PLAYLIST: TOP DISCHI ITALIANI 2011

1-VINICIO CAPOSSELA-Marinai Profeti e Balene
Ultimo avviso ai naviganti: il prolungato ascolto del disco produrrà dipendenza. Un 'opera che rimarrà negli annali in compagnia delle migliori opere musicali italiane e un artista che conferma la sua voglia di sperimentare con la fantasia.







2-PAOLO BENVEGNU'-Hermann
Liberate la mente perchè il terzo disco dell'ex cantante dei Scisma ha tanto da offrire per riempirvela nuovamente. Un disco che conferma Benvegnù come uno dei migliori cantautori attualmente in Italia e uno dei pochi a poter ereditare la forma e la sostanza della cara categoria italica.




3-VERILY SO-Verily So
Lo sguardo che si perde nella polvere alzata dai piccoli tornado di vento che scompigliano la tranquillità di quelle tipiche ghost town americane, dove vecchie case di legno dormono abbandonate nascondendo chissà quali storie e vite passate, l’udito è sordo ed incapace di cogliere rumori. I livornesi di Cecina, Verily So con le canzoni del loro debutto saprebbero infrangere quel silenzio creando un connubio musica-luogo perfetto.


4-LUIGI MAIERON- Vino Tabacco e Cielo
"Vino Tabacco e cielo" è un piccolo scrigno pieno di tradizioni e storie, che come insegnato da Van De Sfroos, possono varcare i confini regionali e allargarsi in tutta Italia abbattendo quei fittizi confini federali che fortunatamente non sono ancora stati eretti.







5-CASINO ROYALE- Io e la mia Ombra

Un disco basilarmente pop, ma di quello intelligente, elettronica che flirta con la dance su cui poggiano gli infiniti input della musica "totalitaria" a cui i Casino Royale ci hanno da sempre abituato,un disco dal "groove elevato" dove la semplicità apparente si arricchisce di nuove sfumature dietro ad ogni ascolto.
Ancora una volta"Radicalmente diversi dagli originali"




6-DAVIDE VAN DE SFROOS- Yanez

La capacità di musicare e dare parola a dei piccoli film, quasi dei cortometraggi, completi di tutti i particolari, rimane il grande pregio della scrittura di Van De Sfroos. Canzoni in grado di far vivere all'ascoltatore i sapori , gli odori , saper coinvolgere fino all' immedesimazione, usando la poesia di frasi che solo il dialetto riesce a far risaltare.



7-The PEAWEES-Leave It Behind

Leave It Behind è il quarto album della band e arriva a quattro anni di distanza dall'ultimo Walking The walk(2007) e le tante e positive esperienze in giro per l'Europa che ne hanno accresciuto l'esperienza e le potenzialità.




8-MOJO FILTER- Mrs Love Revolution
I Mojo Filter sono una portata alcolica e appetitosa, lontana dal rock alternativo che tira tanto nella penisola, ma estremamente più vicino a quell'idea di rock che incarna il sogno americano e la sua naturale prosecuzione britannica






9-GIORGIO CANALI & ROSSO FUOCO- Rojo

Se l'amico ed ex compagno di CCCP, CSI e PGR, Giovanni Lindo Ferretti negli ultimi anni è stato protagonista di un discutibile ma comunque rispettabile dietro front di ideali(nel rock certi cambiamenti di rotta si pagano), Canali dopo il più tranquillo, meditato ed intimista "Nostra signora della dinamite"(2009), torna sospinto dai venti di rivoluzione che soffiano sopra ad una crisi che è piombata e che ci vede inermi spettatori , poco colpevoli e molto coinvolti nel subirne gli effetti.


10-99 POSSE- Cattivi Guagliuni

I 99 Posse sono mancati. La loro assenza mi sembrava una sconfitta di fronte alle derive etico/sociali e politiche che hanno caratterizzato l'ultimo decennio della repubblica italiana.
La loro voce di dissenso e denuncia ha fatto la rivoluzione nei primi anni novanta.



11-VERDENA-Wow
12-GENERAL STRATOCUSTER and THE MARSHALS-General Stratocuster and The Marshals
13-CRISTINA DONA'-Torno a casa a piedi
14-GREEN LIKE JULY-Four Legged Fortune
15-MANNARINO-Supersantos16-WAINES-Sto
17-ECO NUEL-Almost White
18-ZEN CIRCUS-Nati per subire
19-STOOP-Freeze Frames
20-BRUNORI SAS-Vol.2:Poveri Cristi
21-The CYBORGS-The Cyborgs
22-CAPAREZZA-Il Sogno Eretico
23-UNORSOMINORE-La Vita Agra
24-BANDABARDO'-Scaccianuvole
25-MODENA CITY RAMBLERS-Sul tetto del mondo
26-BUD SPENCER BLUES EXPLOSION-Do it
27-PSYCHOVOX-La Scelta28-GUY LITTELL-Later
29-ONE DIMENSIONAL MAN-A Better Man
30-BUGO-Nuovi Rimedi per la Miopia

RECENSIONE: THE PEAWEES (Leave It Behind)

THE PEAWEES Leave It Behind(Wild Honey records, 2011)

Che bell'album Leave It Behind. Avevo perso notizie(per mia incuranza) degli spezzini The Peawees dai primi anni duemila quando li vidi in concerto e mi fecero una gran bella impressione, così diversi da tanti altri gruppi punk italiani dell'epoca con cui dividevano il palco. Con la brillantina del re di Menphis che già spolverava le loro canzoni e la loro presenza sul palco, mi piacquero subito a pelle. Ora li ritrovo, con una trasformazione adulta, che li porta ad abbracciare in toto alcune sonorità '50 e '60 che oltre all'amato rock'n'roll includono tanto soul e r'n'b, alla ricerca di quelle radici musicali di chi ripercorre le strade a ritroso come prima di loro seguirono i Clash di London Calling e ultimamente hanno fatto i Social Distortion dell'ultimo Hard Times and Nursery Rhymes. Su quella lunga strada che parte dal primo pulsante rock'n'roll, si colora dei caldi suoni targati stax, si scontra con la selvaggia scena di Detroit e si sporca della sudicia contaminazione degli Stones in esilio parigino.
Leave It Behind è il quarto album della band e arriva a quattro anni di distanza dall'ultimo Walking The walk(2007) e le tante e positive esperienze in giro per l'Europa che ne hanno accresciuto l'esperienza e le potenzialità.
Hervè Peroncini(voce e chitarra), forte del suo carisma guida il suo combo verso il soul trasudante dal rock'n'roll d'apertura Food for My Soul, con tanto di fiati, verso il vintage rock'n'roll di Gonna Tell, tra rockabilly e i Clash "rapiti" da re Elvis.
Le armoniche protagoniste in Memories are gone e nella rutilante The Place, con tanto di piano alla Jerry Lee Lewis, non nascondono l'intatta energia del passato, presente anche nelle più dirette Danger, battente bandiera Stooges e nel garage rock di Don't knock at my door.
Ma c'è un lato del disco che disegna la nuova anima di questa band che con Leave It Behind osa l'incontro con la grande America. L'impatto è più che credibile. Ascoltando Diggin' the sound sembra di ascoltare l'anima rock'n'roll dello Springsteen di The River, nella nera attitudine di Good Boy Mama, con i suoi cori femminili e la sua lenta andatura dove a mettersi in mostra sono i fraseggi chitarristici di Carlo Landini. La title track Leave It Behind e la finale Count Me Out dimostrano una gran cura dei particolari e sono la conferma che la strada intrapresa dai nuovi Peawees è quella giusta. Dopo anni di ricerca, hanno forse trovato il loro suono.
Un disco che emana calore e che trova il suo giusto trampolino di lancio sopra ad un palco. Tra i migliori dischi italiani dell'anno. Ora che li ho ritrovati cercherò di non perderli più di vista. Me lo prometto.

RECENSIONE: LESLIE WEST (Unusual Suspects)

LESLIE WEST Unusual Suspects ( Provogue Records, 2011)

Questo 2011, nel bene e nel male, resterà nella biografia di Leslie West. L'ex mastodontico chitarrista e cantante dei Mountain, veri e propri precursori dell'hard/heavy rock statunitense sembra aver voluto proseguire, suo malgrado, la maledizione dei Mountain, iniziata nel 1983 quando il bassista ed in seguito produttore Felix Pappalardi fu ucciso per mano della moglie.
West, nel Giugno scorso, si è visto amputare una gamba per via di gravi complicazioni dovute al diabete. Fortunatamente, il buon Leslie, sembra averla presa meglio di quanto si pensasse. Un mese dopo, alla sua prima apparizione pubblica , scherzandoci sù e presentando il suo nuovo disco, già pronto da tempo:"E' il mio miglior disco da molti anni a questa parte, la mia voce è ottima, le canzoni sono suonate con emozione. Pensavo addirittura potesse ricrescermi la gamba. Ma non si può avere tutto dalla vita".
Ecco, la buona notizia del suo sfortunato anno: è il suo ritorno discografico. Un ritorno col botto, affiancato da 5 chitarristi che non hanno mai negato le influenze che West (il cui vero cognome è Weinstein) ha saputo disseminare durante la sua travagliata carriera iniziata con l'apparizione a Woodstock.
Unusual Suspects ha tutte le carte per essere il miglior disco di West dai tempi di Climbing!(1970) e Nantucket Sleighride(1971) dei Mountain, racchiudendo tutte le sfaccettature della sua musica: hard, blues e heavy, con tanta melodia che si sposa con la sua voce ancora graffiante. Accompagnato da Kenny Aronoff alla batteria e Fabrizio Grossi al basso e in produzione.
Dal boogie blues dell'iniziale One more drink for the Road in compagnia della chitarra dipinta di classe cristallina di Steve Lukather che però si interrompe inaspettatamente sul più bello (queste sfumature non le capirò mai), all'altro southern blues Standing on a Higher Ground in compagnia di Billy Gibbons(ZZ TOP). Torrenziali solos, carichi e sporchi.
Il lato pesante del suo unico modo di suonare esce da Mudflap Mama con la chitarra di Slash, dalla cadenzata pesantezza di Third Degree di Willie Dixon con Joe Bonamassa(anche alla voce), sicuramente la miglior traccia del disco. Nothing Changed con il figliol prodigo e vichingo Zakk Wylde, tra i migliori chitarristi heavy usciti a cavallo tra gli anni ottanta e novanta(musicista a tutto tondo,poliedrico il suo range musicale: Heavy, southern e country nei suoi dischi) e la più canonica dedica alla moglie di Love you Forever.

Il lato più melodico del suo songwriting(in cooperazione con Joe Pizza, autore delle canzoni insieme a West), nell'altra dedica alla moglie per sola voce e chitarra elettrica di You & Me, nella bella To the moon, divisa com'è da parti arpeggiate e assalti elettrici e dalla emozionante ballad pianistica Legend, su cui ci scherza anche su "Non chiamatemi legenda, sono solo qui per suonare". Come dargli torto.
Non mancano alcune covers( oltre alla già citata Third Degree di Boyd/Dixon), come I Feel Fine dei Beatles, che diventa una boogie /blues song da autostrade americane e Turn Out the Lights di Willie Nelson, divertente western song in acustico con Slash e Zakk Wylde insieme. Per concludere la bonus track Beetle Juice "I Don't Know", nulla più che uno scherzo.
Non sarà un disco per palati fini, ma Unusual Suspects suona sincero e riporta alla ribalta un personaggio unico, quasi sempre dimenticato. Lui e la sua "Montagna" contribuirono a creare l'hard rock, ma attenzione: non chiamatelo leggenda!

RECENSIONE: SAVIOURS (Death's Procession)

SAVIOURS Death's Procession (Kemado Records, 2011)

Cadere nell'errore di liquidare i Saviours come delle semplici copie dei Motorhead, non renderebbe giustizia alla band di Oakland(California) che con questo quarto album cerca di scardinare il mercato con un lavoro vario e ben suonato, dove le influenze di Lemmy si sentono in alcuni episodi più tirati posti al centro dell'album, ma lasciano intravedere una qualità ed un modo di costruire le canzoni di tutto rispetto, dove la grezza attitudine è ancora un valore che supera qualsiasi abbellimento estetico di suono.
Quello che i Saviours cercano di costruire è un ponte tra il sulfureo hard doom rock settantiano con influenze di chiara matrice Black Sabbath e l'Heavy Metal della NWOBHM dei primi anni ottanta, seguendo ed attualizzando la lezione che i mai troppo lodati Angel Witch impartirono con il superbo album omonimo del 1980 e ricordando le tracce dei più attuali High on Fire e soprattutto The Sword, quelli del secondo album "Gods of the Earth" in particolare.
Tutto il disco, concettualmente ruota intorno all'apatia dell'essere umano di fronte al disfacimento globale della terra, in tutte le sue forme. All'uomo spettatore passivo di fronte alla sua imminente fine. E' "un mondo malato" verrebbe voglia di dire.
The Eye Obscene con i suoi sette minuti apre le danze con lento e cadenzato incedere come Earthen Dagger e la finale Walk to the Light in bilico tra doom, sludge e derive stoner, mentre nella strumentale Earth Possession & Death's Procession a mettersi in mostra sono i due chitarristi Austin Barber e Sonny Reinhardt che seguendo le chitarre gemelle maideniane impazzano lungo tutti i minuti della canzone.
L'anima più rock'n'roll e diretta della band viene in superficie in Crete'n e Gods End, tirate cavalcate che i Motorhead includerebbero volentieri nella loro discografia. La voce di Barber è sporca e cruda, senza eccellere in nessuna qualità ma colpendo più per intensità ed attitudine.

To the Grave Possessed e Fire or Old sono due grezze canzoni di old school Heavy Metal, la prima nasconde l'unica concessione alla melodia del disco nel chorus, mentre la seconda paga tributo agli Iron Maiden dei primi due album con Paul Di Anno e ai Thin Lizzy più metal, grazie soprattutto al lavoro incessante delle chitarre.
Un disco che alla fine piace, nella sua continua varietà di umori e stili. Sudore, attitudine da vendere ed un muro di Marshall pronto ad esplodere.

INTERVISTA ai W.I.N.D.

I friulani W.I.N.D. sono, da anni, una delle realtà rock più importanti d'Europa. Il power trio si è costruito un seguito internazionale basato su serietà e personalità che ha pochi eguali in Italia. Il loro ultimo disco Walkin' in a new direction è uscito nel 2010 ed è uno dei migliori dischi rock usciti nel nostro paese negli ultimi anni. Fabio Drusin, bassista, cantante e fondatore, parla del loro ultimo lavoro, della stabilità trovata dalla nuova formazione e dell'attività live in giro per il mondo, vero punto di forza dei W.I.N.D.


Ad un anno di distanza dall'uscita di Walkin' In A New Direction, quali sono le soddisfazioni maggiori che vi ha dato il disco, a tutti i livelli? Riuscite a trarre un primo bilancio di questa nuova avventura per la band?
Fabio Drusin: L'album è andato molto bene come vendite e come recensioni, ha ottenuto ottimi consensi dalla stampa e addetti ai lavori ed attualmente è l'album che ha venduto di piu dei nostri precedenti, essendo vicino alla quarta ristampa nel giro di un anno. Anche perchè supportato da parecchi concerti un pò ovunque negli ultimi due anni, ed un buon lavoro dal nostro management ed etichetta discografica.

Quali sono stati i più grandi cambiamenti umani e musicali con l'entrata nella band,( ormai quattro anni fa, se non sbaglio) di due nuovi elementi come Anthony Basso alle chitarre e Silver Bassi alla batteria?C'è stato da subito un ottimo feeling tra di noi, umano e musicale, siamo partiti subito per dei concerti una settimana dopo le prime prove. Direi che siamo maturati molto, assieme, ed abbiamo portato al nostro sound una ventata d'aria fresca, guidata dalla nostra compatibilità e anche dal fatto che abbiamo vissuto assieme per lunghi periodi in Tour, cosa molto importante, perchè solo lì riesci a capire se il motore gira; l'attitudine che devi avere per fare un mestiere come questo è una cosa fondamentale, oltre alla dote della musica, questo è il motivo per cui molte bands partono ma poi si fermano, per diversi motivi. Gli ostacoli da saltare sono molti e non tutti sono disposti a farlo. Noi ci reputiamo fortunati in questo,vuoi perchè nel corso degli anni abbiamo portato avanti un discorso serio, riuscendo a dare un certo peso e storia al nostro nome, vuoi perchè siamo un trio unito e motivato, che ha un'unico obiettivo. Ora per le bands emergenti è tutto piu difficile in questo businness, molto difficile e a mio parere manca anche una certa unità. Musicalmente parlando, con Anthony e Silver c'è stato un salto di qualità e professionalità, più aperture musicali, più orizzonti esplorati, due voci soliste e i molti concerti che abbiamo fatto hanno aiutato a maturare il nostro sound, che ripeto, risente positivamente per la nostra compatibilità musicale e anche umana. Dividiamo stessi gusti, stesse idee riguardo il nostro lavoro e progetti ed andiamo d'accordo rispettandoci a vicenda.

Come riportato sul retro copertina, il disco è stato registrato live in studio. Come siete riusciti ad ottenere questo suono strepitoso?Semplicemente cercando di portare sul disco il nostro suono naturale, il nostro feeling del momento, appunto registrando in maniera live in studio, con i nostri strumenti, microfoni d'ambiente vintage e l'occhio e orecchio attento del nostro produttore Stefano Amerio,.
che rispetto i dischi precedenti ha lasciato piu spazio al suono e all'ambiente, con pochissime sovrancisioni lasciando volutamente anche qualche imperfezione del momento, che fa parte dell'anima della musica, specie quella Rock. Poi la nostra personalità ha fatto il resto, il suono di una band, di uno strumento, nasce da quello che sei.


Volendo fefinire la vostra musica, ci si trova in difficoltà: blues, jam band, psichedelia, southern, hard blues. Il vostro range musicale è ampio. Qual'è la definizione che più vi aggrada o che riesce a rendere meglio la musica che suonate?Una parola: ROCK. Non amo particolarmente le etichette, che non dovrebbero essere date dai musicisti, i generi sono stati inventati dai giornalisti, per meglio etichettare una o l'altra band, che ovviamente è comodo e in certi casi serve; nel Rock, specie quello di un tempo, trovi un pò di tutto: il Blues, il Soul, il Funk. Mi piace ricordare una frase di Gregg Allman: "Non siamo una Jam Band, siamo una band che fa Jam".Un tempo tutti igrandi gruppi erano a loro modo jam bands: Traffic, Jethro Tull, Zeppelin, Cream, Hendrix, per citarne alcuni. Io personalmente sono un grande fan della musica Soul di un tempo ad esempio, genere che adora anche Anthony, ma ascolto anche musica Indiana, etnica, Jazz, Blues ovviamente, musica classica, il Funk di New Orleans.Tutti generi che puoi trovare in una sola parola, il Rock. Silver è un batterista atipico, ascolta principalmente musica dove il batterista non necessariamente è in prima linea, è molto musicale e il suo modo di suonare riflette questa sua particolarità. Oggi molti batteristi ascoltano principalmente bands dove il batterista è molto tecnico, limitando l'ascolto principalmente al solo strumento, cosi succede spesso anche per i chitarristi, mentre Anthony ascolta molti cantanti ad esempio, essendo cantante anche lui, e questo lo si sente nel suo modo di suonare. Tutto ciò aiuta ad amalgamare il nostro suono. Diciamo che lavoriamo naturalmente alla "Tutti per uno, uno per tutti", è questo che crea la personalità di una band
Ad esempio Deja Vu with the Blues è una canzone molto eclettica. Come è nata?E' nata durante un nostro ritiro in montagna qualche anno fa, appunto per scrivere le canzoni per il disco. L'ho scritta partendo dal riff di basso e pensando al Rhithm ad Blues vecchio stampo, poi nella parte centrale c'è un'impennata jam con solo di Anthony per poi finire con un solo di Trombone di Mauro Ottolini. Ho pensato al trombone perchè è uno strumento che adoro e perche pensavamo ci stesse bene in quel contesto un po "Funk Jam". Mauro lo ha inciso dopo un solo ascolto del brano, alla prima take. Lui è uno dei migliori qui in italia e non solo ed anche un grande fan dei Led Zeppelin, tornando al discorso di prima..

Il vostro nome all'estero è conosciuto ed apprezzato. Fate Festival e Tour ogni anno. La situazione in Italia com'è, notate grandi differenze rispetto agli altri paesi europei? Insomma l'Italia vi va stretta?E' un discorso lungo e complicato.Stretta non direi, anche perchè abbiamo suonato molto in Italia, e nel tempo abbiamo costruito un discreto seguito. Va un pò di moda dire che qui la situazione è peggiore che in altri posti, ma non sono completamente d'accordo, anche perchè avendo girato molto ho visto situazioni simili un pò ovunque. C'è qualcosa di positivo e qualcosa di negativo in ogni stato, dipende dal tuo giro, dai tuoi contatti, dalle scelte che fai. Se parliamo di certi programmi televisivi certo è un disastro, ma non dimentichiamo che sono programmi che vengono dall'America e dall'Inghilterra, è un marcio e una politica di media un po "lava cervelli", viviamo in un mondo globale che dovrebbe tornare all'analisi singola e alla liberta di scegliere. Negli Stati Uniti ad esempio, dove ho diversi amici musicisti, è piu dura che da noi, suonano per le mance, a volte pagano pochissimo, a parte i grandi, ma che anche loro dagli stadi sono passati ai clubs e vanno di moda i tours a doppio nome per richiamare piu persone, oltre al fatto che molti di loro aspettano di venire in Tour in Europa, dove li pagano meglio e il pubblico è ancora piu vergine e curioso.Vige un clima di disinteresse delle persone, bisognerebbe fare molti passi indietro, il consumismo e anche la tecnologia, paradossalmente non hanno aiutato molto. Non sono contro la tecnologia, internet e iTunes, se sono usati in maniera corretta e se non intaccano incosapevolmente la nostra curiosità ed entusiasmo, cose fondamentali per la musica, che però possono perdersi con i vari youtube, facebook etc. Voglio dire, Facebook e Myspace sembravano una svolta, invece hanno creato un mare troppo grande, dando anonimato. Quando c'è troppo tutti diventano troppo poco e la visibilità che dovrebbe dare, invece porta a sterilità e invisibilità, facendo calare l'interesse e la curosità. I ragazzi dovrebbero staccare un pò di più il computer e l'iPod e prendere in mano più spesso gli strumenti e suonare, parlare, confrontarsi, discutere, conoscere...

Spesso girate il mondo in compagnia di Alvin Youngblood Hart. Quali sono i ricordi più belli di questi tour, dove siete stati?Il primo concerto che abbiamo fatto con lui fu nel Maggio del 2008, in un Festival in Olanda, senza prove, ci trovammo in aereoporto ad Amsterdam e dopo qualche ora eravamo sul palco:-), da lì poi moltissimi altri concerti e Tours: in Inghilterra, Danimarca, Francia, Svizzera, Italia, Germania e anche Brasile. Ricordi bellissimi per tutti i Tours, incontri, lunghi spostamenti in Van, diverse Jams con artisti di rilievo, Anthony ci ha seguito per parte dei tours, suonando con noi, a formazione due chitarre. Ho imparato moltissimo da lui, Alvin è uno che suona ininterrottamente dai primi anni '90, ha vinto un Grammy, partecipato a due films, suonato e girato in compagnia di Eric Clapton, Neil Young, Ben Harper, Taj Mahal (colui che lo ha scoperto), Allman Brothers, Gov't Mule, Black Crowes, Bonie Raitt, solo per citarne alcuni. E' un musicista vero e persona molto semplice e umile, di aneddoti ne potrei raccontare a centinaia, ma diventerebbe lunga:-). Ricordo con piacere la registrazione alla BBC di Londra, nello stesso studio dove Led Zeppelin e Free registrarono i loro "Live at BBC", questo durante il Tour Inglese del 2010, dieci date una dietro l'altra, ho visitato città bellissime e posti in cui mai sarei stato se non per la musica. Come ad esempio lo scorso Tour Europeo che abbiamo fatto con W.I.N.D. assieme a Johnny Neel, 17 date tra Germania, Austria, Belgio, Polonia, Calabria, posti e gente meravigliosi, ricordi indelebili, come anche la recente jam che io e Anthony abbiamo fatto assieme alla Warren Haynes Band in Polonia, lo scorso Agosto.

Anche se l'ascolto di una canzone come "Demons" potrebbe dire il contrario, recentemente (3 Dicembre) avete affrontato anche un concerto, completamente unplugged. Come è andata? Esperienza da ripetere?Demons è nata sempre durante il nostro ritiro in montagna, Anthony ha accordato la chitarra in modo aperto, poi un riff e io ci ho aggiunto la melodia, è nata subito e dal vivo ci piace riproporla anche in elettrico. Suoniamo a volte anche in acustico, lo scorso 3 Dicembre non era la prima volta, quando si presenta l'occasione ideale per un concerto unplugged, ci piace riproporre la musica che amiamo, il Soul, il Gospel, il Blues e anche il nostro Rock, spoglandoci dalla potenza dell'elettrico e concentrandoci sul calore e l'emozione dell'acustico, tornando alle radici.

Pensate che la formazione a tre sia la migliore per la vostra musica? Quali sono i power trio "indispensabili" nella storia del rock?Con la formazione a tre andiamo a nozze, vuoi perchè lascia spazio e dinamiche, vuoi perchè ci troviamo ad occhi chiusi e ci conosciamo molto bene musicalmente,avendo iniziato così. Ovviamente ci piace suonare anche in quartetto, con Johnny è stato bellissimo, ma il trio format si sposa benissimo con la nostra musica e la nostra personalità. Spesso invitiamo ospiti ai fiati, alle tastiere, qualunque strumento, abbiamo suonato adirittura con due batterie, con Gandhi, cercando di inserire l'ospite nel contesto giusto, ma il trio, se dinamico, vario e articolato musicalmente, ci da molta soddisfazione. Riguardo i power trios "indispensabli" direi Cream, Mountain, Hendrix, ZZ Top.

I 5 dischi che riescono a mettervi d'accordo?Ce ne sono molti che ascoltiamo tutti e tre. Ti potrei dire Led Zeppelin III, Blind Faith, Free, Ray Lamontagne, Crosby. Ma anche molte altre cose, vecchie e nuove: Hendrix, Cream, Derek and The Dominos, James Brown, Gov't Mule, Black Crowes, Bob Seger, Mountain...Ricordo che lo scorso tour eravamo tutti molto eccitati da "In The Jungle Groove" di James Brown, ma ascoltavamo anche Neil Young, Bob Marley.

Vorrei chiudere, ricordando un grande artista. Il 6 Febbraio scorso è morto Gary Moore. Secondo me, almeno qui in Italia non è stato celebrato a dovere. Concordate? Qual'è il ricordo più grande che avete di lui?Gary Moore era un gentleman, con lui abbiamo praticamente vissuto per dieci giorni, quando aprimmo il suo tour in tedesco di dieci date con Alvin Youngblood Hart's Muscle Theory come Special Guest, nel Marzo del 2009. Un'esperienza indimenticabile che mi ha insegnato ed arricchito molto, lui era molto discreto, invitava Alvin a bere la Guinness nel suo camerino prima dello show e guardava sempre i nostri concerti, ogni sera, dal backstage.
Suonammo in tutte le principali città della Germania, ed era quasi sempre sold out. Gary amava la musica, non ha perso con gli anni il suo entusiasmo, aspettava paziente tutto cio che in tour devi aspettare, anche perchè girava con cucina, catering, produzione, audio e luci e tutto il suo staff al seguito, e non andava quasi mai in Hotel per lungo tempo, se ne stava nel backstage, a suonare e a parlare, seguiva i lavori con interesse, curava molto bene il sondcheck, cenava assieme a tutti noi, alla sua band e allo staff. Porto un bel ricordo di lui, come musicista ed essere umano, parlava spesso di chitarre, il resto lo interessava poco.

Walking In A New Dirction avrà presto un successore?
Sì, ci stiamo lavorando, abbiamo già diverse idee e dei brani abbozzati, contiamo di registrarlo nel 2012.
Ti ringrazio molto per la tua intervista, ogni mattina quando mi sveglio mi rendo conto di quanto fortunati siamo a fare ciò che facciamo, a poter dividere amore e emozioni con la musica e con chi ci ascolta. L'emozione è tutto e l'amore la cosa che fa girare il mondo. La muisca è una cosa meravigliosa, che da forza, amplifica ed attenua le pene. Comporre musica, creare i versi è come fare un'incontro di pugilato e se alla fine del match hai qualche bella parola significa che ne hai prese tante.


Foto by Alessandro Laporta-FotoCesco


vedi anche RECENSIONE: W.I.N.D. - Temporary Happiness (2013)

RECENSIONE: TINARIWEN (Tassili)

TINARIWEN Tassili (ANTI Records, 2011)

Da alcuni anni, quando voglio ritrovare purezza nella musica, vado a cercare, almeno una volta all'anno, in luoghi lontani dove suonare rappresenta ancora qualcosa di magico e veramente mistico.
Chi è stato almeno per una volta nell' Africa sahariana e ha avuto modo di percorrere alcune strade lontane dai centri turistici, ha trovato un mondo al rallentatore, fatto di persone che camminano, apparentemente senza meta, lungo infinite strade polverose e altre, ferme, a gruppetti ai bordi di queste strade ad aspettare non si sa chi o cosa. Qualcosa di inconcepibile nella nostra assurda frenesia giornaliera. E' qui che pensi : a volte ci sarebbe bisogno di un lungo passo indietro.
Quello che i Tinariwen, originari del Mali, con Tassili sembrano voler fare, rispetto ai precedenti dischi che li hanno visti protagonisti, osannati ed incessati dai più grandi e disparati artisti occidentali.
Pur non abbandonando totalmente i contatti con il mondo musicale "evoluto", grazie soprattutto ad una manciata di ospitate di tutto rispetto, vi è la voglia di tornare a quella semplicità che i loro luoghi e la loro lingua madre (Tamasheq) impongono. Uno staccare la spina delle chitarre date in pasto al numeroso pubblico di un concerto, per preferire il calore acustico di un falò acceso in una fredda notte sahariana.
Chitarre, anche elettriche, ma soprattutto tante percussioni e battiti di mano ad accompagnare canzoni che fanno dei luoghi( il deserto ), la fede e l'appartenenza una ragione di vita, ma anche il rapporto con il sesso femminile non viene tralasciato(Tamiditin Tan Ufrawan e Tiliaden Osamnat).
Ibrahim Al Alhabib sembra voler guidare i suoi nomadi alla ricerca di una nuova compattezza dopo le rivoluzioni che hanno toccato i paesi nordafricani durante questo anno, che rimarrà impresso nei libri di storia."..Miei amici del Sahara, la nostra libertà non c'è più, restiamo uniti..." canta nella coralità di Imidiwan win sahara. Tutti valori che fuoriescono anche dai solchi di Tameyawt, nome degli abitanti di Timyawin, villaggio nel deserto sahariano, al confine tra Algeria e Mali. Dopo tutto, prima di essere musicisti, furono anche combattenti.

Un legame alla loro terra che rimane intatto, anche dopo aver viaggiato il mondo. TenereTaqhim Tossam lo spiega bene. Anche dopo aver visto luoghi ben più accomodanti, il richiamo della sabbia, dove l'acqua scarseggia e il caldo uccide, è forte e il ritorno assume ancora più magia e bellezza.
Se a Neil Cline dei Wilco è affidato l'onore di aprire l'album con la sua chitarra , nel crescendo di Imidiwan Ma Tenam, ai fiati dei dei The Dirty Dozen Brass Band, spetta il compito di colorare d'America Ya Messinagh.
I Tv On the Radio, nelle voci di Tunde Adebimpe e nelle chitarre di Kyp Malone sono ospiti in Walla Illa, Imidiwan win SaharaTenere Taqhim Tossam.
Un disco quasi ipnotico nel suo incedere, psichedelico, disintossicante e futuristico. L'essenzialità primordiale del blues. Perchè il mondo intero dovrà fare i conti con mamma Africa anche nella musica e i Tinariwen non sono altro che l'aspetto più esposto di un esercito di nomadi che vogliono far uscire le loro voci. C'è qualcuno che vuole riprendersi i diritti musicali che gli spetta. Difficile, non riuscire ad immedesimarsi , ascoltando le dodici canzoni del disco. Per cinquanta minuti si percorrono quelle strade polverose e solitarie , si cammina lentamente con la mente, senza una meta da raggiungere se non per (ri)prendersi una piccola e consolante disintossicazione giornaliera. Quasi una droga, pura e vitale, come il loro amato tea.



vedi anche: RECENSIONE/REPORT Live TINARIWEN live@Hiroshima Mon Amour, Torino 14 Aprile 2012

RECENSIONE: The BROWN SPACEBOB ( In The Jam LEM)

The BROWN SPACEBOB In The Jam LEM (Indie, 2011)

Gli amplificatori incandescenti piazzati al centro di Joshua Tree e le corse da inferno su ruote possono benissimo rivivere nel nord del Piemonte, senza che nessuna alterazione sensoriale ci aiuti ad immaginare il tutto.
The Brown Spacebob, sono attivi dal 2009 ma solo ora , dopo anni spesi in altre esperienze arrivano al primo lavoro autoprodotto.
Il loro percorso musicale è una continuazione attuale del movimento stoner che suonato venti/quindici anni fa, poteva apparire "moda", suonato oggi vuol dire totale amore e dedizione verso certi suoni che non hanno mai ottenuto la ribalta che altri movimenti del periodo ottennero(Grunge?), ma che si propagarono nel sottosuolo contaminando ed influenzando tanto quanto il Grunge. Cosa che avviene rappresentata benissimo durante l'ascolto di In The Jam LEM.
Ascoltando gli spazi dilatati dell'apertura John Quijote, dall'incedere psichedelico , con i suoi quasi otto minuti che si concludono sulle note spagnoleggianti di una chitarra; o le frequenze disturbate e il conto alla rovescia che introducono la circolare pesantezza space/psichedelica della strumentale Werner.
Ascoltando le più dirette ed immediate: Mork go to Work con le chitarre a duellare(Cristian Perini e Roberto Tobia), la più immediata Also Floats, guidata dal basso(Roberto Tambone), o gli sprazzi di rock'n'roll saltellante che esce da War.
Il retrogusto blues e settantiano, caro a gruppi come i Clutch, introdotto dalla batteria(Francesco tambone) che apre Monsterlike, con l'ottima coralità delle linee vocali(diverse e cangianti lungo tutto il disco) e il suo finale rallentato o nelle esplosioni che squarciano il lento incedere blues di Tainted che porta alla coda cosmic e jammata finale.
Canzoni che, come Reborn, anche quando chiamano in causa ingombranti riferimenti come l'ormai storico rifferama di Josh Homme e i più recenti QOTSA, riescono a nascondere spunti interessanti come le linee vocali e assoli di chitarra ficcanti.
Scorrevolezza d'ascolto che non guarda all'originalità ma che trasporta a quegli anni novanta fatti di rumore di ampli in saturazione che facevano da introduzione a sfocate e accecanti visioni. Amplificatori che aspettano un contratto discografico per viaggiare anche nel presente, lontani dalle mode, perchè dove c'è il fuoco di una batteria, un basso e due chitarre che suonano, non c'è posto per ciò che fa moda.

Per ascoltare tutto l'album in streaming: http://soundcloud.com/the-brown-spacebob

Per scaricarvi l'album gratis: http://www.tbsb.it/

INTERVISTA ai MOJO FILTER

A pochi giorni dall'uscita del loro album "Mrs. Love Revolution", i riscontri sono già molto positivi.
I Mojo Filter, qui rappresentati da Alessandro Battistini (Voce e chitarra)e Carlo Lancini(chitarra) ci raccontano la loro "personale" rivoluzione rock e come è nato un disco "vero, sincero e sofferto".





Avete una definizione o una piccola frase da lasciare a chi non vi conosce per presentarvi?
Alessandro: i Mojo Filter sono una rock and roll band… niente di più, niente di meno.

Il vostro è un disco costruito sull'impatto e sulla spontaneità live. Come è avvenuto il lavoro con Jono Manson e come vi siete messi in contatto con lui?Carlo: ho conosciuto Jono nel 2000, dopo un suo concerto a Chiari. Jono è un artista di talento ed una persona amabile e cordiale. Ad ogni sua tournee ci si incontrava, anche in occasione di qualche show privato. Gradualmente ho introdotto la musica di Jono al resto della band. Quando nel 2009 i Mojo Filter hanno iniziato a lavorare a del materiale originale dopo la classica gavetta, Jono si è interessato alle nostre canzoni e al nostro primo disco, l’ep The Spell, uscito a marzo 2010. Partendo dalle nostre idee, dai riff e dal songwriting di Alessandro abbiamo poi gettato le basi per Mrs Love Revolution, verso la fine dell’estate 2010.

Alessandro: il lavoro con Jono si è sviluppato sostanzialmente a distanza. A settembre-ottobre dello scorso anno gli abbiamo inviato la bozza delle canzoni che avrebbero composto Mrs Love Revolution. Insieme abbiamo discusso sulla direzione da prendere e su alcuni elementi di omogeneità. Non abbiamo avuto il benché minimo dubbio sulla strada da prendere e sul fatto che il disco dovesse essere registrato in presa diretta e con suoni veri. Durante le registrazioni con il tecnico del suono Mauro Galbiati, la direzione di Jono è stata principalmente gestita a distanza, mentre il missaggio è stato fatto nel suo studio di Santa Fe, negli Stati Uniti.

Qual'è la "rivoluzione" del titolo dell'album?
Alessandro: negli anni Sessanta, quando l’intero sistema era in crisi, gli hippie hanno intrapreso una rivoluzione pacifica (“Love Revolution”) a suon di rock and roll… la musica allora era anche un modo per rivendicare la propria identità, difendere l’originalità dei singoli e combattere un piatto e diffuso conformismo… questo disco è un nostro modesto tentativo di rompere con gli schemi attuali e con l’insulsa musica mainstream che le major ci costringono a sentire ovunque… questa è la nostra rivoluzione pacifica.

Carlo: i Mojo Filter sono una band molto unita e coesa, proveniente da background musicali simili, ma con percorsi personali diversi. Mrs Love Revolution arriva ed è stato concepito in un periodo difficile per tutti noi, per motivi differenti. Insomma, la famosa “crisi” c’è e si sente, sia dal punto di vista economico che di tensioni psicologiche… Credo che ognuno attribuisca a questo disco un significato anche intimo, un manifesto di una rivoluzione personale, che può anche rappresentare il primo passo per una svolta. Senza presunzione, non voglio parlare di successo e soldi, quella non è una svolta che ci appartiene, soprattutto in questo mondo e in questa vita. Piuttosto lo vedo come il nostro modo di sentirci parte di un mondo sempre meno popolato e sempre più isolato e pieno di insidie, quello dei musicisti rock, lontano dal mainstream, appunto…

Parole e musica hanno la stessa importanza nell'economia di una vostra canzone?
Alessandro: no, assolutamente. Apprezzo enormemente i bei testi, quelli semplici e pieni di significato, ma la nostra musica è più ritmo, vibrazioni, chitarre distorte… e comunque talvolta il messaggio può arrivare indipendentemente dal testo della canzone… è semplicemente nell’aria.

Carlo: Alessandro è sempre molto diretto ed essenziale, sia nel comporre che nel rispondere alle domande di un giornalista. E’ fatto così! Provo ad estendere il concetto…l’elemento portante è quello musicale, il testo spesso arriva in una seconda fase. Proviamo comunque, a nostro modo, a far passare “il messaggio”. Penso a What I’ve Got: oggi in un battito di ciglia chiunque può volare a Shanghai, ma poi nessuno di noi ha una direzione, è perso. Gli imbonitori oggi ci vendono un sacco di stronzate, ma noi vediamo tensione, disoccupazione, disillusione e smarrimento. Liar (bugiardo), titolo inequivocabile, parla della fede persa…

In molte vostre canzoni, compare una componente molto soul che mi riporta a gruppi come i Creedence Clearwater Revival, in grado di unire soul, country, blues e rock'n'roll. Quali sono le vostre principali influenze?
Alessandro: Creedence, appunto, ma anche Led Zeppelin, Hendrix, Rolling Stones, Cream… ci piace il rock blues degli anni Sessanta, quello grezzo, diretto e senza troppi fronzoli.

Carlo: la nostra formazione è di quattro elementi, tipicamente rock. Ed è giusto che se tu trovi in noi elementi soul, il primo riferimento vada ai Creedence. La forma e la sostanza stanno lì. Ed effettivamente l’elemento soul c’è, e sta anche nella voce di Alessandro, che riesce ancora, ogni volta, a sorprendermi.


Las Vegas, musicalmente si stacca notevolmente dal resto dell'album. Come è nata?
Alessandro: il pezzo vuole essere un momento di rottura nella continuità del disco. La canzone è nata nel deserto dei Mojave, in viaggio verso Las vegas…è incredibile: dal nulla, all’improvviso, salta fuori un luogo assurdo, fuori dal mondo e dal tempo… una vera e propria città dell’oro dove gente da tutto il mondo arriva alla ricerca della propria pepita…magari anche con un sogno da realizzare….

Avete avuto modo di aprire per nomi di tutto rispetto del rock americano (Willie Nile, North Mississippi All Stars...), come sono state queste esperienze e quali segreti siete riusciti a carpire a questi artisti?
Carlo: Onestamente l’incontro con Willie Nile è durato il tempo di consegnargli il nostro primo disco, mentre Luther e Cody Dickinson sono stati molto cordiali e disponibili. Hanno apprezzato il nostro rock e – subito dopo il nostro set - ci han fatto molti complimenti. Luther e Alessandro hanno in comune una bella collezione di chitarre, sulle quali si sono confrontati. E’ stato interessante vedere come Luther le gestiva e come giravano feeling, groove e dinamiche all’interno di un power duo. Credo sia stato uno dei nostri migliori set, abbiamo assistito poi ad uno show intenso e il post-concerto è stato decisamente gratificante ed istruttivo. D’altra parte, sono i figli di Jim Dickinson…

Alessandro: personalmente sono rimasto colpito dalla naturalezza con cui questi musicisti affrontano la scena…

Cosa vuol dire suonare rock'n'roll nella provincia italiana e cosa pensate della scena rock italiana?
Alessandro: qualcuno può considerare assurdo suonare rock and roll in un paese che ne è l’antitesi assoluta, ma il rock è proprio questo: lo fai perché ne hai bisogno, non esistono alternative ne spiegazioni.

Carlo: come già ti ho detto, fare rock and roll vuol dire far parte di un piccolo mondo in estinzione. Un mondo che si arrabatta fra mille difficoltà, spesso ostacolandosi da solo… Purtroppo fare rock originale in Italia vuol dire confrontarsi anche con situazioni che di rock non hanno proprio niente. Spesso si fa confusione: c’è chi tenta di dare un messaggio intimo e personale – noi come tanti altri – e chi si limita a clonare. Purtroppo la gente non è in grado di scindere le categorie. E questa è la cosa peggiore. Frank Zappa diceva “nella lotta fra te e il mondo, stai dalla parte del mondo”. Ma credo fosse un consiglio che neppure lui ha mai seguito. E noi facciamo la stessa cosa. Suonare rock and roll vuol dire soffrire, sudare e fare molti chilometri per cercare la propria “strada”, senza la certezza di trovarla. Stare dei giorni su una canzone, discutere ed arrabbiarsi durante la registrazione di un disco, mangiare in due minuti mentre il fonico è a pisciare e trovare un riff che trasforma una canzone mentre bevi un caffè alle otto di mattina, prima di ripartire con le registrazioni. Ed Alessandro in questo è un maestro.


Quali sono i vostri obiettivi futuri?
Alessandro: suonare il più possibile

Carlo: nell’immediato la cosa che più ci interessa è riprendere l’autostrada e suonare le nostre canzoni ovunque e il più possibile. Come ha detto prima Alessandro, ne abbiamo bisogno…sembra retorica, ma è così ed è una necessità. Sicuramente c’è la voglia, da subito, di continuare la nostra piccola rivoluzione con un nuovo disco. In cantiere ci sono almeno 20 canzoni nuove sulle quali lavorare.

Se poteste scegliere un solo artista italiano o straniero con cui collaborare chi scegliereste e perchè?
Alessandro: Jono Manson a parte, io ne dico due: Dan Auerbach e Patrick Carney, i Black Keys.

Carlo: a questo punto, io dico Jack White e Ethan Johns. Jack White è grezzo e geniale, rigenera il country e il rockabilly, crea i Raconteurs e distrugge i White Stripes. Ethan Johns ha lavorato su dischi importanti.

Tre buone ragioni per avvicinarsi al vostro disco?
Carlo: Mrs Love Revolution è stato una necessità. Uso tre aggettivi per tentare di semplificarlo, anche se è difficile: vero, sincero e sofferto.

Alessandro: me ne viene in mente solo una: è un bel disco.



vedi anche RECENSIONE: MOJO FILTER-Mrs.Love Revolution (2011)



vedi anche RECENSIONE: MOJO FILTER-Roadkill Songs (2013)

RECENSIONE: NILS LOFGREN (Old School)

NILS LOFGREN Old School ( Vision Music, 2011)

Il piccolo Nils, l'ultimo entrato nella E Street Band, 27 anni fa,(escludendo il tastierista Charlie Giordano e la violinista Soozie Tyrell ), d'ora in avanti, ne siamo certi, si ritaglierà un posto maggiore alla destra del grande capo(il tour estivo di Springsteen è alle porte). Tutto, suo malgrado. Lui avrebbe continuato volentieri a stare sotto l'ombra del gigante Clarence, fare le sue piroette chitarristiche e proseguire il suo prezioso lavoro di gregario con gli occhi vispi di Federici puntati addosso. Il destino purtroppo non avvisa e in poco tempo riesce a cambiare le carte in tavola, a suo piacimento e poco si può fare se non continuare a portare avanti lo show e fare quello per cui si è nati.
Old School, anche se idealmente nato e progettato prima della scomparsa di Clemons, nel titolo nasconde una piccola dedica a quella vecchia scuola che traina ancora il rock'n'roll, di cui il sassofonista e il tastierista erano buona immagine.
Lofgren vanta una carriera strabiliante all'ombra dei grandi, contribuendo alla fortuna di due delle più grandi rock band americane: i primi Crazy Horse(esperienza breve) e la seconda incarnazione della E Street Band, quella che iniziò a frequentare i grandi stadi. Carriera iniziata appena diciasettenne come pianista e chitarrista di Neil Young e lasciando i suoi contributi sugli imperdibili After the Goldrush(1970) e Tonight's the Night(1975) e sul trascurabile Trans(1982).
Entrato quasi per caso, è in pianta stabile nella E Street Band dal 1984. Non ne è più uscito, ed ora, ne è un senatore tanto quanto i "vecchi" Van Zandt, Tallent, Bittan e Weinberg.
La carriera di Lofgren è anche piena di tanti dischi solisti, spesso passati inosservati. Non so il perchè, ma credo che questo avrà il giusto palcoscenico che si merita. L'ondata emotiva purtroppo ne è complice. Ma Danny e Clarence ne sarebbero contenti, soprattutto perchè è un bel disco, sentito.
Old School presenta tutto il range musicale del sessantenne Lofgren, recentemente, anche lui alle prese con problemi di salute fisica. Una voce non strabiliante ma profonda e credibile(quella che solo i chitarristi possiedono, tra Richards e Wood, ma molto meglio), le sue chitarre acustiche ed elettriche suonano alla grande e il livello di songwritings delle canzoni si attesta su livelli più che eccellenti, andando ad esplorare più territori (particolare, è certamente la riuscita Dream Big, tra fiati e beat elettronici) con un suono molto vero e live, anche se a conti fatti le ballads trionfano. Anni al fianco di mostri come Young e Springsteen si fanno pesare in positivo.
Omaggio al tempo andato e a quello che verrà: Old School tra Rock'n'roll e Jersey Sound. I fiati soul di Greg Varlotta interagiscono con le chitarre e le voci di Nils e dell'ospite Lou Gramm, vocalist dei Foreigner; 60 is the new 18 è un attestato di vitalità e non resa su un tambureggiante garage rock; Miss you Ray è la ballad omaggio a Ray Charles che può tramutarsi in omaggio agli amici Danny e Clarence, siamo sui territori dello Springsteen post 11 Settembre.

Love Stumbles On, il rock teso e chitarristico di Ain't too many Of Us Left con la voce soul di Sam Moore; il bel blues Amy Joan Blues, con le slide e con il sempre giovanile(anche Lofgren comunque non scherza) ex Free, Paul Rodgers a duettare, sono il lato più rock del disco.
L'altro lato si presenta più meditativo e riflessivo. Irish Angel è una delicata canzone scritta dal songwriter Bruce McCabe, When you're Mine è una ballad springsteeniana fino al midollo così come Just Because you love me , sentita dedica alla bella compagna Amy , con un suono che ci riporta ai tempi di Born In the USA.
A chiudere il chitarrismo sognante da grandi spazi di Why Me, questa sulla scia di Young, degna chiusura di un disco piacevole e superiore alle mie aspettative.
Ora lo aspettiamo, lì alla destra di Bruce, attendendo le sue giravolte con una grande ombra e i vispi occhi che lo seguono ancora. Stavolta da un posto molto speciale e privilegiato, lassù.

RECENSIONE: The BLACK KEYS (El Camino)

The BLACK KEYS El Camino (Nonesuch Records, 2011)

I Black Keys si divertono e noi con loro. Piazzano un minivan vintage(Chrysler) in copertina(...e un'altra ventina tra nuovi e usati nel booklet, degno di una rivista stile "Quattroruote"), intitolano il loro album El Camino come la famosa chevrolet che non c'entra nulla con la foto e registrano l'album a Nashville, patria del country , nuovamente sotto la regia di Danger Mouse, già produttore del loro "Attack & Release"(2008) e con lo zampino anche nel fortunatissimo album "Brothers"(2010), che fece anche incetta di Grammys. Tutte nozioni che potrebbero portare a leggere l'album sotto l'aspetto sbagliato. Perchè i Black Keys sopra al van, sembrano salirci e ripercorrere a ritroso il cammino della loro carriera e Nashville non è altro che la nuova città dove Dan Auerbach abita e dove si è costruito il suo personale studio di registrazione(Easy Eye Studio). Un ritorno alle radici istintive e primordiali del loro essenziale rock'n'roll, rivisto e rivisitato con le esperienze accumulate fino ad ora. Abbandonando, seppur non totalmente, l'impronta soul e black di "Brothers"( tracce di quell'album sono ancora presenti in Stop Stop e disseminate in buona quantità in tutto il disco) per tuffarsi in canzoni più dirette e snelle ma che mantengono tutte quelle sfumature che l'incontro con Danger Mouse(Gnarls Barkley) ha fatto uscire, più tante altre nuove influenze incontrate strada facendo. Tastiere vintage suonate da B.Burton, inoltre, rimpolpano la musica del duo che da minimalista è diventato una calda e revisionistica band con il presente sempre ben focalizzato che sa unire pop e rock mantenendo quel sapore di antico che li rende, oggi come oggi, unici.
El Camino è quindi la strada che i nostri hanno percorso durante gli ultimi due anni di tour, strada che è stata la madre di queste undici canzoni spalmate in quasi quaranta minuti. Già ci avevano avvisato, nelle prime indiscrezioni, che i suoni sarebbero stati figli di The Clash e The Cramps e le promesse sono in parte mantenute, purchè non cerchiate il grezzo blues dei primi dischi perchè di esso non vi è più traccia se non nei loro infuocati set live. Il primo singolo Lonely Boy, già da qualche settimana era entrato in circolo con i suoi riff di chitarra che sembravano sbucare dai riccioloni glam di Marc Bolan e i suoi T.Rex e un appeal soul che furiusciva dai chorus femminili. Un brano sulle pene in amore che cattura al primo ascolto. Difficile starsene fermi. Dead and Gone è una London Calling immersa nel bagno soul dei suoi coretti, e ancora i Clash "contaminati" fuoriescono da Hell of a season che presenta un inusuale intermezzo reggaeggiante. Little Black Submarines parte come una delicata ballad per sola voce e acustica, sembra un estratto dell'album solista di Dan Auerbach(il bellissimo "Keep It Hid", uscito nel 2009) fino a metà canzone quando entra un'elettrica e la terremotante batteria di Patrick Carney. La canzone cambia totalmente umore. Davvero difficile non pensare ai Led Zeppelin di IV. Ritorna il blues: nell'evocativa Run Right Back, una delle mie tracce preferite, faceva da retro al singolo Lonely Boy e nasconde uno dei migliori riff del disco, insieme a Gold on the Ceiling, pura e contagiosa con gli incalzanti clap-hands; alla più cattiva e settantiana Money Maker e la finale Mind Eraser. Stravaganze ben riuscite sembrano essere:Sister, marziale e ordinata, con uno strano sapore new Wave e ottantiano, inusuale e piacevole così come Nova baby che strizza l'occhio agli U2 di metà carriera nell'apertura del ritornello e nel chitarrismo alla The Edge. I Black Keys recuperano l'essenzialità e l'urgenza sacrificata in Brothers, senza rinunciare a battere strade nuove, sporcando in continuazione il loro suono che dopo sette album poteva diventare stanco e di routine. Tradizione e presente hanno trovato la loro unione. Sicuramente sono diventati una portata in grado di sfamare più di un ascoltatore di musica. I loro divertenti video promozionali si diffondono e il loro nome non è più nella bocca dei pochi. Ora sono attesi nella loro tappa italiana all'Alcatraz di Milano il 30 Gennaio 2012. Io non mancherei...Sold Out permettendo.

vedi anche RECENSIONE: THE BLACK KEYS- Brothers (2010)

RECENSIONE: ZZ TOP-AA. VV. ( A Tribute From Friends)

ZZ TOP AA.VV. A Tribute From Friends ( Show Dog, Universal Music, 2011)

Si potrebbe quasi dire che Billy Gibbons se le canti e se le suoni, o meglio che le band se le scelga e le faccia suonare. In attesa del nuovo album, prodotto da Rick Rubin, che sarà il seguito del poco riuscito Mescalero, ultimo disco in studio dei texani e ormai lontano, essendo uscito nel 2003, gli ZZ Top, nella persona del barbuto chitarrista come supervisore, fanno uscire un appetitoso aperitvo che servirà a creare attesa e attenzione, traghettando i fans verso l'uscita del nuovo album.
Gli ZZ Top tributano se stessi, scegliendo nell'ampio mondo musicale, guardando molto al presente e bisogna dire in modo coraggioso, vario ed originale. Gibbons comunque non ha mai negato collaborazioni e passione per suoni più moderni e gli ZZ Top (e la loro discografia) parlano chiaro, a volte esagerando anche troppo. Poi, che senso avrebbe avuto chiamare vecchi coetanei a rifare le loro canzoni, anche se, vedremo, non mancano nemmeno quelli. Tutti comunque hanno rifatto le canzoni in modo devoto e passionale chi stravolgendo le originali e chi no, dimostrando quanto i barbuti texani hanno comunque influenzato il blues e l'hard blues.
Ed eccoli, subito in apertura, i più vecchietti della line up: sotto l'acronimo The M.O.B. si nascondono i due Fleetwood Mac, Mick Fleedwood alla batteria e John McVie al basso con Steven Tyler (Aerosmith) alla voce e il giovane Jonny Lang alla chitarra. Sharp Dressed Man ricalca l'originale con l'aggiunta della voce di Tyler che tra una rovinosa caduta e l'altra(palco e doccia sono il suo forte ultimamente) si conferma grande vocalist.
Spazio alle giovani leve quindi. Chi rimane fedelmente sul pezzo: come gli australiani Wolfmother, forti della personalità e voce plantiana del cantante e chitarrista Andrew Stockdale in Cheap Sunglasses; la miglior formazione hard/metal degli ultimi anni, i Mastodon (perchè Lou Reed non ha scelto loro per musicare "Lulu"?) alle prese con Just Got Paid e la bella, sensuale e brava Grace Potter con i suoi Nocturnals, che canta Tush come avrebbe fatto Janis Joplin ai tempi.
C'è poi chi estremizza i suoni come i Nickelback che appesantiscono a dismisure Legs, rendendola comunque piacevole o la personale band dell'ex bassista dei Guns'n' Roses, i Duff McKagan's Loaded che rivestono di sleaze rock'n'roll, Got me Under Pressure.

L'immortale La Grange viene trasformata in una lunga jam che tocca gli otto minuti dal songwriter country americano Jamey Johnson. Più che riuscita.
Chi dona maggiormente il proprio tocco personale alla canzone sono gli industrial /rocker Filter con una Gimme All your Lovin, rilucidata completamente a nuovo.
Senza infamia e senza lode Beer Drinkers and Hell Raisers dei Coheed & Cambria e Waitin' for the Bus / Jesus Just Left Chicago rifatta dai Daughtry, usciti vincitori, anni fa, da American Idol e dir poco pessima Rough Boy che Wyclef Jean rifà in modo asettico, soporifero ed inutile.
Il classico disco "poco utile" ma piacevole che guadagna mezzo punto in più solamente perchè messo in piedi dalla stessa band texana.
Ora avanti con Rubin e gli originali, però.

INTERVISTA: The CYBORGS

Arrivano dal futuro,suonano blues, i loro nomi sono ZERO e ONE. Le loro facce? Nascoste da due maschere da saldatori.
Il disco omonimo, uscito quest'anno e i loro live set sono stati una delle migliori sorprese dell'anno.
Da un piccolo locale svizzero, dove la loro astronave ha fatto tappa, tra una data e l'altra del tour europeo, i The Cyborgs hanno trovato il tempo per rispondere con il loro linguaggio stringato da "codice binario" ad alcune domande.


Ormai è noto che voi provenite da un altro pianeta. Da dove esattamente...e perchè avete scelto l'Italia per diffondere il verbo del "blues"?
Non è dato sapere da dove veniamo, ma di sicuro ne abbiamo viste tante... l'Italia è sicuramente un posto dove i nostri corpi possono trovare la giusta temperatura... inoltre è molto vicino all'Africa, la patria reale del blues.

Cosa si dice del nostro paese in giro?
Si dice che adesso è ora di cambiare...

Avete già trovato qualche buon compagno di viaggio in Italia? C'è qualche artista blues italiano con cui andate d'accordo?Fino ad ora abbiamo avuto il piacere di condividere palchi con numerosi artisti italiani e non... tra i tanti ci piace ricordare l'esperienza vissuta con i WAINES, artisti siciliani con cui abbiamo instaurato un ottimo feeling.

Avete già viaggiato negli States? Vi piacerebbe?Si, ma non portando i Cyborgs su un palco... presto pensiamo di farlo.

Perchè avete scelto il blues? Non c'erano generi più moderni ,adatti a voi che provenite dal 2110?Cosa credi possa esserci meglio del Blues ?


Il vostro è un blues povero e minimale, quasi primordiale. Che strumenti suonate esattamente e non pensate, in futuro, di usare altri strumentisti insieme a voi?Ci esibiamo cercando di suonare contemporaneamente piu strumenti, e spesso suoniamo quello che capita. Saremo sempre e solo ZERO e ONE, almeno finchè il codice binario non cesserà di esistere.

Di cosa parlano le vostre canzoni? Mi ha colpito soprattutto No!No!No!...Parlano di ciò che abbiamo visto dall'interno dei nostri elmetti da saldatori.Parlano del futuro, e non dicono nulla di buono, purtroppo.
Ci saranno momenti migliori, in questo confidiamo...

Avete da poco registrato il vostro primo video ufficiale di Dancy. Come è avvenuto l'incontro con il regista Ivan Cazzola..siete soddisfatti dei risultati?Dancy è uno dei tanti video che abbiamo prodotto, e come in ogni nostra produzione non ci chiediamo mai se siamo soddisfatti.

Il progetto con Studio Blu 2.0 di Torino , invece, in cosa consiste?E' un progetto di 12 monografie sul Blues in Italia... molto interessante.
Ci siamo molto divertiti a raccontare la nostra storia attraverso foto e musica.

Quest'anno avete aperto per Jeff Beck e avete seguito il tour italiano di Eric Sardinas. Come sono andati i concerti e siete riusciti a comunicare con questi artisti e il loro pubblico?Sia per Jeff Beck che per Sardinas siamo stati contenti di trovare un pubblico attento e preparato alla nostra musica.
L'esperienza con Eric Sardinas è stata sicuramente la piu interessante. Lo abbiamo seguito in tutte le sue date italiane, e abbiamo stretto con lui un'amicizia che è andata oltre la musica. Grande uomo e grande musicista...



Se aveste la possibilità di collaborare con qualche nume tutelare del blues del passato o anche del presente chi scegliereste e perchè?Ce ne sarebbe piu di uno... indubbiamente Fred McDowell, R.L.Burnside, Son House, e il perchè si puo intuire ascoltando la loro musica.

Avete tre dischi del "genere" che vi portate sempre con voi durante i vostri viaggi temporali e a cui non rinuncereste mai?Non portiamo mai dischi con noi... preferiamo cercarli e trovarli ogni volta che viaggiamo. Ogni viaggio e ogni momento ha la sua colonna sonora...

Fra poco partirete per l'estero. Dove andrete? Avete già pianificato il vostro 2012, sarà un anno che dovremo temere?Siamo già in giro per l'europa... in questo momento scriviamo da un piccolo locale di un piccolo paesino della Svizzera.
Domani saremo in Germania... e poi ancora in giro... (le date del tour europeo si possono prendere da qui: http://www.facebook.com/#!/thecyborgsboogie?sk=app_123966167614127)...
Nel 2012 avremo ancora molto da fare. A gennaio saremo di nuovo in Olanda per l'eurosonic festival a Groningen e poi ancora in Italia per molti concerti...
Stiamo inoltre preparando il nostro nuovo disco, quindi suppongo proprio che il 2012 sarà un anno da temere....

Foto by KASCO Design http://kascodesign.deviantart.com/






RECENSIONE: THE CYBORGS -the Cyborgs (2011)

RECENSIONE: BOB SEGER (Ultimate Hits:Rock and Roll Never Forgets)

BOB SEGER Ultimate Hits:Rock and Roll Never Forgets ( Capitol, 2011)

L'impatto della musica di Bob Seger sul suolo del rock'n'roll americano è stato , almeno negli anni settanta, squassante più di quanto si possa pensare. I suoi dischi hanno generato schiere di nuovi cantautori rock, hanno venduto tanto e sono stati le cartucce dinamitarde per i suoi esplosivi set live. Un culto in patria che, inspiegabilmente, non ha attecchito ugualmente nel resto del mondo. Mentre lui aprì tante strade negli anni settanta, altri nel decennio successivo ne goderono i benefici in termini di popolarità, rubandogli la scena, approfittando anche di una ispirazione in fase calante. Il suo blue collar rock, tra sogno e autostrade, sarà setacciato da altri artisti (inutile fare nomi) che ne faranno una bandiera di appartenenza.
Anche se nell'ultimo ventennio si contano più raccolte che album di studio, questo doppio Cd, approfitta per racchiudere in una sola confezione il suo meglio, includendo anche 4 canzoni inedite ed un booklet di 24 pagine bello ed asaustivo.
Purtroppo pur essendo un doppio cd taglia di netto in maniera completa la prima parte di carriera di Seger, quella sicuramente con meno successi commerciali e canzoni conosciute, che va dal primissimo disco Ramblin' Gamblin' man nel 1968, rappresentato solamente dalla versione mono della title track, passa per dischi come Noah(1969), Mongrel(1970), Brand New Morning(1971), Smokin'O.P.'s(1972), Seven (1974), qui completamente saltati ed ignorati seppur rappresentanti del periodo più prolifico fatto di garage, soul e psichedelia che apriranno le porte al successo di metà anni settanta. Solamente Back in '72 è presente con l'immortale Turn the page ( sì, proprio quella che rispolverarono i Metallica nel loro Garage Days Revisited), in versione live.
La data di partenza della raccolta può benissimo essere fissata al 1976 con l'uscita di Beautiful Loser da cui vengono estrapolate il rock'n'roll '50 di Katmandu e le due versioni live di Travellin' man e Beatiful Loser registrate a Dretoit per Live Bullet, uno dei più intensi, scoppiettanti e rappresentativi live album della musica rock e vero e proprio trampolino di lancio per Seger che da lì in poi, in compagnia della sua macchina da rock'n'roll, la Silver Bullet Band, non sbaglierà più un colpo, almeno fino al 1982.
Artista dal grande carisma che sapeva coniugare il grezzo rock'n'roll con il calore della soul music, il southern con la melodia di ballate che trovavano nell'energia di un palco il luogo ideale per essere rappresentate, più di quanto potessero dire i suoi best sellers di carriera, racchiusi nel periodo 1976-1982(Night Moves, Stranger in Town, Against the Wind, The Distance) da cui proviene il grosso di questa raccolta.
Dal rock'n'roll di Rock and Roll Never Forgets, Old Time Rock & Roll, Hollywood Nights, Her Strut alle spruzzate di soul Night Moves, al blues di The Fire Down Below, le countryeggianti Mainstreet, Fire Lake e Shame on the moon, alle sognanti ed evocative e pianistiche Still the Same e Against the wind, tutte entrate nella cultura musicale americana e nelle radio del grande paese da cui usciva la sua riconoscibilissima voce.
Gli ultimi trent'anni lo vedono in disparte ad osservare la scena, qualche sprazzo: Live a Rock, dall'omonimo del 1986, Shakedown dalla colonna sonora di Beverly Cop II del 1987 e Wait For me dal buon ritorno sulle scene di Face The Promise del 2006.

Fino a qui, tutto quello già edito. Le uniche novità di questa raccolta, sono la cover della natalizia Little drummer boy, già edita nel 1987 e per la prima volta in un suo disco, la ripresa non originalissima di Downtown Train, canzone di Tom Waits tra le più coverizzate del repertorio del cantautore di Pomona e lo scatenato rock'n'roll Hey Hey Hey Hey (Going Back to Birmingham)di Little Richard.
Il ritorno ad una intensa attività live ( in questi giorni è impegnato in un tour americano) e in studio di Seger per dare un seguito all'ultimo e discreto Face The Promise del 2006 sarà quindi anticipato da questa raccolta, rivolta principalmente a chi non conosce la musica dell'ex ragazzo capellone del Michigan. Qualche inedito potrà far gola anche agli irriducibili, pur non avendo il crisma degli imperdibili.
27 canzoni che purtroppo non riescono ad essere definitive, perchè la mancanza dei primissimi dischi si fa pesare. Comunque vista la qualità di quello che c'è, due ore di buon ripasso durante le feste natalizie sono assicurate.

BRUCE SPRINGSTEEN: TRE concerti a Giugno. Ecco le date!

Alle 00:22(notare l'ora:esattamente la stessa che portò tanti guai nel 2008, durante l'ultimo concerto a Milano, per via dello sforamento dall'orario imposto) di Martedì 22 Novembre , il promoter della Barley Arts, Claudio Trotta, dopo giorni di indizi, ha comunicato ufficialmente, dalla sua bacheca facebook, le tre date dei concerti di Springsteen con la sua E Street Band in Italia nel Giugno del 2012.

Eccole:

7 Giugno MILANO-Stadio San Siro
10 Giugno FIRENZE-Stadio Franchi
11 Giugno TRIESTE-Stadio Nereo Rocco

Il prossimo anno ucirà anche il suo nuovo disco, di cui si sa ancora pochissimo.
Tutte le notizie relative ai concerti: posti, prezzi e prevendite sono già sul sito ufficiale Barley Arts.
http://www.barleyarts.com/News/1/5/7503/e-ufficiale-gioved-7-10-e-11-giugno-il-boss-torna-in-italia

RECENSIONE: BRUCE SPRINGSTEEN-Wrecking Ball (2012)

RECENSIONE:BRUCE SPRINGSTEEN live SAN SIRO, Milano 7 Giugno 2012