldo per tutti gli amici di Neil.
Per me è già il miglior disco di questo 1976.
★★★★ 1/2 (5)

Come il precedente PEACE TRAIL, i testi sono stampati in un foglio dalle dimensioni gigantesche, contenuto all'interno del solito digipack versione archivi (CD). All'interno un intenso primo piano in bianco e nero, mentre nel retro copertina brilla una bella foto di Neil Young a passeggio sulla riva del mare, preceduto di pochi passi dal fido cane. I passi porteranno verso la tranquillità di COMES A TIME.

martedì 5 settembre 2017

il SI e il NO: PARADISE LOST (Medusa), QUEENS OF THE STONE AGE (Villains)

PARADISE LOST-Medusa (2017) SI ↑

Un lungo cerchio che si chiude. Con MEDUSA il gruppo anglosassone completa il lungo viaggio, partito nel lontano 1990, con il nero che ha raggiunto il suo apice subito in album come SHADES OF GOD, GHOTIC e ICON, colonne che saranno portanti per decine di gruppi che arriveranno dopo. Hanno attraversato varie fasi arrivando perfino a quel punto impensabile dove la melodia dominava sul resto, fino a raggiungere l’impossibile e toccare l’elettronica con il comunque bello HOST (1999) per poi ritornare lentamente sui loro passi. Con Medusa si ritorna a calpestare le radici, attraverso il sound scuro, doom, death e gotico (gli otto minuti d’apertura di ‘Fearless Sky’ mettono in chiaro tutto), lo stesso che caratterizzava i primi dischi. Nick Holmes ha ricominciato a ruggire e usare la voce growl più massicciamente, perdendo forse quella varietà che comunque piaceva, e il produttore Arellano ha riportato la giusta dose di grezza pesantezza (‘Blood & Chaos’). Ma i Paradise Lost non sono un gruppo che rinnega del tutto i passaggi più melodici della propria storia: ‘Medusa’ e ‘Symbolic Virtue’, infatti, si riallacciano a ONE SECOND (1997), il capolavoro indiscusso di metà carriera. Nulla di veramente nuovo ma una band ritornata per riprendersi i meriti guadagnati, poi dispersi, in trent’anni di carriera e che spettano loro di diritto.

QUEENS OF THE STONE AGE-Villains (2017) NO ↓

Ho ascoltato il nuovo VILLAINS con tutte le buone intenzioni e senza pregiudizi. Premessa: per me i QOTSA dopo SONGS FOR THE DEAF non hanno più azzeccato un disco intero, perdendo un po’ identità (a me sembra sempre più il progetto solista di Josh Homme) e la bussola grezza e pura dei loro esordi (quanto mi manca l'esuberanza punk di Nick Oliveri!), esasperando la ricerca di strade nuove e colpi a sensazione che hanno funzionato sporadicamente per alcune canzoni ma mai sulla lunga distanza di un disco, anche se l’ultimo ...LIKE CLOCKWORK aveva lasciato buoni segni per il futuro. Il futuro è arrivato! I grandi magazine ne parlano già bene, a volte benissimo (Mojo, Uncut, Classic Rock, Rolling Stones) ma a me questa deriva funk danzereccia con synth annessi (l’apertura ‘Feet Dont Fail Me’ parte dopo un lungo e inutile intro, ‘The Way You Used To Do’) che a tratti sembra strizzare l’occhio a gruppi nati già fotocopie come Killers e Franz Ferdinand non convince per nulla. Mi annoia. E non c'è nemmeno la voce di Mark Lanegan a salvare la baracca, vista la recente svolta New Wave di quest’ultimo. In alcune canzoni spuntano alcuni rimandi del disco che Josh Homme ha fatto con Iggy Pop (‘Domesticated Animals’), altro disco osannatissimo ma che mi lasciò freddo. Pure quello. E non c'è nemmeno la vecchia iguana nuda al microfono. No, nemmeno lui. Ecco: freddo è quello che i QOTSA mi danno a fine disco. Fortunatamente, non butto via tutto: mi piacciono lo psycho rock’n’roll schizzato di ‘ Head Like Haunted House’ e ‘The Evil Has Landed’, i rimandi a Bowie della finale ‘Villains Of Circumstance’. Poi lo so già: sarà un disco osannatissimo e io continuerò ad ascoltare R. Ecco: forse l’aver messo R nella chiavetta dell’autoradio immediatamente dopo questo nuovo disco è stato deleterio per tutti: disco e mio giudizio finale. Tutti contenti? No.

lunedì 28 agosto 2017

RECENSIONE: LUKAS NELSON & PROMISE OF THE REAL (Lukas Nelson & Promise Of The Real)

LUKAS NELSON & PROMISE OF THE REAL Lukas Nelson & Promise Of The Real (Fantasy/Universal, 2017)

Si giocano bene le loro carte Lukas Nelson e i Promise Of The Real. Il quarto album è un bel viaggio panoramico sopra alla musica americana. Tranquillo, rilassato, piacevole e con tutta la sicurezza che solo un figlio d’arte che dall’età di 13 anni (ora sono 28) frequenta i palchi e i backstage musicali di tutti gli States, potrebbe avere. Se negli episodi più country, le ballate ‘Ju...st Outside Of Austin’ e la finale ‘If I Started Over’ sorrette da buonissime melodie da polvere di stelle, le radici con il leggendario padre sembrano uscire fuori prepotenti dal terreno, Willie Nelson è pure ospite alla chitarra nella prima, i momenti migliori si hanno quando l’ormai rodata squadra allunga il passo. I sette minuti dell’iniziale ‘Set Me Down Of a Cloud’ e gli otto di ‘Forget About Georgia’, scritta ricordando una relazione sentimentale giunta al termine, si giocano le carte soul (belle le sfumature della sua voce lungo tutte le dodici canzoni) e sparando qualche leggero fumo di psichedelia, buon lascito dell'esperienza in studio e live con zio Neil Young (già pronto un altro disco registrato a Malibu) che oltre ad aver portato visibilità in più, ha regalato tanta esperienza e nuovi "vecchi" trucchi. “Questo disco, più degli altri, cattura la nostra vera essenza di band”, dice Lukas.
Tra leggerezza (‘Breath Of My Baby’), buoni R&B (‘Die Alone’, ‘Four letter Word’), accenti southern (‘Carolina’), qualche episodio da vecchio west (‘Runnin Shine’) e il più duro affondo politico e sociale in ‘High Time’, canzone dal passo simile ai migliori Tom Petty And The Heartbreakers (anche la copertina ricorda molto da vicino THE LAST DJ di Petty), incuriosisce la presenza della pop star Lady Gaga ai cori in un paio di episodi (‘Carolina’ e ‘Find Yourself’). Niente che faccia gridare allo scandalo ma segno che Lukas Nelson e i Promise Of The Real pur componendo musica che di moderno ha poco (mi piace inquadrarla dentro la retta che da The Band passa per i CCWR e porta a Waylon Jennings, papà Willie e Kris Kristofferson), sono perfettamente sintonizzati nel loro presente.

mercoledì 23 agosto 2017

RECENSIONE: RAY WYLIE HUBBARD (Tell The Devil... I’m Gettin' There As Fast I Can)

RAY WYLIE HUBBARD Tell The Devil That I’m Gettin' As Fast I Can (Bordello Records, 2017)

“Se vuoi diventare un fuorilegge, figliolo, pensaci due volte” canta Steve Earle nel suo ultimo album. Il texano d’adozione RAY WYLIE HUBBARD (nato in verità in Oklahoma), uno degli ultimi rimasti, e tra i più dimenticati di quella straordinaria generazione che cambiò radicalmente la country music negli anni settanta, potrebbe confermare dall’alto dei suoi quasi 71 anni d’età. E’ un lavoro difficile, lasciate fare a me, sembra pensare dalla foto che lo ritrae in copertina. Da qualche tempo, poi, sembra averci preso gusto e sta sfornando dischi a ripetizione (4 negli ultimi sette anni) tutti toccati dalla buona ispirazione e con una decisa virata verso un suono più paludoso e dark rispetto al passato. In questo TELL THE DEVIL...I’M GETTIN' THERE AS FAST AS I CAN emerge fuori dal nero della copertina con un paio d’ali per volare sopra alla sua musica costruita come sempre sull’ossatura di un folk blues semplice, fangoso e misterioso ma sempre ficcante e pieno di simboli e rimandi: quando ulula come un lupo alla luna piena nell’omaggio a Howlin Wolf (‘Old Wolf’), quando cita l’album del trio folk Koener, Ray & Glover, BLUES, RAGS AND HOLLERS (1963) in ‘Spider, Snaker and Little Sun’, quando riesce a scrivere una canzone sull’accordatura della sua chitarra in ‘Open G’, condotta in solitaria. Seppure non sia un concept come lui stesso ha dichiarato in un’ intervista, le undici canzoni sembrano seguire un corso logico: partono con la genesi (la strisciante ‘Good Looked Around’ guidata dai battiti di mano) e finiscono con qualcosa che si avvicina al paradiso nella finale ‘In Times Of Cold’ dedicata al produttore dei suoi ultimi due dischi George Reiff, scomparso l’anno scorso a soli 56 anni.

In mezzo: tutto il suo straordinario immaginario fatto di polvere e deserti (‘Dead Thumb King’), fede e peccato (la cowboy song ‘Prayer’), stivali e serpenti striscianti, diavoli rossi tentatori, fantasmi (‘House Of The White Rose Bouquet’) e la sempre giusta dose d’ironia. Immancabile. Ray è il traghettatore che trasporta le nostre anime dal bene verso il male e viceversa. Folk blues minimale, quanto di più si avvicini alle murder ballads acustiche con qualche buon graffio elettrico (‘Lucifer And Fallen Angels’) portato in dote dal figlio Lucas ormai spalla destra affidabile e preziosa nelle due tracce che aprono il disco. Ma sono tanti anche gli ospiti questa volta: da Lucinda Williams e Eric Church nella title track che avanza pigra a ritmo di un country valzer dylaniano scaldato sotto il sole dei deserti, a Patty Griffin nella conclusiva e già citata ‘In Times Of Cold’ ai Bright Light Social Hour al completo nella più variegata e psichedelica (moderna?) del lotto ‘The Rebellious Sons’. E se fino a qui avevate scelto Steve Earle come disco dell’anno americano, ora dovete fare i conti con il vecchio Ray . La lotta è dura, come si conviene a due veri outlaw.

RECENSIONE: MAGPIE SALUTE-Magpie Salute (2017)
RECENSIONE: ELLIOTT MURPHIE-Prodigal Son (2017)
RECENSIONE: GARLAND JEFFREYS-14 STeps To Harlem (2017)
RECENSIONE: JOHN MELLENCAMP- Sad Clowns & Hillbillies (2017)
RECENSIONE: TAJ MAHAL & KEB' MO'-TajMo (2017)
RECENSIONE: CHRIS STAPLETON: From A Room, Volume I (2017)
RECENSIONE: WILLIE NELSON-God's Problem Child (2017)
RECENSIONE: DAN AUERBACH-Waiting On A Song (2017)
RECENSIONE: STEVE EARLE & The DUKES-So You Wannabe An Outlaw (2017)
RECENSIONE: BLACKFOOT GYPSIES-To The Top (2017)
RECENSIONE: LEE BAINS III + THE GLORY FIRES-Youth detention (2017)
RECENSIONE: GEORGE THOROGOOD-Party Of One (2017)
RECENSIONE: JOHN MURRY- The Graceless Age (2013) A Short History Of Decay (2017)

martedì 22 agosto 2017

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA # 44 :TERRY REID (River)

TERRY REID River (Atlantic, 1973)

posso ma non voglio
"Terry Reid mi disse di aver fatto il mio nome a Jimmy. Da parte mia, sapevo che gli Yardbirds avevano sfornato pezzi favolosi. Li avevo visti suonare con Eric. Non avevo niente da perdere ". Così Robert Plant raccontò il suo primo incontro con Jimmy Page che sfocerà nella genesi dei Led Zeppelin. Chi invece aveva qualcosa da perdere era il buon Reid che fu la prima scelta del chitarrista: rispose no alla chiamata perché i...n quel momento era convinto che il trio che mise in piedi con Pete Solley e Keith Webb potesse dargli grandi soddisfazioni. Partì tutto in quarta con il buon riscontro dell'album BANG BANG YOU'RE TERRY REID (1968) e i successi dei tour successivi ma durò pochissimo, nonostante all'epoca, tutti i più grandi facessero il tifo per lui: Aretha Franklin, i Cream, i Rolling Stones. L'intesa tra i tre scemò velocemente e Reid si trovò presto da solo, proprio quando i Led Zeppelin iniziarono ad alzarsi da terra e salutare tutti. Reid non si lasciò sconfiggere dai rimorsi, in verità non lo fece mai ("avevo altri progetti" la frase più ricorrente), e tra altre offerte declinate (sembra che anche Ritchie Blackmore gli offrì il ruolo di cantante nei Deep Purple prima di puntare su Ian Gillan) riuscì ad incidere il secondo disco TERRY REID (1969). Ma bisognerà attendere il 1973 per apprezzare a pieno le capacità compositive e la straordinaria voce di Reid (tanti i soprannomi che la sua voce gli fece conquistare: "Superlungs", "Silver Scream"). RIVER rimarrà il suo capolavoro, un disco che unisce le influenze americane e quelle british, prendendo forma sull'asse California-Londra. Un disco a due marce e tante anime che si avvale della straordinaria partecipazione di David Lindley alle chitarre, Alan White alla batteria, Willie Bobo alle percussioni e la supervisione di Eddie Offord, ingegnere del suono degli Yes: una prima metà che batte territori blues ('Things To Try') sporcati dal black soul e dal funky ('Live Life'), e qui si può capire perché i due maggiori gruppi hard rock dell'epoca avessero puntato su di lui, la seconda metà più folk, sognante e psichedelica ('Dream')con non rare incursioni latine ('River') e jazzate ( la personale rivisitazione di 'Milestones' di Miles Davis). Il disco ebbe un buon riscontro ma bisognerà aspettare altri tre anni per riascoltare un altro disco di Reid, anche se questa volta si mise di mezzo la sfortuna con alcuni contratti discografici che si complicarono. Troppi anni per cercare di cavalcare il successo (nonostante l'appoggio di Graham Nash), abbastanza per decretare Terry Reid come l'artista delle occasioni perse che non seppe, ma sarebbe più giusto dire volle, raccogliere i frutti delle sue straordinarie e naturali doti vocali e chitarristiche.

PUNTATE PRECEDENTI

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #9: THE MOTHER STATION-Brand New Bag (1994)

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #18: BOB DYLAN-Street Legal (1978)

sabato 19 agosto 2017

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #43: CROSBY, STILLS & NASH (Daylight Again)

CROSBY, STILLS & NASH Daylight Again (1982)

Nei tardi anni sessanta hanno toccato alte e inarrivabili cime seduti sopra al divano volante, hanno attraversato i settanta a bordo di una barca a vela con il mare ora calmo, ora in tempesta; David Crosby, Stephen Stills e Graham Nash approdano negli anni ottanta a bordo di tre sgangherate astronavi, illuminatissime, ma con la rotta poco chiara. Nash e Stills guidano la fila con sicurezza, Crosby arranca dietro con il fiato corto, perso nelle sue reiterate cadute causate da vizi pericolosi, depressione e salute cagionevole. Questo disco doveva uscire a nome Nash/Stills ma l’etichetta Atlantic Records impose anche la presenza di Crosby. Graham Nash arrivava da un buon disco solista come EARTH & SKY (1980), Stills aveva nel sacco una buona quantità di canzoni, provenienti da un disco abortito sul nascere. E Crosby? Crosby dopo aver registrato alcune canzoni per un disco anch’esso rifiutato dalla casa discografica, si era autoesiliato, pericolosamente schiavo delle droghe, arrivando al punto di non farsi trovare al telefono neppure davanti a numeri amici, fino a quando dopo una insistente serie di chiamate da casa Nash: “lo facemmo venire a Los Angeles, ma la sua voce era in condizioni incredibilmente brutte. Non era in grado di cantare una sola nota. Quel meraviglioso, dolce vibrato gallese era sparito del tutto. Per cui, prendemmo un paio delle sue canzoni migliori dell’album rifiutato dalla Capitol, ‘Delta’ e ‘ Might As well Have A Good Time’, e le sottoponemmo a un trattamento CSN, il che significa che Stephen e io aggiungemmo le nostre voci”. Racconterà Nash nell’autobiografia uscita nel 2013. Anche se una canzone come ‘Delta’, la leggenda narra che sia stato Jackson Browne a costringere uno strafatto Crosby a portare a termine la canzone, potrebbe mettere in ombra qualunque delle restanti dieci canzoni.

A Nash spetta il compito del gioco duro e sporco. Sue le canzoni con i testi più pungenti: nel country rock ‘Wasted On The Way’ ragiona sul trascorrere del tempo e su tutte le occasioni musicali che il gruppo (Neil Young compreso, questa volta) ha perso rincorrendo le bizzarre follie delle rockstar, nel duro e scuro rock ‘Into The Darkness’ viene preso di mira l’amico Crosby, unitamente alla sua vita sempre più allo sbando. A bilanciare il tutto la più classica delle ballate pianistiche di Nash, ‘Song For Susan’, dedicata alla moglie Susan Sennett. Al prolifico Stills, invece, il compito di indirizzare il disco verso il rock (l’apertura ‘Turn Your Back On Love’, ‘Southern Cross’, ‘Since I Met You’), ma anche di scrivere due delle migliori canzoni in scaletta: ‘You Are Alive’ con la splendida armonica di Nash, e il finale acustico ‘Daylight Again’, recuperata dal lontano 1972 e abbinata a ‘Find The Coast Of Freedom’ con la voce di Art Garfunkel ospite. Il finale lo racconta Nash: “Due incubazioni, dall’inizio alla fine. Uno dei progetti più frustranti in cui io sia mai stato coinvolto. Ed ero convinto di aver fatto un ottimo lavoro per come eravamo riusciti a mettere tutto insieme su DAYLIGHT AGAIN, considerando che si trattata di elementi sparsi”. Un disco spesso dimenticato ma con almeno una manciata di canzoni da ricordare.

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #9: THE MOTHER STATION-Brand New Bag (1994)

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #18: BOB DYLAN-Street Legal (1978)

martedì 15 agosto 2017

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #42: NOMADI (Gente Come Noi)

NOMADI Gente Come Noi (1991)

Il video di ‘Mai Noi No’ venne girato a Biella, al Piazzo, la parte alta della città, borgo medioevale mai sfruttato e rilanciato a dovere. Un posto comunque già entrato negli schermi della commedia leggera all’italiana: in precedenza vi furono girate alcune scene de I Due Carabinieri con Enrico Montesano e Carlo Verdone , in futur...o (dopo il 1991) vennero girate scene de Il Principe E Il Pirata di Leonardo Pieraccioni. Ricordo benissimo quegli anni (1991 e 1992), quelle canzoni che diventarono una piacevole ossessione che profumava di piada (‘’Dammi un Bacio’) e caffè (‘Il Serpente Piumato’), di vita (‘Cammina, Cammina’) e libertà (‘Uno Come Noi’). Di vacanze estive spensierate e di un futuro ancora non scritto. Come dimenticare che poco dopo, a distanza di pochi mesi l’uno dall’altro morirono due componenti di quella formazione che stava ritrovando gli antichi splendori grazie a nuovi e freschi innesti (Cico Falzone alla chitarra, Daniele Campani alla batteria) che si unirono ai veterani Augusto Daolio e Beppe Carletti, regalando ancora alcune canzoni che diventeranno dei classici in futuro (‘Gli Aironi Neri’, C’è Un Re’, ‘Ma Noi No’, ‘Ma Che Film La Vita’), a quasi trent'anni dalla nascita del gruppo. GENTE COME NOI è uno dei loro dischi migliori, forse il più completo mai registrato, dove la scrittura di Daolio è ai suoi massimi livelli, in perfetto equilibrio tra denuncia, immagini nitide e sogno. Oserei dire anche dimenticato quando bisogna tirare fuori dischi italiani di pop perfetti, senza riempitivi.

In quel 1992 beffardo trovarono la morte: prima Dante Pergreffi, bassista, in formazione dal 1984 quando sostituì Umberto Maggi, deceduto a Maggio in un incidente stradale, poi Augusto Daolio, voce storica, inconfondibile e vera guida spirituale del gruppo, morto a soli 45 anni in Ottobre dopo alcuni mesi di sofferenza, lascito di un male incurabile. Recentemente ho scaricato il cd in chiavetta per l’ascolto in macchina e confesso che l’altro ieri riascoltandolo mi è venuto un forte groppo alla gola e gli occhi mi si sono arrossati. Le profetiche ‘Salutami le Stelle’, ‘Cammina, Cammina’ e ‘Ma Che Film La Vita’ hanno assunto con il tempo il triste status di epitaffio anticipato ma hanno riaperto ricordi che pensavo ormai perduti. Commovente? Sì!

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #9: THE MOTHER STATION-Brand New Bag (1994)

DISCHI DA ISOLA AFFOLLATA #18: BOB DYLAN-Street Legal (1978)

Etichette

domenica 17 settembre 2017

lunedì 11 settembre 2017

mercoledì 6 settembre 2017

martedì 5 settembre 2017

lunedì 28 agosto 2017

mercoledì 23 agosto 2017

martedì 22 agosto 2017

sabato 19 agosto 2017

martedì 15 agosto 2017