venerdì 29 giugno 2012

retroRECENSIONE: TOM PETTY & the HEARTBREAKERS ( The Live Anthology )

TOM PETTY & the HEARTBREAKERS  The Live Anthology ( Reprise Records, 2009)
da Debaser.it -24 Novembre 2009

Venerdì 29 Giugno 2012 a Lucca, il concerto più atteso dell'anno: Tom Petty and the Heartbreakers. Ripasso con il box live uscito tre anni fa.

Succede spesso che dietro a dei grandi artisti si nascondano delle grandi band. Solo restando in America non si può non citare The Band di Bob Dylan, i Crazy Horse di Neil Young o la E-Street Band di Springsteen. Band che spesso avrebbero meritato due parole in più, scindendo il loro valore a quello dei singoli artisti a cui fanno da accompagnamento, anche se a volte è difficile pensare l'uno senza l'altro. Forse proprio alla E-Street Band si può paragonare il cammino degli Heartbreakers di Tom Petty e proprio al live 1975-1985 di Springsteen si può associare questo The live Anthology di Tom Petty, soprattutto nella forma in cui è stato pensato e creato.

In sede live esce allo scoperto il valore di questa band, sicuramente una delle migliori macchine da rock'n'roll che gli States abbiano mai proposto. Tom Petty, stavolta, fa le cose in grande: a distanza di 24 anni dall'ultimo live degno di nota della sua carriera, "Pack up the plantation-Live!"(1985) fa uscire un box di 4 cd contenente 48 canzoni, tra cui alcune interessanti cover mai uscite prima.
Il metodo di raccolta e di assemblaggio del lavoro non ricalca nessun particolare ordine cronologico o temporale di tour, ma mischia sapientemente le canzoni, vecchie, nuove e covers. Canzoni scelte direttamente da Petty e dal fido amico e chitarrista Mike Campbell e confezionate all'interno di un box cartonato dalla grafica vintage affascinante creato da Shepard Fairey. Scorrendo il libretto incluso, non faraonico ma essenziale (qualche foto in più l'avrei messa) si può notare anche quanto gli Heartbreakers abbiano apportato pochissimi cambiamenti nella line up dal 1980, anno da cui vengono prese le canzoni più vecchie, al 2007. Le uniche degne di nota: il cambiamento del batterista storico Stan Lynch sostituito da Steve Ferrone e il cambiamento del bassista, avvenuto nel 1982, quando Howie Epstein sostituì Ron Blair. Ma si sa, il sodalizio di Petty con alcuni di questi musicisti va ricercato addirittura nella storica formazione dei Mudcrutch, che solamente due anni fa fece uscire l'album che sarebbe dovuto uscire nei lontani primi anni settanta.
Accanto ai più grandi successi di Petty, "Refugee", "American Girl", "Even the losers", "Learning to fly", "Mary Jane's last dance", tanto per citare qualche titolo, compaiono delle chicche che faranno dei vostri soldi, un buon investimento in buona musica, sottolineando anche il buon prezzo del tutto.Capita così di trovarsi di fronte ad una "Friend of the devil" dei Grateful Dead, registrata al Fillmore di San Francisco nel 1997 o ad una recente riproposizione di "Mystic Eyes" di Van Morrison del 2006, alla sempre divertente "Green onions" di Booker T, o ad una "Good good lovin'" di James Browne, ad "Oh Well" dei Fleetwood Mac targati Peter Green e tante altre ancora che, con sorpresa, usciranno fuori dalle vostre casse.
Un lavoro esauriente che certamente rende giustizia ad un autore e ad una band che in sede live hanno costruito la loro storia. Come dimenticare quando il signor Dylan li scelse per accompagnarlo in alcuni tour di metà anni ottanta. Come scrive Petty nell'introduzione all'opera, questo vuole anche essere un lavoro di memoria, per ricordare i bei tempi, i luoghi e le persone incontrate nei diversi anni di tour.
Per noi ascoltatori rimangono una cinquantina di canzoni da ascoltare ricordando un rocker che da anni lavora per entrare nella ristretta cerchia dei migliori autori americani degli ultimi 30 anni. Sicuramente un'operazione del genere sarà preludio, lo spero, per una nuova rinascita artistica di Petty e forse per portare live in tutto il mondo il suo repertorio, sperando tocchi finalmente anche l'Italia. Ultima annotazione per chi ha più soldi da spendere: a breve usciranno altre versione di questo box con cd, dvd e gadgets aggiuntivi ma credo proprio che il prezzo non sarà più tanto popolare... da avere assolutamente!!
pubblicata in origine su Debaser.it 24 Novembre 2009



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mercoledì 27 giugno 2012

RECENSIONE: CORY CHISEL and the WANDERING SONS ( Old Believers )

CORY CHISEL and the WANDERING SONS  Old Believers ( ReadyMade Records , 2012)

Cory Chisel ha il tocco antico del vecchio cantautore artigiano. Di chi sente la necessità di comunicare attraverso le liriche delle sue canzoni, di trasmettere sensazioni, di dare speranza senza alzare troppo la voce e i volumi, ma giocando dentro le proiezioni delle ombre, ora scure ora più chiare, di una vita che sa dare e prendere, a volte avvisandoti, molte no.
Old Believers è un titolo che può rivelare tanto, così come la sua infanzia trascorsa al capezzale di un padre predicatore, una madre che suonava l'organo ed il pianoforte ed uno zio musicista che lo ha introdotto al blues. I passi successivi sono venuti di conseguenza.
"Non è stata dura saltare da John Lee Hooker a Joe Strummer, il passo successivo era Bob Dylan"
Lui e sua sorella non potevano che crescere con sani principi spirituali e cantando. Detta così potrebbe essere l'infanzia vissuta nell'immediato dopoguerra in qualche sperduto villaggio rurale di quell'America povera e contadina che ci piace ancora sognare. Invece Cory Chisel, sì è cresciuto tra le miniere di Babbitt nel Minnesota e le pianure rurali di Appleton  nel Wisconsin, ma di anni ne ha solo trenta, è nato negli anni ottanta quando i suoi idoli musicali avevano (quasi) tutti dato il loro meglio.
Questo è il secondo disco che esce a nome Cory Chisel and the Wandering, dopo il precedente  Death won't sent a Letter del 2009 che aveva colpito la critica. Ad oggi dietro a quel "...and the Wandering Sons" si nasconde la sola Adriel Denae che divide con Cory le parti vocali e suona le percussioni; a lei l'apertura del disco nella corta, spoglia e minimale This is How it Goes, il duetto in Seventeen e il compito di doppiarne la voce nelle restanti canzoni.
Prima era un gruppo vero e proprio, The Wandering Sons, con all'attivo già un paio di dischi e alcuni Ep.
La forte spiritualità e saggezza delle liriche, fortemente influenzate dal suo idolo Johnny Cash,-"Sono cresciuto senza sapere se Johnny Cash era un cantautore, uno dei miei nonni o un attore. A me lui appariva tutte queste cose insieme"- hanno trovato nell'incontro con Brendan Benson (anche nei The Racounteurs di Jack White), oltre che un grande amico, un musicista/produttore in grado di far risaltare la sua musica.
Come se non bastasse recentemente ha avuto modo di collaborare e scrivere una canzone con Rosanne Cash. Un po' il cerchio che si chiude.
Registrato in sole due settimane al Welcome 1979 di Nashville, con un manipolo nutrito di musicisti tra cui spiccano i due ex Cardinals di Ryan Adams (Brad Pemberton alla batteria, Jon Graboff alla chitarra e pedal steel), Brady Surface al basso, Ian Craft al banjo, violino, dobro e mandolino.
Con l'età  reale di un trentenne e la saggezza apparente di un anziano che sembra voltarsi indietro e rivedere i momenti in bianco e nero di una vita passata: dal rock/soul di Please Tell Me e I've Been Accused guidata dall'organo di Andrew Higley; i momenti di assoluta bellezza di Foxgloves, profonda e malinconica nel suo crescendo; il violino che invita al ballo sommesso e meditativo in Time Won't Change, dalle parti di The Lonesome Jubilee di Mellencamp; il folk/blues acustico con armonica e banjo di Over Jordan; la raffinatezza della conclusiva Wood Drake cantata con voce e trasporto soul.
Musicalmente, sa citare i grandi come Bob Dylan nel country/folk di Never Meant to Love You, Van Morrison in Old Love e Graham Nash nell'incedere di quel pianoforte che batte note di romanticismo in Laura e nostalgia in Seventeen.
Cory Chisel si denuda e trova nella musica i quadri dove poter imprimere le sue leggere pennellate folk, intrise di soul/gospel, blues e country.
A Chisel non piace troppo apparire, per questo il suo Old Believers potrebbe passare inosservato. Sarebbe un gran delitto, visto il background profondo e sincero di un artista che non vuole rivoluzioni ma solamente portare avanti tradizioni nel totale rispetto e riverenza verso i grandi e di chi ha voglia di scoprirlo.












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lunedì 25 giugno 2012

COVER ART#4: NEIL YOUNG (ON THE BEACH, 1974)


artista: NEIL YOUNG
album: ON THE BEACH
anno: 1974
direzione artistica e disegno: GARY BURDEN
fotografia: BOB SEIDEMANN
canzoni da ricordare: Walk On, Revolution Blues,On the beach,Ambulance blues

E' stato, è e rimarrà uno dei suoi capolavori indiscussi, spesso superato in popolarità da titoli più noti, On the Beach è uno sguardo contemplativo di scuro disagio verso il mondo circostante. Il biennio 1974/75 fu per Neil Young un periodo di profonda sofferenza e crisi esistenziale che vide il suo sfogo/prolungamento nei due dischi On the beach appunto e Tonight's the night (scritto prima di On the beach ma uscito un anno dopo, nel 1975).
In copertina Young è visibile in lontananza, ritratto di spalle, scalzo con le grosse scarpe di fianco ed uno sdraio aperto lì vicino, mentre il suo sguardo è fisso su un orizzonte che si perde lontano nel mare. Un'onda sta per arrivare, cosa porterà? Cosa si prenderà ancora? Un segnale forte e chiaro della volontà di volersi lasciare alle spalle un periodo che lo aveva visto a diretto contatto con la morte e la perdita di cari amici come Bruce Berry ( roadie di CSN&Y trovato morto per overdose nell'appartamento dello stesso Young) e Danny Whitten (chitarrista dei Crazy Horse cacciato dallo stesso Young per i suoi problemi di droga), la nascita di un figlio, Zeke, con forti problemi di salute e un quadro generale della società americana non esaltante che faceva seguito alla grande utopia di fine anni sessanta.
C'è tutto il necessario per far sprofondare un uomo nella depressione.
Young si lascia alle spalle un ombrellone aperto su una spiaggia (Santa Monica Beach, California) dove il sole sembra essere scomparso già da qualche ora- sembra tiri anche il vento- un attaccapanni vuoto, un tavolino desolatamente imbandito con una lattina di birra Coors ed un bicchiere (di plastica?), un giornale che il vento ha fatto cadere (con il titolo " Senator Buckley calls for Nixon to Resign" riferito al Watergate che sconvolse gli Stati Uniti e il suo presidente Richard Nixon) ed un pezzo del retro di una Cadillac per metà sotterrato. Significativo il particolare del giornale, visto lo strano feeling tra Young ed il presidente Nixon, citato spesso nelle sue canzoni, da Ohio a Campaigner's fino alla splendida Ambulance Blues che chiude questo disco.
Un quadretto pensato dallo stesso Young insieme al fido artista Gary Burden e creato dal fotografo Bob Seidemann che nel suo intero, dominato dal colore giallo, da un senso di velata malinconia e desolazione, raccontando, ancor prima di far girare il disco, gli umori delle canzoni. Un voler cercare in lontananza quello che la presente realtà sembra affossare e forse proprio quel pezzo di Cadillac che ancora si scorge è un simbolico segno che non tutto è perduto. "Una delle mie copertine preferite è quella di On The Beach" racconta Neil Young nell' autobiografia Il Sogno Di Un Hippie "Ovviamente era il titolo di un film che ho rubato per l'album , ma che importa. L'idea per la copertina fu un fulmine a ciel sereno. Gary ed io andammo insieme a cercare i pezzi da mettere insieme. Andammo a un deposito rottami di Santa Ana per recuperare la deriva di coda e il parafango di una Cadillac del 1959 con tanto di luci posteriori. Restammo a guardare mentre li tagliavano da una Cadillac per darli a noi; poi andammo da un fornitore di arredi da esterno dove prendemmo l'ombrellone e il tavolino. In un pessimo negozio di abbigliamento per uomini trovammo la brutta giaccia di poliestere gialla  e i pantaloni bianchi..."
I caratteri grafici sono di Rick Griffin, il grafico più ricercato della San Francisco psichedelica degli anni sessanta e autore di tante copertine dei Grateful Dead. 
Nella busta interna, come una lettera persa dal vento in spiaggia, le note introduttive all'album, scritte dal musicista country Rusty Kershaw (sua la slide su Motion Pictures(For Carrie) ed il violino in Ambulance Blues) che si interroga sul perchè fu scelto per scrivere queste righe, ma che ci racconta anche di un Neil Young dall'umore a terra e la forte volontà di provare a cambiargli il morale con la  musica. Poi, alcune frasi criptiche e poco comprensibili, infine tesse le lodi all'album e vicino alla firma scrive:"perchè Ben (Keith) è mio amico". Rusty Kershaw, personaggio bizzarro, ebbe un grande peso sulla realizzazzione del disco e  riuscì a tenere alto il morale , oltre che con la musica, introducendo il largo uso di Marijuana (ormai leggendarie le sue "Honey slides"-frittelle di marijuana e miele).
Il retro, dove compare il nome dell'artista, in alto a sinistra, è il prolungamento verso sinistra della foto: il pezzo di spiaggia è libero e sgombro di oggetti, campeggia solamente un vaso in legno con una triste e giovane palma dal lungo e sottile tronco, sormontato da quattro corti rametti con foglie. Ora tutto è più chiaro: Neil Young è solo, unica presenza (umana) vivente in quella spiaggia.
Curiosa la versione alternativa della copertina, che divenne successivamente un poster pubblicitario. Questa volta Young è in primo piano, scalzo e sorridente.Il giornale è sopra il tavolo e Neil Young in mano tiene la copia di un altro quotidiano. Uno visione che avrebbe completamente rovesciato gli umori dello scatto originale, concentrando tutti gli sguardi sull'artista sorridente in primo piano, distogliendoli da tutto il resto. 
Young uscirà fuori da questo periodo scuro ma prima ci lascerà questi due dischi ( On the Beach e Tonight's the Night) "diversi" ma favolosi a testimonianza di uno dei periodi più neri della sua vita personale, inversamente proporzionale a quella artistica, mai stata così fervida ed ispirata.
E' uno dei dischi preferiti dallo stesso cantautore che ne ha sempre tessuto le lodi, scegliendo di non pubblicarlo su compact disc per molti anni, proprio per preservarne l'autenticità data dai solchi del vinile. E forse, questo lo aggiungo io, per preservare la bellezza di una copertina che il formato12x12 cm. di un cd sacrifica troppo.




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giovedì 21 giugno 2012

RECENSIONE: CHRIS ROBINSON BROTHERHOOD ( Big Moon Ritual )

CHRIS ROBINSON BROTHERHOOD  Big Moon Ritual ( Silver Arrow, 2012)

"Mi accamperò all'aperto...e libererò la mia anima" così cantava Joni Mitchell nel 1969 in Woodstock. Poche parole capaci di descrivere ed evocare immagini ben precise senza aggiungere nulla di superfluo. Chris Robinson nell'anno del festival musicale che segnò una generazione e tutte quelle a venire, aveva solo due anni ma non è difficile immaginarselo sopra a quel palco, a piedi scalzi, con la lunga barba, gli occhi chiusi e le mani al cielo mentre canta d'amore e libera la sua anima, scuotendo il pubblico a fare ugualmente. Più che con i suoi Black Crowes, però, riesco ad immaginarlo con la sua nuova creatura Chris Robinson Brotherhood, nata nel 2011 ancor prima di mettere i Black Crowes in standby, con già alcuni tour sul groppone ma solamente ora pronta per l'importante uscita discografica che sarà bissata molto presto (a Settembre dovrebbe già uscire il secondo capitolo).
Big Moon Ritual si scosta completamente dagli ultimi episodi roots/country della band madre splendidamente ripresi nell'ultimo ispiratissimo Before the frost...Until the Freeze e nella originale raccolta acustica Croweology, avvicinandosi maggiormente-non musicalmente-al mood aperto, live, free e psichedelico di un disco come Amorica (1994), smussandone gli angoli più spigolosi e black, il più difficile da digerire ma che forse fotografava più di tutti l'immaginario musicale che fece crescere i due fratelli Robinson, mostrando su disco la crescita di una band che partì con il successo di Hard to Handle di Otis Redding, dovette dividere il palco e giocare per qualche tempo con Metallica, Pantera e compagnia heavy (per chi ricorda il Monsters of rock 1991), per poi compiere il volo sopra alla musica americana diventando la più completa ed importante band rock uscita dagli anni novanta.
Big Moon Ritual è un flusso dilatato di sessanta minuti, diviso in sette canzoni ma che potrebbe benissimo essere un ciclo continuo, senza interruzioni o titoli. Chris Robinson libera la sua parte vocale più soul, quella meno esasperata senza l'ausilio delle chitarre spara riff del fratello Rich ma supportato da un Neal Casal mai così libero ed ispirato nel volare sopra alle canzoni. Chitarre fluide, leggere, rilassate, incontenibili che insieme alle tastiere e al moog di Adam MacDougall (tastierista degli ultimi Black Crowes) sono grandi protagoniste e giocano ad incastrarsi fin dai dodici minuti dell'apertura Tulsa Yesterday, fino ad arrivare alla finale e bucolica One Hundred Days Of Rain.
Lunghe jam session, nate per essere suonate live. Aperte distese lungo i campi assolati della Florida o le strade di una San Francisco anni settanta, dove puoi incontrare gli Allman Brothers e i Grateful Dead della svolta dolce e country  in Rosalee, le tastiere prog/space e i momenti jazzati di Tomorrow Blues, i cori soul di Reflections On A Broken Mirror, la dolcezza di Beware, Oh Take Care, forse più di tutte, specchio di questa svolta romantica di Chris Robinson, votata ad un volume che non viene mai alzato a sproposito.
La fame di musica di Chris Robinson trova, dopo la prima pausa dei Black Crowes nel 2002 sostituita dal piglio cantautorale di New Earth Mud (2003), una seconda via condotta nuovamente lontano dal grande business discografico, ma lavorando di squadra -e di psichedelia- (completano la formazione il bassista Adam Dutton, e il batterista George Sluppick).
Musica per chi ha voglia di chiudere gli occhi e farsi cullare per la durata di un giro di orologio. Un piccolo sogno datato 2012. Come per i Black Crowes, il disco registrato ai Sunset Sound di Los Angeles sotto la produzione di Thom Monaham, esce per la sua etichetta personale Silver Arrow, il che accentua maggiormente il carattere ruspante e vero di un personaggio nato troppo tardi per alzare le mani sul cielo di Woodstock ma che con il suo talento libero ed incontaminato continua a fare tanto comodo al mondo musicale di oggi.







 

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lunedì 18 giugno 2012

RECENSIONE: GRACE POTTER & THE NOCTURNALS (The Lion The Beast The Beat)

GRACE POTTER & THE NOCTURNALS  The Lion The Beast The Beat  ( Hollywood Records, 2012)

Il precedente disco omonimo aveva dato poche risposte su dove la bella e brava Grace Potter con i suoi Nocturnals volessero andare a parare con la loro musica. Tante influenze che convergevano sullla indiscutibile dote vocale e carismatica della bionda e sexy cantante. Nonostante tutto, senza che questo si trasformasse in merito o demerito, riuscì a catalizzare l'attenzione e conquistare nuovi fans, soprattutto in sede live dove la vera essenza da jam band del gruppo emerge in maniera più limpida e veritiera.
The Lion The Beast The Beat, quarto disco della band, sembra voler continuare sulla scia del precedente, mischiando se possibile ancor  più le carte, dando però una piccola sentenza: il suono dei Nocturnals abbandona (momentaneamente?) i vigori più roots/rock/blues, dando il benvenuto a velate influenze new vawe eighties che però non sempre riescono essere ficcanti ed efficaci, largo uso di orchestrazioni e ad incursioni soul sixties che invece convincono maggiormente; avvicinandosi globalmente a territori più pop che rock (strada già tentata in This Is Nowhere del 2007). Una band che ha voglia di sperimentare, divertendosi o di affermarsi commercialmente? Eterno dilemma che rimando nuovamente alla prossima mossa, perchè nonostante tutto il disco diverte.
Un disco dalla gestazione difficile. Le registrazioni, avvenute prevalentemente live in studio, hanno subito una lunga pausa dovuta ad una crisi che ha colpito la bionda cantante non soddisfatta del lavoro fin lì svolto. La soluzione fu un viaggio in solitaria in macchina, direzione nord States, percorrendo tutte quelle strade che sembrano portare verso il nulla ma sicuramente verso qualche nuova ispirazione.
"Ho scritto quattro nuove canzoni in Vermont (suo paese natale). Poi ho viaggiato di nuovo per un posto tranquillo in riva all'oceano, rintanata in una stanza d'albergo e finito alcune canzoni che avevo scritto più di un anno prima che avevano solo bisogno di una seconda possibilità". Un viaggio dell'anima che servì.
La band che nel frattempo ha perso per strada la bassista Chaterine Popper sostituita da Nico Abondolo, oltre alla polistrumentista Grace, si avvale del preziosissimo lavoro chitarristico di Scott Tournet e Benny Yurco, più Matt Burr alla batteria. Il disco è stato affidato alle sapienti mani del produttore Jim Scott (Revelator  di Tedeschi Trucks Band,Wilco e Tom petty tra i suoi lavori) e del "nuovo prezzemolo" Dan Auerbach dei Black Keys, co-autore e produttore in tre canzoni.
"Ho trovato il cuore del leone nel ventre della bestia e tenendolo in mano sentivo il battito". Si apre così l'album che ha una sua linea guida/testuale ben specifica.
"Gioca sulla dualità della natura umana. Il fatto che tutti noi abbiamo i nostri demoni e tutti abbiamo la capacità di essere buoni". Un'apertura elettro, tribale e tambureggiante, quella della title track, che si trasforma in una vigorosa rock song, con crescendo dettato da una nutrita sezione di violini così come Turntable, tra synth e echoplex, che gioca sapientemente sulle metafore sessuali. Tra i pochi momenti rock ed energici del disco.
Il singolo Never Go Back con la batteria Casio suonata da Auerbach, la danzereccia commistione tra soul e funk di Loneliest Soul e Runaway scritte insieme a Dan Auerbach riflettono le ultime influenze che animano tutti i lavori a cui ha messo mano ultimamente, dai suoi Black Keys al grande ritorno di Dr. John. Una mano che si fa sentire ma che rischia di uniformare ogni cosa che tocca.
Un disco che viaggia essenzialmente sui ritmi dell'anima, lasciando fuori gli impulsi rock. Troviamo così i sapori da West Coast californiana di Parachute Heart; la ballad soul Timekeeper; il ritmato pop/funk di Keepsake; la chitarra (finalmente) che si mischia alla sezione archi che guida One Heart Missing; la bella ballata per piano e chitarra acustica di Stars, dove la voce di Grace Potter ha possibilità di mettersi in grande evidenza.
Poi ti ritrovi l'avanzare teso, rock e zeppeliniano della conclusiva The divide (la miglior track del disco) e torni immediatamente alla domanda che l'ascolto di un disco di Grace Potter & The Nocturnals  mi porta sempre a fare: che strada vuole percorrere la bella Grace Potter, così distante da quella del suo debutto che aveva illuso chi vedeva in lei una nuova songwriter country/folk? Ora che la tavolozza è piena di tutti i colori, qualcosa in futuro si materializzerà più chiaramente.
Nella deluxe edition, c'è posto per altre quattro canzoni: Roulette, All Over You, la rilettura di Stars con l'ospitata del cantante country Kenny Chesney e soprattutto la countryeggiante Ragged Company con il buon vecchio Willie Nelson (fresco di uscita con il suo Heroes) alla voce e chitarra.






vedi anche RECENSIONE: GASLIGHT ANTHEM-Handwritten(2012)






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venerdì 15 giugno 2012

RECENSIONE: XAVIER RUDD ( Spirit Bird )

XAVIER RUDD  Spirit Bird ( Side One Dummy, 2012)  )

Xavier Rudd vide il suo primo concerto a dieci anni d'età. Fu Paul Simon durante il tour del meraviglioso Graceland. Rimase folgorato. Non vi è dubbio che il piccolo cantautore di New York fu più che un faro guida per l'inizio della sua carriera. L'australiano ha però avuto un grande vantaggio/fortuna: quello di vivere la musica etnica e la natura incontaminata da un posto privilegiato rispetto a chi è costretto ad andare a cercare il tutto fuori da casa propria ( agli americani Jack Johnson e Ben Harper -grandi amici e appasionati di surf come lui- a cui spesso è associato, manca questo retroterra sociale/culturale). Cresciuto tra la sabbia delle spiaggie del Torquay (angolo suggestivo per tutti i surfisti), ma anche tra gli alberi delle foreste e a strettissimo contattto con le popolazione aborigene d'Australia di cui è estremo difensore (lui nato da padre aborigeno e mamma europea) che ne hanno segnato fortemente la scrittura, sviluppando oltre ad un fortissimo legame con la natura (salutista e vegetariano), anche un grande amore per i tantissimi ed inusuali strumenti tradizionali. Bellissimo vederlo all'opera da solo durante i suoi live-set circondato e sovrastato dagli strumenti.(Sarà in Italia a Luglio 2012, il 20 a Milano-RECENSIONE CARROPONTE-, 21 a Roma).
Spirit Bird è il settimo disco ed esce a due anni di distanza da Koonyum Sun. Se il precedente era un disco di "squadra" insieme alla spaventosa sezione ritmica sud africana degli Izintaba, questo esplora l'anima più intimistica, profonda del cantautore australiano che sembra prevalere in gran parte delle canzoni: Comfortable in My Skin (dove accenna all'intervento subito alla schiena e alla ritrovata normalità), Follow the Sun, Paper Thin, Mystery Angel e la finale Creating a Dream(con lo splendido falsetto) sono folk-song acustiche, spesso guidate dall'armonica, dalla chitarra e poco altro. Un passo verso il folk americano che mantiene però le gambe in terra australiana, grazie al largo uso di cori aborigeni e a tutti quei rumori e suoni di natura presenti lungo tutta la durata del disco, in particolar modo il canto degli uccelli.
Intorno ai dieci intensi minuti di Full Circle con i suoi numerosi cambi di ritmo e vasto campionario del range musicale di Rudd, ruotano il bel blues elettrico di Bow Down, il crescendo della title track Spirit Bird (con l'attacco ai governi, ladri di "sangue e terra"), la percussiva tribalità di Butterfly e tre momenti quasi esclusivamente strumentali ( Lioness Eye, Culture Bleeding e 3 Roads) in cui Xavier Rudd, sapientemente riesce ad unire suoni moderni con il suono del suo amato Yidakis (didgeridoos), cori della tradizione aborigena fino ad arrivare alla trascinante coda di 3 Roads, una sorta di trance da techno-rave aborigeno.
Cuore sempre aperto ( "Imagine if the heart could shed its skin" canta in Creating a Dream), verso la natura, i suoi abitanti meno fortunati, le tradizioni. Tutte cose innate in lui e non acquisite o ricercate. Xavier Rudd vive in simbiosi totale con il ciclo della natura e cerca di trasportare tutto nella sua musica.
La più semplice e fresca brezza di questa estate. Se proprio non potete calpestare le spiaggie di Torquay e cavalcare le onde dell'oceano indiano, questo disco, come tutti i precedenti, vi daranno una mano a sognare (e meditare).
vedi anche RECENSIONE/REPORTAGE live: XAVIER RUDD, Carroponte, Sesto San Giovanni(MI)20 Luglio 2012







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giovedì 14 giugno 2012

RECENSIONE: CORY BRANAN ( Mutt )

CORY BRANAN  Mutt (Bloodshot Records, 2012)

Cory Branan è quasi coetano di Ryan Adams (uno classe 1975, l'altro 1974), tutti e due uscirono allo scoperto da solisti all'inizio del nuovo millennio, promettendo una ventata di aria fresca nel mondo cantautorale americano. Il suo debutto The Hell You Say uscì nel 2002 e sorprese non poco la critica, facendo incetta di riconoscimenti. A differenza di Adams però, la sua carriera si allarga ad un solo altro disco: 12 Songs  del 2006. Mentre Adams in questi anni ha continuato a far uscire dischi in modo compulsivo, con bassi e stupendi alti-tra cui l'ultimo Ashes & Fire-, Cory nativo della terra del Misssissippi, figlio di un batterista, inizio carriera in una metal band e folgorazione cantautorale ascoltando John Prine, fa il suo ritorno a ben sei anni dal precedente lavoro. In questo lasso di tempo si è fatto crescere barba e capelli ("I was fucked up as my haircut" canta in Freefall), si è trasferito da Memphis a Nashville, ma ha mantenuto inalterato il carattere della sua scrittura: disincantata e cinica lettura della vita con in primo piano i sentimenti compresi cuori spezzati, malesseri e storie intriganti, tanto che i Lucero lo citarono in una loro vecchia canzone Tears don't Matter much contenuta in That Much Further West(2003). Cory, oggi, di rimando per non essere da meno, cita-anche musicalmente- Mellencamp in Yesterday(circa Summer 80 Somethin).
In Mutt sono raccolte tutte le sue innumerevoli influenze che convergono comunque in uno stile personale che sa guardare in tutte le direzioni del rock americano. Dall'iniziale folk esistenziale di Corner (bissata da Lily) in solitudine con la sola chitarra acustica e la voce doppiata, alle tirate Survivor Blues ( che ricompare in versione acustica nel finale del disco) e Bad Man, rock songs che incrociano i Replacments e lo Springsteen tagliente, spigoloso e diretto di Darkness, con una band (Dave Douglas-batteria, James Finch Jr.-basso, Russell James Miller-chitarre,tastiere) che recita la parte della E Street Band. Le accecanti liriche dentro alla buia e notturna Darknen My Door sulla strada di Ryan Adams; le country Freefall e Karen's Song con la slide ospite di Luther Dickinson; le lievi e romantiche orchestrazioni della notturna There There Little Heartbreaker condotta da crooner navigato; la sbilenca e ubriaca andatura di un clarinetto e le parole di una vendetta amorosa di Snowman che portano dritto e consapevolmente a Tom Waits, tanto che nella canzone compare anche Ralph Carney, collaboratore storico di Waits.
La bizzarra deviazione dello scatenato rock'n'roll di Jericho con il suo finale pieno di cori e fiati.
Un percorso avventuroso quello di Branan, con pochi o tanti punti di riferimento reali a seconda dei casi. Un cantautore randagio, cinico (uomo cattivo come canta in Bad Man) che riesce a piazzare la zampata vincente e riconoscibile giocando con la musica. Un disco che avanza in modo imperfetto, in bilico tra i chiaro-scuri, così come la sua voce rotta, profonda e camaleontica nel cavalcare gli umori delle canzoni. Ma è quella imperfezione che fa la differenza. Candidato alla mia top ten di fine anno.  




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lunedì 11 giugno 2012

RECENSIONE: PATTI SMITH( Banga )

PATTI SMITH  Banga (Sony Music, 2012)

Solo pochi mesi fa, Patti Smith fu ospite sopra il palco di Sanremo insieme ai Marlene Kuntz. Il giorno dopo l'esibizione, in  uno di quei contenitori pomeridiani della tv nazionale (perchè fossi lì davanti non lo so...si dice sempre così...), il famoso critico musicale con il ciuffo e gli abiti sgargianti, interrogato sugli ospiti stranieri presenti la sera prima, minimizzò l'intervento di Patti Smith-per la cronaca è stato il momento più alto di quella competizione canora-asserendo che solo più in Italia riusciamo a scaldarci per lei, artista in declino nel resto del mondo. Secondo lui, Patti Smith lavorerebbe solo in Italia perchè in patria non è più considerata ed i suoi dischi passano inosservati. Come se lavorare in Italia fosse una colpa. Alla fine,  infierì con l'ultima uscita: "Because the Night di Springsteen avrebbe funzionato cantata da chiunque"-dimenticando che la cantante contribuì alla stesura del pezzo.
Sul mio volto un grande punto di domanda. Che Patti Smith ami l'Italia è cosa risaputa ed il nuovo disco, l'undicesimo della sua carriera  a sette anni dall'ultimo disco di cover Twelve(2007) e ben otto da Trampin'(2004), sembra dimostrarlo e confermarlo. Alcune canzoni hanno addirittura preso vita sopra alla Costa Concordia-sì proprio quella- durante un viaggio in mare insieme a Lenny Kaye, invitati dal regista Jan Luc Godard( vedi il carezzevole candore di Seneca e la titletrack Banga). Forse perchè è una dei pochi artisti internazionali a trovare ancora ispirazione dall'ARTE italiana, cosa che nemmeno noi italiani-ciechi in patria- riusciamo più a fare.
I dieci tesi e stridenti minuti di Costantine's Dream sono stati ispirati dal dipinto di Piero della Francesca conservato nella basilica di San Francesco, musicati insieme ai folker aretini Casa del Vento. Santi, imperatori, navigatori (viene citato anche Cristoforo Colombo) e Rinascimento. L'iniziale spoken song Amerigo ci immerge completamente nelle acque in compagnia dell'esploratore Vespucci, guidandoci verso la scoperta di nuove terre. Brava.
Capirete che i suoi dati di vendita negli States e nel resto del mondo poco interessano, in verità. Perchè Banga è il miglior disco di Patti Smith degli ultimi vent'anni. Diamo a Patti Smith anche la cittadinanza italiana, se necessario.
Un disco uscito solo dopo aver raccolto le storie, le emozioni, gli omaggi, le citazioni storiche e moderne necessarie a riempire più di sessanta minuti di musica. Patti Smith ha i suoi tempi. La musica è solo una parte della sua arte, e come tale deve condividere i preziosi minuti, le ore e i giorni con la poesia, la fotografia, la narrativa (Just kids), la sua vita (tutta). Attenta osservatrice e unica nel riversare in musica quello che i suoi occhi vedono. E dove non arrivano le pupille ci pensa la sua inseparabile macchina fotografica "vintage" a cogliere i momenti in giro per il mondo-non solo in Italia. Poetica visiva.
Tanti omaggi e ricordi legati all'attualità e alle persone: Fuji-San è un rock chitarristico ma carezzevole, omaggio al popolo giapponese vittima di disastri naturali (e non) negli ultimi anni, un popolo coraggioso da seguire come esempio, ogni tanto; This is the Girl è uno splendido ricordo di Amy Winehouse, che non conobbe mai, ma musicato in modo tale che sicuramente sarebbe piaciuto cantare anche alla scomparsa cantautrice londinese; la toccante ballata Maria per la sua amica Maria Schneider, attrice, pure lei scomparsa l'anno scorso. Diventò famosa grazie al film più censurato di sempre, Ultimo Tango a Parigi di Bernardo Bertolucci. Intensa e interrota dall'assolo chitarristico del figlio Jackson. Due vite e due talenti quelli di Amy e Maria finiti troppo presto.

Banga, la title track ha quel crescendo, sentito milioni di volte, ma dannazione, sembra sempre di vedere le danze attorno al fuoco e i cani ululare in lontananza  (è il figlio Jackson ad abbaiare, Johnny Depp l'ispiratore musicale).
Chi non ha mai sognato di avere come regalo di compleanno una canzone scritta appositamente per l'evento. Johnny Depp-ancora lui-, oltre a tante altre fortune, ha pure questa. Nine fu scritta da Patti Smith come regalo, in mancanza di qualche oggetto fisico, sicuramente meno indispensabile. La chitarra di Tom Verlaine fa il resto.
Il primo singolo uscito April Fool, mentiva riguardo la natura di questo album. La sua costruzione pop e la chitarra di Tom Verlaine non lasciano presagire la bellezza di questo disco e le innumerevoli citazioni letterarie che le altre canzoni contengono: ancora il sentimento d'amore che esce da  Mosaic, la narrativa Tarkovsky, sugli orrori di guerra. 
Registrato e pensato in giro per il mondo, anche negli storici studi Electric Lady di New York, insieme allo  storico Lenny Kaye, e ai fidati collaboratori dell'ultimo periodo: Tony Shanahan al basso, Jay Dee Daugherty alla batteria, Jack Petruzzelli alla chitarra e a tutti gli altri che ho già citato.   
After the Golrush di Neil Young, potrebbe essere uno scarto (...e che scarto) del precedente Twelve e chiude il disco con uno dei testi più psichedelici scritti dal canadese. Riletta in modo quasi fedele con l'aggiunta di un coro di bambini ad esaltare ed aggiornare "la fuga di madre natura", nel corso dei decenni.   
Se Patti Smith continua a lavorare solo in Italia, come dice qualcuno...impariamo a difendere questo patrimonio piovuto dal cielo, come dobbiamo imparare a difendere la nostra arte, capace ancora di ispirare  (solo) i grandi.


vedi anche RECENSIONE/REPORT live: PATTI SMITH ,Collisioni Festival, Barolo(CN) 14 Luglio 2012











 








 
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venerdì 8 giugno 2012

RECENSIONE/REPORT live: BRUCE SPRINGSTEEN live@Stadio SAN SIRO, Milano 7 Giugno 2012



Con il sacro gioco del calcio ai minimi storici di credibilità, lo stadio San Siro ha ospitato, nel giro di una settimana, le due ultime icone di fede "apparentemente" credibili rimaste. Anche se, su una delle due ho sempre nutrito forti dubbi. Solo pochi giorni hanno separato il weekend milanese di Papa Ratzinger da Bruce Springsteen. Ma la differenza non la fanno solo i giorni. Ratzinger ha sfoggiato palchi avveniristici (quello all'aereoporto di Bresso-MI era quasi pinkfloydiano) ed impiegato tre giornate per conquistare i milanesi (credenti) e forse mai riuscirà a convertire nuove anime; a Bruce sono bastate 3 ore e 40 minuti (qualcosa da studiare scientificamante, altro che il sangue di Ozzy Osbourne) ed un palco spoglio come sempre, senza trucchi, maggiordomi corvi e personale che pensa a tutto, anche al conto delle lettere nei discorsi. A Springsteen bastano le canzoni, ma anche a tutto il resto sembra pensare lui. E' ancora lui a trascinare la forza di una festa più forte della punizione divina (la prima in Italia senza "big" Clarence), che non accenna a fermarsi o solo rallentare. Anzi, si gioca sempre al rilancio e la funzione del giorno prima non è mai uguale a quella del giorno dopo. Lui sì, i nuovi adepti sa conquistarseli. La vera famiglia era riunita qua, stasera.
E poi? E poi sapevo che mi sarei trovato qui, seduto, davanti a questo schermo, con il livello di adrenalina ancora abbondantemente sopra a quello di soglia, di poco inferiore a quello che ho raggiunto solo poche ore prima, quando San Siro è esploso, con i suoi livelli di suono finalmente modificati al rialzo-quelli sì finalmente giusti ed adeguati- sulle note di We Take Care Of Your Own. Brividi che stanno in standby tra un concerto e l'altro. Possono passare pochi mesi o molti anni, ma sono sempre lì, pronti ad uscire alla prima nota del primo brano dell'ultimo concerto. Succede solo con lui. Così come, solo per lui, calco questi spazi, che reputo sempre troppo grandi per godersi un buon concerto. Solo per lui. Mi spiace per tutti gli altri.
Sapevo che Wrecking Ball, un disco che continuo a non farmi piacere così come un vero fan non dovrebbe fare, sarebbe stato rivalutato-alle mie orecchie- incastrato dentro a quasi quattro ore di musica, celebrate nella prima chiesa italiana che lo accolse a braccia tese. Ci furono i giorni di gloria del 1985: il battesimo italiano con dieci anni di ritardo rispetto al mondo; il ritorno benedetto dal diluvio divino nel concerto eroico del 2003; la bella scaletta dei giorni magici nel  2008 e lo strascico di polemice per i fantomatici 22 minuti di sforamento. La quarta volta a San siro in questo Giugno 2012: unico artista internazionale a fare poker alla scala del calcio Giuseppe Meazza, chiamiamolo anche così, che poi i calciatori si arrabbiano.
Il solito e completo concentrato di quello che il rock di Springsteen è in grado di offrire. Tutto dentro al corpo/animo di un sessantatreenne che sopra al palco continua a non risparmiare nessuna goccia di sudore. Quel vecchio detto: "il mondo si divide in chi ha visto Springsteen ecc...ecc..." continua ad essere valido, senza scadenze. La sua messa non ti tradisce mai: quando entri sai cosa aspettarti, quando esci, hai ricevuto sempre quel qualcosa in più che non ti aspettavi, e saresti già pronto a riniziare tutto il giorno dopo. Anche le canzoni di Wrecking Ball, qui esplodono e raggiungono pienamente il loro obbiettivo e fanno da scheletro ad una scaletta che ogni sera sa stupire (33 canzoni!). Bella e sentita Jack of All Trades-con dedica a tutti quelli che stanno lottando in America come in Italia, We Are Alive sarebbe piaciuta tanto a Johnny Cash, Death to my Hometown trascina.
La pioggia prevista non ha osato disturbare (eppure qualcuno-sotto sotto- sperava di sentire Who'll stop the Rain come qualche giorno prima a San Sebastian in Spagna o come nel 2003 proprio qui a Milano) ed è rimasta chiusa fuori come le tante persone che erano alla disperata ricerca di un biglietto (settore prato sempre il più ambito...). Dentro al campo, la consueta girandola multigenerazionale di persone che seguono Springsteen. Bruce ha sempre pensato a tutti i suoi fans."Quando salgo sul palco ho sempre in mente di essere al concerto degli Who del 1965 nella Convention Hall di Asbury Park. Ci immagino sempre un ragazzo là...Forse c'è un ragazzo di quindici anni che sta pensando di suonare la chitarra. Forse ha delle idee. E stasera devo essere al meglio, devo andare meglio che mai perchè voglio ispirare quel ragazzo". Questa la sua filosofia.
L'anticipo del tour americano e le date europee lo davano in gran forma. Tutto mantenuto e diciamocelo: stasera a San Siro ha strafato, facendoci un grande regalo.
Tanta gente sopra al palco oltre alla E Street Band: c'è posto per la nutrita sezione fiati, compreso il nipote di Clarence Clemons, Jake che si sta ritagliando sempre più spazio, un percussionista, più i tre coristi a donare quel tocco soul/black che caratterizza l'ultimo album e questo tour. Max Weinberg è il solito martellatore, elegante e compassato. Little Steven la spalla ideale sempre buona per gli scherzi, gli altri (Roy Bittan, Garry Tallent, Nils Lofgren, Suzie Tyrell, Charlie Giordano ) svolgono il loro compito alla grande ma con il passare degli anni sono letteralmente schiacciati dalla personalità del capo.
Bruce tiene in piedi la band. Non il contrario.
"Prendetevi cura di voi stessi" è il primo monito del concerto. Inizia a prenderci per mano così ,con We care take on our own e Wrecking Ball, quasi a voler raccogliere tutta la rabbia accumulata per poi lasciarsi andare, in discesa, per il resto della serata.
My city of Ruins è la canzone per presentare la band ma anche per ricordare chi è lontano in questo momento ("Patti è a casa con i figli e vi saluta") e chi purtroppo non c'è più.
L'accoppiata Spirit in the Night, The E street Shuffle riporta al Jersey Sound degli esordi, con la fantastica reprise della seconda che diventa jam, l'altra accoppiata Candy's Room, Darkness on the Edge of Town è pura, spigolosa energia rock. Radio Nowhere si poteva evitare. Johnny 99 parte solo chitarra e voce per poi trasformarsi nella versione "treno" che abbiamo già conosciuto negli ultimi tour.
Penso che a Bruce il concerto di Milano 1985 sia veramente rimasto nel cuore: No Surrender, Working on the Highway, Born in The Usa (che bello risentirla dopo tantissimo tempo, ma soprattutto dopo averla odiata), Bobby Jean, Dancing in the Dark, Glory Days, sei canzoni estrapolate da Born in the USA. Un tuffo indietro di ventisette anni. Bruce ama Milano("...this is a very special place"). Ora è chiarissimo!
Da pelle d'oca The River ma soprattutto la sorpresa The Promise, uno dei gioielli di Springsteen, fatta in solitaria  al pianoforte.
Bruce cerca sempre il contatto con il suo pubblico "La cosa più importante è il pubblico, la folla è l'unica cosa che conta in uno spettacolo". Un rispetto che non è mai venuto a mancare durante la sua carriera, anche nei momenti più difficili. Qualche altro artista in quarant'anni di carriera non l'ha mai capito. Ecco così, la fortunata ragazzina (che domani mattina potrà vantarsi a scuola) chiamata sopra al palco a cantare con il saggio nonno sulle note di Waitin' on a Sunny Day, ormai diventata la canzone dei siparietti così come lo era Dancing in the dark trent'anni fa, quando il nonno era ancora ragazzo e al posto della ragazzina c'era un'avvenente fanciulla cresciutella, che Bruce, poi, riesce a trovare anche stasera, peccato volesse ballare con Jake Clemons, come da cartello. Bruce è di cuore buono. Accontenta pure lei.
Bruce da il cinque a Claudio Trotta (il promoter amico), lì sotto il palco. Bruce bacia una ragazza. Bruce raccoglie tutto quello che può (bambole, salvagenti, bandiere e cartelli) e li trasforma in  spettacolo come un prestigiatore. Poco importa se tutto l'hai già visto milioni e milioni di volte.
Difficile trattenere la lacrima quando Tenth Avenue Freeze-Out si interrompe. Cala il silenzio. Sullo schermo le immagini di Clarence Clemons. Parte l'applauso. La E Street Band riparte. E' la vita.
Springsteen ha voglia di suonare, di divertirsi. Tira fuori dal cilindro Cadillac Ranch. 
L'encore normale non gli basta. C'è ancora tempo e voglia per Glory Days e una Twist and Shout che dopo tre ore e quaranta minuti, senza una pausa, decretano la fine. Se potesse, continuerebbe fino all'alba e noi con lui. Già finito?
Anche stavolta si è sforato di venti minuti. Bruce ha voluto fortissimamente riprendersi Milano dopo lo sgarro di quattro anni fa. Bruce da quarant'anni si  è preso anche il rock.
La prossima fumata bianca la voglio per lui.

SETLIST 
1.We Take Care Of Our Own/2.Wrecking Ball/3.Badlands/4.Death to My Hometown/ 5.My City of Ruins/
6.Spirit in the Night/ 7.The E Street Shuffle/ 8.Jack of All Trades/ 9.Candy's Room/ 10.Darkness on the Edge of Town/ 11.Johnny 99/ 12.Out in the Street/ 13.No Surrender/ 14.Working on the Highway/15.Shackled and Drawn/ 16.Waitin' on a Sunny Day/ 17.The Promised Land/18.The Promise/ 19.The River/ 20.The Rising/21.Radio Nowhere/ 22.We Are Alive/ 23.Land of Hope and Dreams/ 24.Rocky Ground/25.Born in the U.S.A./ 26.Born to Run/ 27.Cadillac Ranch/28.Hungry Heart/ 29.Bobby Jean/ 30.Dancing in the Dark/ 31.Tenth Avenue Freeze-Out/32.Glory Days/33.Twist and Shout (The Isley Brothers cover)
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