EUGENIO FINARDI: gli ANNI '70

Uno dei suoi ultimi e splendidi dischi, "Anima blues" uscito nel 2005, è stato definito dal suo autore come il "il mio primo vero disco". Finardi si cimenta con canzoni originali, tanto vicine al delta del Mississipi, sfiorando anche l'hard blues, e scrivendo interamente in inglese, sua madrelingua, lui nato da madre americana nel 1952.
Questa sua affermazione, però, non è un rinnegare il passato ma il momentaneo punto di arrivo nel presente di un artista che ama la musica a 360 gradi, che ha vissuto sulla pelle tutte le fasi che un musicista di successo, a volte, è anche condannato a vivere. Gli inizi ribelli in un'Italia veramente sotto il terrore, gli anni ottanta di plastica con le pressioni delle case discografiche e la popolarità in declino, la rinascita degli anni novanta e lo sperimentalismo degli ultimi anni che lo hanno portato oltre che sulle vie del blues ad avvicinarsi alla musica sacra e alla classica. Il suo continuo mettersi in gioco lo ha fatto uscire dai grandi circuiti: mentre suoi affermati colleghi continuano a riproporre la solita minestra riscaldata, sicura e finanziariamente conveniente, Finardi segue il suo istinto da esploratore.
Il grande merito e l'importanza di Finardi negli anni settanta, quando in Italia dominava la classica figura del cantautore, è stata quella di abbinare ai testi, i suoni provenienti da oltreoceano che fossero soul, blues, rock, punk o reggae. Musicalità che aveva già nel suo DNA, essendo nato e cresciuto in America e cresciuto da una madre cantante lirica ed un padre tecnico del suono. Era quindi normale comporre canzoni in un certo modo, affrontando nei testi quei temi fino ad allora sconosciuti ai grandi cantautori dell'epoca.
Se dobbiamo far nascere l'alternative rock in Italia, Finardi fu senza ombra di dubbio uno dei precursori: poco incline agli schemi fissi ma voglioso di raccontare le cronache e gli avvenimenti sociali con la musica senza tralasciare argomenti in quegli anni tabù come droga e sesso, legandoli spesso e volentieri alle proprie esperienze personali. L'esperienza con la prima e più importante etichetta alternativa indipendente italiana, la Cramps, il forte clima politico dell'epoca (spararono anche sul palco ad una sua esibizione), l'omaggiare i grandi del rock facendo cover durante i concerti, bastano a fare di Finardi uno dei più importanti musicisti italiani, purtropppo spesso in secondo piano.



Ecco allora una veloce discografia commentata dei suoi primi cinque dischi, tutti incisi negli anni settanta e a loro modo, tutti degni di essere ascoltati da chi ora ascolta il cosidetto rock alternativo italiano( proprio Finardi, sempre attento alla musica che lo circonda, indicò in Manuel Agnelli degli Afterhours il suo successore).

NON GETTATE ALCUN OGGETTO DAI FINESTRINI (1975)
Cresciuto a pane e musica, Finardi dopo aver collaborato come musicista con diversi gruppi tra cui Stormy Six, Biglietto perl'inferno, forma insieme all'amico fraterno Alberto Camerini il gruppo Il Pacco. Della band uscirà solamente un 45 giri per la Numero Uno di Mogol/Battisti. Nel 1975, la sua frequentazione nel circuito rock italiano dell'epoca e l'amicizia con gli Area lo porta a firmare un nuovo contratto con la Cramps di Gianni Sassi. Esce così il suo primo disco solista, un album che coniuga alla perfezione il cantautorato tradizionale italiano con il rock anglosassone. Aiutato dagli amici di sempre tra cui Camerini alle chitarre, Walter Calloni alla batteria e Lucio Fabbri al violino, l'album si compone di otto pezzi di denuncia sociale come la rivisitazione rock di Saluteremo il signor padrone (scritta dalla coppia di folk singer nostrani Marini/Della Mea) l'antimilitarista Quando stai per cominciare (...ma quando stai per cominciare, ti chiamano a fare il militare e lì ti tolgono ogni diritto, puoi solo stare zitto ed obbedire e li ti insegnano che il dovere è solo rispettare chi ha il potere...), la sempre attualissima Afghanistan, Se solo avessi o l'invettiva sulle forze dell'ordine Caramba. C'é spazio anche per cimentarsi con la west coast californiana di Taking it easy in inglese.
SUGO (1976)
Se l'esordio destabilizzò il mondo musicale italiano, la seconda prova Sugo, solo un anno dopo, rafforza e consolida Finardi come una delle migliori promesse del rock italiano. Forte dell'esperienza live, aprendo i concerti di un De Andrè che appariva per la prima volta in pubblico, iniziano ad affiorare le prime canzoni che diverranno dei classici. Gli amici Area aiutano in fase di composizione e si sente: ascoltare Quasar.
La musica ribelle apre il disco in modo teso e pesante,con il messaggio ed invito quasi punk ad usare la musica come un fucile, musica che esce dalle radio libere di quei tempi. A questi mezzi di comunicazione dedica La Radio, lui che nei primissimi anni settanta fu tra i primi dj a far passare alcuni tipi di musica in Italia (il reggae di Bob Marley). E poi ancora il consumismo trattato in Soldi e la vita "on the road" del musicista raccontata in Sulla strada. Il bel invito che traspare da Oggi ho imparato a volare (...sembra strano ma è vero, c'ho pensato e mi son sentito sollevare come da uno strano capogiro il cuore mi si è quasi fermato e ho avuto paura e sono caduto ma per fortuna mi sono rialzato e ho riprovato...) e il rock-reggae di la C.I.A.. Il disco si chiude con La paura del domani, un monito ad unire le forze per cambiare il futuro.
DIESEL (1977)
E' un Finardi inarrestabile quello che si presenta alla terza prova in tre anni: testi scomodi e politicamente contro. Attacco rock'n'roll con Tutto subito, contro le false promesse della classe politica. Attacca anche la pubblica istruzione in Scuola, rea di non formare i ragazzi alla vera vita. La guerra del Vietnam trattata in Giai Phong e la droga con l'invito e la speranza di riuscire ad uscirne in Scimmia, cronaca di vita da tossico ed uno dei più riusciti testi sulla droga mai composti in Italia . Uno squarcio nell'Italia che si rimbocca le maniche, vera forza propulsiva di un paese in Diesel e la speranza in Si può vivere anche a Milano. Ma c'è anche l'amore in Zucchero e il sesso in Non è il cuore, canzone in grado di trattare l'argomento senza banalismi ma con veritiera analisi (...e non può esistere l'affetto senza un minimo di rispetto e siccome non si può fare senza devi avere un pò di pazienza perchè l'amore è vivere insieme, l'amore è si volersi bene ma l'amore è fatto di goia ma anche di noia...). Uno sguardo totalitario verso la società con i suoi mille difetti e un disco tra i più significativi usciti in Italia negli anni settanta. Sarà anche l'ultimo disco così totalmente anticonformista .
BLITZ (1978)
Voglia di cambiamento. Scompaiono i collaboratori dei primi tre dischi ( Area e Alberto Camerini, che inizia una carriera solista che lo porterà ai successi degli anni ottanta) e la musica si fa più attenta a certi ricami negli arrangiamenti.
Accompagnato da una nuova band, i Crisalide, è l'album di Extraterrestre, la sua canzone più famosa in assoluto, di Come un animale, invito a rivivere l'amore come istinto, lasciando da parte quegli inutili calcoli che lo spengono.
Spassoso rock'n'roll con piano in evidenza è Drop out rock mentre Affetto mette in piazza tutto l'anticonformismo che serpeggia in Finardi. Atmosfere caraibiche-reggaeggianti in Cuba e testi di giustizia sociale in Op.29 in do maggiore e Guerra lampo, mentre in Northampton, Genn.'78, analizza la sua vita dall'adolescenza e i conflitti con il padre durante la raggiunta maturità con i suoi cambiamenti di visione sulla vita.
ROCCANDO ROLLANDO (1979)
Ultimo disco del decennio e ultimo uscito per la Cramps, negli anni ottanta si accaserà alla Fonit. Disco musicalmente vario e contenente alcune canzoni di puro divertissment come la primordiale, ritmata e scanzonata Lasciati andare, in verità un'analisa del rapporto con i fan schierati e la finale Ridendo scherzando .
Legalizzatela è un po' la versione italiana dell'omonima canzone di Peter Tosh, un invito a legalizzare le droghe leggere in un periodo dove le cosidette "droghe pesanti" iniziavano a mietere vittime su vittime ed erano considerate sullo stesso piano. Poco è cambiato nel tempo. La dolcezza contenuta in La canzone dell'acqua che indica il futuro artistico degli anni a venire. Zerbo contiene l'utopia della musica che può cambiare il mondo mentre Why love e il rock di Song fly high sono interamente in inglese. Con il successivo omonimo Finardi, si entrerà negli anni ottanta, anni di alti e bassi sia umani che musicali.

KULA SHAKER: recensione Pilgrims Progress, maturità raggiunta...

KULA SHAKER Pilgrims Progress (Strange F.O.L.K. LLP, 2010)

Ora che anche Peter Pan riposa in pace e intorno alla sua lapide, immersa nel verde e adagiata su un manto di foglie secche circondata da alberi, bambini incantati osservano dove riposa colui che fino a poco tempo prima era il loro pifferaio magico e rappresentante in giro per mondo.
Ora che l'età adulta è arrivata e il passato ha lasciato solo ricordi color seppia come quelle fotografie a cui non si riesce a dare un'età.
Ora che il clamore dell'invasione "brit-pop" è lontano e risuona solamente negli scaffali dove riposano i dischi.
Ora e solo ora, i Kula Shaker fanno uscire il lavoro che li consegna alla maturità. Non cercate facili melodie pop o hit da classifica. Crispian Mills e soci consegnano ai loro fans un disco intriso di folk a quattro anni dal loro ultimo disco.
Seppur qualche legame con il passato rimane, come nella orientaleggiante Figure it out, memore di quel viaggio in India che cambiò la prospettiva musicale di Mills negli anni novanta.
Il resto è una continua sorpresa, in un disco che viaggia dritto verso l'autunno alle porte, portandosi dietro visioni fiabesche, qualche rimpianto per il tempo andato e tanti appigli musicali degli anni sessanta-settanta.
I violoncelli che aprono Peter Pan RIP, canzone a dir poco perfetta per la sensazione di melanconia che trasmette. Modern blues è debitrice al suono folk/beat dei Byrds, mentre Ophelia risente di quelle atmosfere bucoliche presenti in alcune composizioni zeppeliniane. Registrato nel verde delle campagne del Belgio, da cui ha ereditato la rilassatezza delle composizioni, il disco sorprende ancora nella strumentale e western When a brave needs a maid, ipotetico incontro tra Morricone e gli Shadows di Apache( qualcuno se li ricorda?) o nella finale Winter's call che sfiora la psichedelia californiana di fine anni sessanta.
Un disco che ha decisamente anticipato di qualche mese l'autunno, quindi destinato a durare negli ascolti ancora per qualche mese.

NEIL YOUNG:...ora sembra ufficiale...28 Settembre, esce il nuovo album "Le Noise"

Dopo, il mezzo passo falso di Fork in the road e l'uscita della prima parte dei monumentali archivi, il 28 settembre, sembra la data ufficiale dell'uscita del nuovo album del canadese, intitolato Le Noise. Prodotto da Daniel Lanois, dalle prime indiscrezioni, si tratterà di un album senza band di supporto, ma suonato interamente da Young stesso, che comunque conterrà delle tracce elettriche e rock.
Alcune canzoni sono già state presentate live, come da tradizione, durante il Twisted road tour di quest'anno. Secondo alcune recenti testimonianze rilasciate da Lanois, si tratta di uno dei migliori dischi registrati da Young negli ultimi anni.
Staremo a vedere.

RECENSIONE: JOHN MELLENCAMP (No Better Than This)...un microfono per riscoprire le radici

JOHN MELLENCAMP No better than this (Rounder Records, 2010)

Mellencamp con questo disco riesce , forse, a spiegare e dare al viaggio il suo giusto significato, quello di vivere i luoghi che si visitano non da semplici turisti, a volte insospettiti da usi e costumi diversi dai propri, ma di vivere i luoghi, entrandoci dentro, confondendosi, mettendosi alla prova con quegli usi e costumi. Il suo è un viaggio riuscitissimo nel tempo e nei posti che hanno fatto degli Stati Uniti la moderna madre del rock.
Se non si tratta di uno dei suoi capolavori, veramente poco ci manca. Il precedente Life death love and freedom era già un grande album, ma questa nuova prova lo supera se non altro per il modo in cui è stata concepita, progettata e suonata.
Mellencamp è da alcuni anni alla ricerca di quel suono vintage che l'incontro con il musicista e produttore T Bone Burnett ha fatto venire a galla trasformando questo disco in un viaggio attraverso l'America compresa tra gli anni venti e gli anni cinquanta. Superando di gran lunga i lavori dell'ultimo Dylan, che stanno battendo la stessa strada di ricerca sonora.
Un soffio alla polvere che ricopre i vecchi strumenti dimenticati in soffitta, rifornimento di carburante al primo distributore aperto e il disco parte regalando un viaggio ad occhi chiusi in un'America sorpassata ma che rappresenta ancora la libertà e il sogno che la modernità non potrà mai cancellare.
Quello che fa la differenza in questo disco è il suo concepimento. Mellencamp ha voluto lasciarsi andare alle emozioni che particolari luoghi e situazioni cari alla vecchia musica americana hanno suscitato in lui. Così è partito con un solo vecchio microfono verso tre mete piene di significato, lasciando che queste influissero sulla sua scrittura. Un viaggio dove country, folk, rock'n'roll e cantautorato segnano il percorso suo e di qualunque americano che si avvicini alla musica. Chi non ha mai immaginato cosa si potesse provare ad entrare nella mitica stanza 414 del Gunter Hotel a San Antonio dove nel 1936 un giovane di colore inventò il blues, lasciando ai posteri poche canzoni che divennero l'ispirazione per tutte le generazioni a venire. Calatosi nei panni di Robert Johnson e seduto nello stesso punto dela stanza dove si sedette il bluesman, Mellencamp compone Right behind me un blues sorretto dal violino di Miriam Sturm, dove l'invocazione del diavolo è quasi d'obbligo.

Prossima tappa i Sun Studio di Menphis dove negli anni cinquanta quattro ragazzotti dalla spiccata personalità iniziarono a viziare il mondo musicale con il rock'n'roll. Qui Mellencamp compone la maggioranza delle canzoni, registrate in presa diretta proprio come si faceva una volta. Aiutato da Andy York, Marc Ribot e lo stesso Burnett alle chitarre, David Roe, mitico bassista di Johnny Cash al basso e Jay Bellerose alla batteria. Ne escono canzoni dalla spiccata vena Rockabilly come il primo singolo che da il titolo all'album No better than this, Coming down the road o Each day of sorrow.

Canzoni folk come l'iniziale Save some time to dream dove l'invito a cercare di ritagliarsi del tempo per sognare è palese, o la profonda oscurità folk di The west end.Infine la tappa nella prima chiesa battista americana a Savannah in Georgia, luogo simbolo per gli schiavi afroamericani che cercavano la fuga durante la guerra civile. Qui, sopra le assi sacre del pavimento, prendono vita canzoni acustiche e d'amore come la melanconica Thinking about you, la dylaniana che più dylaniana non si può Love at first sight e la finale Clumsy of world. A suggellare il tutto, proprio durante le registrazioni, Mellencamp e compagna si sono fatti battezzare in questo luogo speciale, a testimonianza di una tappa importante per la carriera e la vita.

Un disco vissuto e un viaggio completo, fisico ed emozionale che è stato immortalato in queste tredici canzoni ed in almeno un'altra dozzina che si spera, vedano la luce prima o poi. Mellencamp in questo lavoro lascia un pezzo importante del suo cuore, a noi cercare di raccoglierlo.

NO GURU: a metà settembre esce il nuovo progetto di ex Ritmo Tribale con Xabier Iriondo (ex Afterhours)

E niente, NoGuRu è marmellata di traffico, tram perduti insieme alle occasioni. Vita da Milano, dissonante-per-abitudine-schizofrenica-per-necessità, una frenata del metrò, chitarre taglienti e ritmi spezzati che poi scattano su veloce acidume finto punk e ri-rallentano fin quasi a svenire.
Ex componenti di Ritmo Tribale e Afterhours uniti in un progetto che anche sentirebbe di avere parecchie cose da dire, ma nemmeno sa se riuscirà a farlo completamente.

NoGuRu non vuole essere capito, nasce come sottofondo per disturbare la conversazione apparente.
NoGuRu per ora sa soltanto che cosa non vuole essere.
Non mettetelo come sottofondo a una cena con amici.
Non va bene per rilassarsi dopo dieci ore di lavoro.

Queste le parole usate sul loro sito MySpace, per descivere il progetto. http://www.myspace.com/nogurumilano





Sotto il nome NO GURU si nasconde una nuova band che di fatto è costituita da musicisti che hanno fatto la storia del rock italiano tra la fine degli anni ottanta e il decennio dei '90. Dopo la temporanea reunion del 2007 che riportò in auge il nome per alcuni concerti e l'uscita discografica di una raccolta, i Ritmo Tribale si separano dal loro chitarrista storico Fabrizio Rioda e inglobano al loro interno un'altro personaggio, protagonista del rock alternativo italiano, quel Xabier Iriondo, chitarrista e partner di Agnelli negli Afterhours dei primi tre dischi.
Il tutto sotto un nuovo nome, No GURU, appunto. Dopo alcuni concerti di rodaggio, in questi due ultimi anni, a fine maggio è stato completato l'album che vedrà la luce a metà settembre, anticipato dal video Fuoco ai pescecani, già in rotazione su rock tv.
Faranno parte del progetto Andrea Scaglia( voce e chitarra), Xabier Iriondo( chitarra), Andrea "Briegel" Filipazzi(basso), Alex Marcheschi(batteria), Luca "Talia" Accardi( tastiere), Bruno Romani (sax) e Zymbah "il guerriero".
Il 21 Settembre alla Fnac di Milano, ci sarà la presentazione del disco, per cui, chi si trovasse nei paraggi quel giorno, sappia che è in prossimità della nascita di qualcosa di nuovo da ascoltare e seguire. A Settembre per la recensione dell'album...

RECENSIONE: LEONARD COHEN(Death of a Ladie's Man)...1977: anno cruciale anche per il grande poeta canadese...

...l'uscita di Death of a Ladies' man portò scompiglio tra i fans di Cohen, unanimemente considerato come il suo peggior disco, tra le pieghe dei suoi suoni, si nasconde però il futuro musicale da metà anni ottanta ad oggi...

LEONARD COHEN Death of a ladies's man (1977)

Ogni grande artista ha tra i propri album , una pecora nera che rinnega. Leonard Cohen, a più di trent'anni dalla sua uscita, considera Death of a ladies' man un mezzo passo falso. Quando uscì i fans più accaniti di Cohen gridarono allo scandalo ascoltando il famoso wall of sound che il produttore Phil Spector costruì intorno alle canzoni di Cohen. Quelle che fino ad allora erano poesie musicate dalla sola voce e chitarra di Cohen( in verità un primo cenno di cambiamento vi era già nel precedente New skin for the old ceremony), sotto la cura di Spector diventano canzoni piene di strumenti, suoni, cori e controcori che nessuno si sarebbe mai aspettato. Quello che andava bene per gruppi come le Ronettes o Tina Turner, strideva al cospetto di artisti come Cohen, senza dimenticare i mezzi disastri che Spector combinò con Let it be dei Beatles e successivamente con End of the Centuty dei Ramones.
Cohen dopo quattro album di grande spessore lirico, costruiti attorno al suono folk, sente la necessità di dare una sterzata alla propria musica ma commette l'errore di fare il passo più lungo della gamba, cosichè il cambiamento è talmente evidente da lasciare molte perplessità e domande che però troveranno senso compiuto e risposte qualche anno dopo, quando questo disco di rottura divenne un punto di partenza per il cambiamento dei dischi successivi.
Il lavoro in comunione tra Cohen e Spector portò alla stesura del doppio delle canzoni che finiranno poi su disco. Lavoro che alla fine venne pubblicato in modo incompiuto, dando per buone registrazioni vocali che necessitavano ancora di molto lavoro e questo non andò molto a genio a Cohen. Spector circondò l'artista di un numero infinito di musicisti riuscendo a far partecipare Bob Dylan e il poeta beat Alan Ginsberg, in quegli anni collaboratori nel bestseller dylaniano Desire, nei cori di Don't go home with your hard -on.Le ririche di questo album parlano di amori, persi, ritrovati, fugaci che poi sono una costante nei testi di Cohen." Come la nebbia non lascia ferite nell'oscurità della collina , così il mio corpo non lascia ferite su di te e mai lo farà". Si apre così True love leaves no traces, prima traccia di un album dedicato all'amore e ai falllimenti amorosi(Iodine). Amore accecante e pieno di gelosia, quando l'oggetto del desiderio è vicino ma irrangiungibile(Paper-Thin Hotel), amore pruriginoso e fugace, tra il sacro e il profano di uno studente che alla festa della scuola , darebbe in cambio la sua fede pur di vedere la sua preda amorosa nuda(Memories), amore oramai spento che cerca un punto d'incontro che non esiste più(I left a woman waiting).
Canzoni, forse troppo appesantite dalla mano di Spector ma che mantengono la peculiarità testuale e stilistica che ha fatto di Cohen un compositore, sì sofisticato, ma in grado di raggiungere quella profondità dell'animo e darne una sua interpretazione, facendola raggiungere anche a chi trova tutto ciò sfuggente.
Dopo soli due anni, Cohen si riprese dalla sbornia Spector con un disco che musicalmente voleva tornare alla semplicità come Recent songs.
Rimane un esperimento che alla luce dei lavori futuri sembra essere un capostipite da cui rubare nuove soluzioni sonore.

DISCHI IN ASCOLTO...in rigoroso ordine casuale...

THE BLACK CROWES Croweology (Silver Arrow Records, 2010)

Poco tempo per apprezzarne il ritorno, i due album Warpaint e Before the frost...until the freeze che i Black Crowes decidono di salutarci per un pò.
Croweology è un doppio album umplugged registrato live nel 2009 ed esce per festeggiare i 20 anni trascorsi dal loro debutto discografico Shake your money maker e si candida ad essere il lavoro che mette un freno alla loro carriera, si spera momentaneo.
L'album ripercorre l'intera carriera della band dei fratelli Robinson, mostrando il lato puramente roots ed acustico che già si intravedeva in Until the breeze, la seconda parte della precedente uscita discografica.
Mandolini, lap steel, pedal steel e violini colorano di americana grandi canzoni del loro repertorio come She talks to angels, Remedy, Soul singing, Sister luck, per un totale di venti canzoni tra cui la cover di She di Gram Parsons e alcune chicche. Registrato al Sunset Sound di Los Angeles ci mostra una band mai così unita e soprattutto alla continua ricerca di semplicità come testimoniano le loro ultime uscite, suonate e registrate dal vivo , lontane da sovraincisioni da studio.
La brutta notizia che ci rimane è quella di perderli nuovamente dopo il lungo tour che li terrà impegnati fino a dicembre negli states e che naturalmente non toccherà l'Europa.



LOS LOBOS Tin Can Trust (Shout! Factory, 2010)

Dopo il divertente antipasto Los Lobos goes Disney, album di cover dei classici Walt Dysney, i Los Lobos tornano a fare sul serio, incidendo un album che musicalmente racchiude tutte le caratteristiche poliedriche del loro sound.
Rock quasi oscuro e younghiano come nell'iniziale Burn it down(con l'ospitata di Susan Tedeschi)e nella finale 27 Spanishes, blues profondo in Jupiter or the moon il latino-messicano festaiolo e ballabile di Mujer ingrata, con tanto di fisarmonica e di Yo canto. Le ballate come All my bridges burning, la strumentale Do the murray che potrebbe essere benissimo una outtakes del miglior Santana anni settanta e in più la cover di West L.A. Fadeaway dei Grateful Dead.
Insomma un buon ritorno, vario e pieno di sfumature, per un disco che si candida ad essere il mio disco dell'estate.



JOHNNY FLYNN Been Listening (Transgressive, 2010)

Il debutto di due anni fa,A Larum,aveva già fatto intravedere le qualità di questo giovane ragazzo londinese che si candidò ad essere il portabandiera della nuova scena neo-folk britannica. Passato recentemente in Italia insieme ai Mumford & sons, altra rivelazione dell'anno 2009, ora ci stupisce con un lavoro che si stacca quasi totalmente dall'esordio, per colorare le sue canzoni folk con strumenti a fiato e ritmi provenienti da mondi lontani. Il primo paragone che salta in mente è il Paul Simon del periodo Graceland/The rhythm of the saints. Se alcune canzoni rimangono legate al precedente disco come Lost and found e Been listening, l'ascolto di Churlish May, dove percussioni e fiati arricchiscono i suoni di calore sudamericano, quasi stupisce. Sempre accompagnato dai fidi e giovani musicisti del debutto, Johnny Flynn con questo lavoro si conferma artista a tutto tondo, voglioso e curioso di dare alla sua musica sempre spunti nuovi da cui partire ed arrivare.

CROSBY, STILLS & NASH: recensione CONCERTO Milano Jazzin' festival 16 Luglio 2010

Quando la puntina del giradischi finiva la sua corsa dopo l'ultima nota di Pre-Road Downs capitava, a volte, che continuasse a girare all'infinito in un continuo fruscio. Si accorreva velocemente e si riaccompagnava la leva a mano, si girava il disco e ripartiva Wooden Ships. Si riprendeva in mano la copertina doppia apribile e si guardava quell'enorme foto interna con tre teste che spuntavano fuori da pellicce abbottonate fino al collo. Doveva fare parecchio freddo quel giorno quando fecero lo scatto.
Quelle tre teste sono, stasera 17 Luglio 2010, proiettate sul palco dell'arena civica di Milano: non fa freddo , la temperatura supera i trenta gradi, le zanzare sono appostate come killers e sopra quelle teste il colore dominante è il bianco. Insomma, sono passati 40 anni da quel luccicante esordio ma una cosa è rimasta intatta: gli impasti vocali e le caratteristiche che hanno fatto di Crosby, Stills & Nash una leggenda della musica.
David Crosby è chiaramente il meno in forma dei tre fisicamente, starà fermo per tutto il concerto, come dargli torto dopo tutto quello che ha subito in vita, rimane un sopravvissuto del rock'n'roll che assume ancor di più quell'aria da guru che gli venne tributata all'epoca, tanto che molti videro la sua figura nel personaggio di Dennis Hopper in Easy Rider. Il carisma e la voce però sono rimaste quelle di allora.
Stephen Stills rimane il rocker del gruppo, anche lui sembra ben ristabilito, sempre pronto a colorare i suoni con la sua chitarra e impreziosire il tutto con i suoi assoli.
Graham Nash è il cerimoniere, il più attivo fisicamente, scalzo, si sposta da una parte all'altra del palco, dialoga con il pubblico e delizia con la sua romantica delicatezza canora presentandosi spesso in scena con un calice di buon vino rosso.
La setlist è quella che stanno portando in giro per l'Europa e comprende quelle cover che presto usciranno in disco con la produzione di mister Rick Rubin e che sembrano aver ridato nuovi stimoli al gruppo.
La partezza è bruciante, con il sole che sta calando, irrompe Woodstock. La canzone della Mitchell è diventata il simbolo di una generazione che si illudeva di cambiare il brutto del mondo con la musica ma che ora è rassegnata a cercare di tappare il greggio che fuoriesce da una piattaforma, consapevole che meno lo si fa uscire, più anni di vita daremo a questo povero mondo.
La prima ora di musica vedrà anche una strepitosa Wooden Ships con grande coda finale e Stills protagonista, Long Time Gone , Southern Cross dal sempre sottovalutato "Daylight again" del 1982, Military Madness e In your name dal repertorio solista di Nash, Bluebird dei Buffalo Springfield, Marrakesh Express e una sorpresa come Long May you run dal disco omonimo del duo Young-Stills.
A dare man forte: i fidi Joe Vitale alla batteria e Bob Glaub al basso più i due tastieristi.

Dopo una pausa di circa 20 minuti, il concerto riprende in modo acustico e qui il tutto si colora. Gli strepitosi impasti vocali dei tre galleggiano nel silenzio assorto dell'arena creando quella magia che solo le loro tre voci insieme riescono ad emanare. Possiamo così ascoltare una succulenta anteprima del prossimo disco in uscita a fine anno: Girl from the north country (Bob Dylan), Ruby Tuesday (Rolling Stones), Norwegian wood (Beatles) tra le altre e poi una stupenda Guinnevere cantata in coppia da Crosby-Nash che da sola vale l'intero concerto. La potenza vocale di Crosby, con i suoi capelli brizzolati sventolati da un ventilatore, irrompe in Delta mentre Nash ci delizia con Our House cantatissima dai fan e una epica Cathedral ripescata dall'omonimo del 1977. Bellissima.
C'è ancora il tempo per l'elettricità di Behynd blue eyes dal repertorio Who, che non ha nulla da invidiare all'originale, la richiestissima Almost cut my hair e il finale con, finalmente, tutto il pubblico che lascia le sedie, sotto richiesta di Nash, e si avvicina alle transenne sottopalco.
Ovazione e messaggio recepito, il trio vuole sentire il calore e ora io mi chiedo perchè non poteva essere tutto il concerto così? Si tratta sempre e comunque di rock e le sedie mal si adattano al caso.
Love the one you're with e Teach your children , cantate da tutto il pubblico, pongono fine a più di due ore di grande musica consacrata a rimanere tale nei secoli dei secoli. Punto.

WILLIE NILE: recensione CONCERTO Asti Musica 14 Luglio 2010

...prima tappa del tour che presenterà il nuovo album "The innocent ones" di prossima pubblicazione,...sotto l'incantevole cattedrale di Asti...

Willie Nile è un portatore sano di rock'n'roll, schietto, diretto, sincero, glielo si legge negli occhi, lo si vede dalla sua camminata, dai gesti e dal suo look. Il piccolo sessantenne di New York ha confermato anche questa sera tutto il bene che ha saputo costruirsi durante una carriera irta di ostacoli che il nostro ha saputo superare venendo fuori alla distanza e riconfermando il tutto, complice un pubblico costretto a stare seduto per buona parte del concerto ma che , forse un pò in ritardo si è lasciato catturare dal piccolo man in black , catapultandosi in piedi per portarlo in trionfo nel finale.
Asti musica è una rassegna che vuole essere una carrellata quantomai esaustiva e varia sulle diverse sfacettature dei generi musicali sotto la stupenda e suggestiva cornice della cattedrale gotica. Quindici giorni di musica ininterrotta che stasera fa tappa negli States presentando due cantautori, purtroppo sconosciuti al grande pubblico.
Ad aprire per Nile il coscritto Dirk Hamilton, un passato da stella nascente dellla west coast californiana degli anni settanta, con un futuro radioso da scrivere, si perse o meglio preferì continuare la sua ricerca musicale nel sottobosco e per certi versi, questo lo accomuna a Nile. Folk, blues e soul sono i suoi mezzi di comunicazione e una voce tutta da riscoprire, il tutto unito da una profonda simpatia e amore verso l'Italia e per i musicisti italiani che lo accompagnano.
E' un peccato che pochi giovani abbiano assistito al concerto di Nile. Il piccolo folletto newyorchese ha impartito una lezione di rock, lui nato artisticamente nella New York di metà anni settanta, quando il CBGB's della grande mela ospitava Television, Ramones, Talking Heads e Patty Smith. Nile è la congiunzione tra il cantautorato profetico di papà Dylan, gli Stones del "...but i like it" e il punk rock urbano dei Ramones a cui il nostro non manca mai di fare omaggio, stasera è stata la volta di I wanna be Sedated.
Willie Nile è un grande comunicatore, attraverso le parole delle sue canzoni e cercando a più riprese il dialogo con il suo pubblico. Spiega le canzoni e abbozza qualche parola in Italiano, visto che l'Italia in questi ultimi anni sembra proprio piacergli. Accanto ai suoi cavalli di battaglia vecchi e nuovi, Vagabond moon, una richiestissima e scatenata She's so cold nel finale, Run, una trascinante Cell phone ringing scritta dopo il fatidico 11 settembre,Give me tomorrow e la nuova Innocent ones dal prossimo disco in uscita, Willie omaggia a più riprese amici, icone e suoi idoli, a dimostrazione di quanto sia ancora lui stesso un fan della musica.Omaggia Jeff Buckley con On the road to calvary scritta nel 1999 per l'artista dal futuro spezzato, suona e fa cantare al pubblico Hit the road Jack di Ray Charles, spiegando di come lui e la sua band decisero di metterla in scaletta dopo averla ascoltata in radio durante uno spostamento lungo le autostrade italiane, cita l'amico Roger Mcguinn a cui dedica la commovente e pianistica Across the river.
Scatena la sua esile e nervosa figura omaggiando gli Who con Substitute e finendo alla grande con gli Stones di Satisfaction. A questo punto il pubblico è tutto dalla sua e nonostante la stanchezza visibile, a cinque minuti da fine concerto si presenta al banco del merchandise per riconcedersi un'altra volta. Dischi, foto, autografi in quantità e nuovi fans conquistati. Questa è la politica del piccolo Willie che ha sempre preferito i piccoli passi, fatti senza svendere nulla agli aguzzini mercenari della musica e il suo esilio discografico di quasi dieci anni negli eighties parla chiaro.
Come ebbe a dire nella prefazione di un libro:" Non importa che sia un club, uno stadio, un angolo di strada. A New York, Dublino o San Francisco: la musica che arriva dal cuore vive e respira nelle voci e nelle canzoni di chi fa il viaggio."
Bravo Willie.




vedi anche RECENSIONE: WILLIE NILE-American Ride (2013)

RECENSIONE: GRACE POTTER & THE NOCTURNALS, OLTRE LE GAMBE C'E' DI PIU'...

Il nuovo talento femminile americano, fortunatamente, per ora, lontano dai media e più vicino alla musica...




GRACE POTTER & THE NOCTURNALS (Hollywood Records, 2010)

A voler essere cattivi e maschilisti, potremmo soffermarci sulla copertina e le foto interne del libretto che ritraggono la bionda Grace Potter, ritagliarle, appenderle nel nostro rifugio segreto e finita lì.
La bella Grace, però, ha tante carte da giocarsi, oltre alle gambe, giunta al quarto album di studio, sembra che qualcuno se ne sia accorto. Prima di tutti, i colleghi artisti per cui ha aperto i concerti. Black Crowes, Gov't Mule, Dave Matthews Band e Joe Satriani non sono cosine da poco, la partecipazione alla soundtrack dell'Alice cinematografica di Tim Burton con la cover di White Rabbit dei Jefferson Airplane e non ultima la nomina "ufficiale" di miglior band del 2010 insignita dalla rivista americana Rolling Stone(...e di questo non so se bisogna andarne fieri).
Grace Potter non nasconde di aver avuto una folgorazione dopo aver visto The last Waltz ( anche il sottoscritto la ebbe, senza avere però doti artistiche), il film-documento sull'ultima esibizione di The Band, una delle migliori band rock americane. Proprio da The Band sembrano prendere spunto i suoi Nocturnals, per coesione, unità, certe aperture melodiche e la capacità di unire il rock con il folk, il soul e il blues.
La Potter, vocalmente si pone a metà strada, con tutto il rispetto possibile, tra Grace Slick e Janis Joplin, lasciando trasparire due anime ben distinte. L'anima rock-blues che troviamo in brani come l'iniziale Paris(Ohh la la), Medicine, Only love e Hot Summer Night, dove la band guidata dai due chitarristi Scott Tournet e Benny Turco(completano la bassista Catherine Popper, già vista con Ryan Adams e il batterista Matt Burr), può sfoderare tutto il suo regime rock o come nel bel singolo Tiny light, che parte come bucolico country-pop e finisce in un crescendo di noise jam-chitarristico.
Le doti vocali e strumentali della Potter (suona anche hammond e piano come nella ballad Colors) si riscontrano nelle canzoni Oasis,Low Road, Money e That phone orientate al soul-pop, dove l'influenza dell'amata Aretha Franklin si fa sentire.
Un disco piacevole, per gite on the road, verso mete californiane preferibilmente e la reggaeggiante Goodbye Kiss ti fa sognare di avere la bionda Grace al tuo fianco.
Il pregio dell'ascoltabilità può trasformarsi in difetto se si vuole fare i pignoli. La produzione affidata ad un produttore non proprio rock'n'roll come Mark Batson, rende tutto quello che dovrebbe essere sporco, troppo pulito e luccicante, ponendo ancora dei dubbi su dove la Potter e il suo gruppo vogliano andare a parare.
Una certezza però c'è, il disco in questione porterà tanta fortuna, così com'è.

RECENSIONE: JOSHUA JAMES (Build Me This)... il giovane cantautore è una delle promesse del folk-rock americano...

JOSHUA JAMES Build me this (N/I.N.Records,2009)

La spiritualità (e la fede) del giovane Joshua James traspare prepotentemente in questo suo secondo lavoro "Build me this". Dopo il buon successo dell'esordio "The sun is always brighter" uscito nel 2008, che lo ha portato in tour con Ani DiFranco e John Mayer, il buon Joshua amplia i suoi orizzonti musicali creando sicuramente uno dei dischi più interessanti usciti nel corso del passato 2009.

Joshua James è giovane, 25 anni, ma è riuscito a mettere in campo svariate influenze che nel primo lavoro non erano state toccate. La centralità rimane il folk dell'esordio, che però viene arricchito con diramazioni che lo portano a toccare blues, country e soul. Le composizioni si riempiono di sfumature strumentali che vanno aldilà delle ballate dell'esordio.
L'iniziale e marziale "Coal War" è una splendida rock-gospel song che mette in pratica tutti gli aspetti e le caratteristiche di questo lavoro. Testi dettati da una profonda fede di ricerca in qualcosa di grande a cui aggrapparsi e musica piena e calda, fatta di basso, chitarra, batteria e piano come la successiva "Magazine" dove fanno la loro apparizione violino e lap steel. Stupenda la coda finale. Il misticismo e la spiritualità avvolgono tutto il disco donandogli quella magicità che una canzone come "Weeds", accompagnata da un bel video, riescono a rendere concreta. Canzone folk semplice semplice, ma che colpisce immediatamente.

Joshua James, continua a stupire con la malinconia country-western di "Mother Mary", il rock blues di "Black July" dove salgono in cattedra chitarre elettriche e la lap steel suonata da Ben Peeler. Più legate al folk sembrano essere episodi "Kitchen tile", "Lawn full of Marigolds" e "Pitchfork". Menzione ancora per la quasi irish folk "Annabelle" che spezza il carattere serio e austero di questo disco che sicuramente potrebbe aprire buone porte verso la notorietà.

Molta carne al fuoco, che lascia trasparire una miriade di idee musicali. Alternanza tra semplici folk songs e canzoni dal suono pieno e caloroso (grazie anche all'uso di organo e piano) fanno del disco un lavoro dall'ascolto piacevole che a volte ricorda qualcosa ascoltato nei dischi di Ray Lamontagne, ma soprattutto cerca di prendere il meglio dai grandi songwriters come Dylan, Morrison e Young. Senza dimenticare una voce calda ed espressiva. Il ragazzo dello Utah è giovane ed ha quindi ancora margini di miglioramento, ma se le premesse partono da un disco di questo livello, il futuro non può che essere dei migliori. Menzione per la copertina, che lo ritrae con una maschera bianca che tanto ricorda il Bob Dylan del "Rolling Thunder Revue live 1975", sarà un caso?

Io di questo disco mi sono innamorato al primo ascolto...

vedi anche RECENSIONE: JOSHUA JAMES-From The Top Of Willamette Mountain (2012)

BRUCE SPRINGSTEEN:LONDON CALLING...live in HYDE PARK (2010)

Chi ha visto Springsteen almeno una volta nella vita, sa cosa attendersi da questo nuovo Dvd, ma sopratttutto è sicuro di aver visto quanto di meglio si possa ancora vedere in giro per il mondo in quanto a genuinità, professionismo, passione e concessione totale verso il pubblico in uno scambio di dare e avere che ha pochi eguali nella storia del rock. Le sue maratone live sono diventate qualcosa di epico e se le quattro ore di concerto di molti anni fa sono ora irrangiungibili per dichiarati limiti d'età, state pur certi che prima di tre ore di musica non andrete a casa e quando purtroppo il concerto volgerà al termine, sarete ancora lì ad urlare il suo nome sperando che esca nuovamente e che magari sfori i tempi come avvenne due anni fa in quel di Milano(...Le ultimissime notizie danno l'assoluzione completa per il promoter Trotta, ma che figuraccia per Milano e i suoi governanti. La città meneghina ha perso i maggiori eventi live di questa estate e ben gli sta...).
Dopo gli anni novanta vissuti abbastanza in sordina, sembra che Bruce, nel nuovo millennio voglia recuperare e correre contro il tempo, conscio che la sua macchina da guerra, la E-Street Band, inizia a scricchiolare sotto i colpi di quella brutta bestia chiamata vecchiaia.
Perso per strada l'amico Danny Federici, Bruce ha speso gli ultimi tre anni sopra le assi dei palchi di tutto il mondo, quasi ad esorcizzare la perdita dell'amico tastierista. Quello che è andato in scena in questi concerti è qualcosa che si avvicina a quanto di meglio Springsteen ha fatto in gioventù davanti al fedele pubblico.
Questo Dvd è uscito per dimostrare tutto questo, quanto un sessantenne riesca a tenere un palco come un ragazzino, senza la spocchia da rockstar o recitando sermoni e autocompiacimento che suoi colleghi coetanei e non, sembrano avere quando sono a tu per tu con il proprio pubblico. Palco, dove la musica e il sudore dei musicisti è ancora la cosa più importante. Se qualcuno cerca di nascondere l'avanzare del tempo creando impianti scenici ed effetti speciali da mille e una notte, lui si accontenta dei suoi fidati amici musicisti e del pubblico che oramai è composto da almeno tre generazioni.
Sarà una rockstar, ma il suo voler mantenere a tutti i costi un contatto umano con il pubblico lo rende quasi un amico fedele che difficilmente ti tradisce.
London Calling, live in Hyde Park cattura l'esibizione avvenuta a Londra all'interno del festival Hard Rock Calling svoltasi il 28 Giugno del 2009 a Londra. Il concerto si apre con quella London Calling, che forse,un pò in modo ruffiano, vuole essere un omaggio alla città che lo ospita e al grande Joe Strummer , che in vita non mancò mai di elogiare l'operato dell'ex ragazzo di Freehold. L'interpretazione è quasi fedele all'originale e presenta uno Springsteen carico e quasi incazzato. Lo sarà per quasi tutta la prima ora di concerto che vede un tris d'assi come Badlands, Night e She's the one calato in apertura. Prima di sciogliersi e di lasciarsi andare all'abbraccio del pubblico sulle note di Good Lovin', c'e il tempo per Johnny 99, in versione full band e Seeds. E' il momento, atteso, della raccolta delle canzoni proposte dal pubblico, siparietto che Bruce si è inventato negli ultinmi due anni di concerti. Momento che da la possibilità di sentire canzoni a richiesta, non presenti quindi in scaletta e che qualche volta presenta delle chicche veramente notevoli. La sua grandezza è anche questa. Qui a Londra si può ascoltare una rara Trapped, cover dell'amico giamaicano jimmy Cliff o una No Surrender con Brian Fallon dei Gaslight Anthem chiamato sul palco a duettare con un pò di timore reverenziale verso il proprio mito musicale.
Il secondo dvd ci presenta tutta l'epicità dello Springsteen anni settanta con tre lunghe cavalcate come Born to run, Jungleland e Rosalita. C'è tempo per la corale Hard Times di Stephen Foster e l'irish folk festaiolo di American land, diventato un piccolo classico dei recenti concerti. Conclusione con due hit anni ottanta, Glory days e Dancing in the dark, anche se avremmo preferito il Detroit medley come avvenuto negli ultimi tour italiani.
La particolarità di questo live dvd è quella di essere stato registrato per buona parte con la luce solare ancora presente, quindi a beneficiarne sono la resa dei dettagli sui musicisti, i loro strumenti e le inquadrature del pubblico. Menzione per il piccolo fan che Bruce fa cantare durante Waitin' on a sunday day.
Come bonus, purtroppo c'è ben poco, una esibizione di The River registrata a Glastonbury sempre nel 2009 e il video dell'inedito Wrecking Ball.
Questo 2010, per ora sembra un anno di assoluto riposo per il capo e suoi guerrieri, sperando che questo non sia una delle ultime testimonianze live in video della E-Street band, come si vocifera in giro.

BRUCE SPRINGSTEEN & THE E STREET BAND
LONDON CALLING: LIVE IN HYDE PARK

1. London Calling
2. Badlands
3. Night
4. She's The One
5. Outlaw Pete
6. Out In The Street
7. Working On A Dream
8. Seeds
9. Johnny 99
10. Youngstown
11. Good Lovin'
12. Bobby Jean
13. Trapped
14. No Surrender
15. Waiting On A Sunny Day
16. The Promised Land
17. Racing In The Street
18. Radio Nowhere
19. Lonesome Day
20. The Rising
21. Born To Run
22. Rosalita (Come Out Tonight)
23. Hard Times (Come Again No More)
24. Jungleland
25. American Land
26. Glory Days
27. Dancing In The Dark
28. Music under end credit sequence: Raise Your Hand

BONUS MATERIAL:
The River: Glastonbury Festival, 2009
Wrecking Ball: Giants Stadium, 2009

Danzig - On a Wicked Night (Live at Sweden Rock, 06/10/10)

RECENSIONE: DANZIG...un passo avanti verso il passato?

DANZIG Dethred Sabaoth (2010, Evillive Records)

Non possiamo fare finta di nulla,il meglio di Danzig solista l'abbiamo già ascoltato e continuiamo ad ascoltarlo nei suoi primi quattro dischi. Danzig è uno di quei personaggi che si amano o si odiano, nel bene e nel male e lui su questo ci sguazza. Dopo l'abbandono dei Misfits, entrati nel culto e nella storia del punk dei primi anni ottanta, seppe rinascere artisticamente prima creando i poco fortunati Samhain e quindi mettendo in piedi la corazzata Danzig che volò alta per 6 anni. Poi, il seguire le mode, costò molto caro.Il quinto album Blackacidevil del 1995, strizzò un pò troppo l'occhio all'industrial e le canzoni che ne uscirono persero quella magia e quel calore hard-blues che pregnavano i precedenti dischi, fu una delusione totale e l'inizio di una caduta di stile e popolarità che Danzig sembra ritrovare solo a sprazzi negli album che seguiranno.
Dethred Sabaoth esce esattamente sei anni dopo l'ultimo album di studio, quel Circle of snakes che sembrava, anche grazie all'aiuto di Tommy Victor, leader dei grandi Prong, indicare la retta via musicale da intraprendere. In mezzo un bel box, pensato per i fans con numerose canzoni mai pubblicate che forse era un preavviso di riavvicinamento a certe sonorità.
Sin dalla grafica e dai caratteri delle scritte, vi è un intento a guardare al passato più remoto targato Misfits. Il contenuto, però, è quanto di più vicino al primo Danzig si sia ascoltato negli ultimi quindici anni.
La produzione affidata allo stesso Danzig è volutamente grezza, sporca.
Ad accompagnarlo il solo Tommy Victor alle chitarre e basso e Johnny Kelly, batterista dei Type O Negative. Per il resto fa tutto mister "Anzalone" che si cimenta anche alla batteria in Black Candy.
Il piacere è quello di ritrovare, inanzitutto quella voce, spesso paragonata ad un mix Presley-Morrison, profonda ed accattivante. La ritroviamo soprattutto in quei pezzi come Rebel Spirits e On a wicked night, dove i melodici arpeggi iniziali sono accompagnati dal pathos della sua voce per poi esplodere musicalmente e vocalmente. Insomma, canzoni dalla piacevole aria di deja vù che perlomeno si avvicinano a composizioni da ricordare. Lontane dal diventare le nuove Twist of Cain, Mother o Anything ma quantomeno lontane, anche, dalla ripetitività industriale del recente passato che comunque rimane in alcuni riff chitarristici di Victor come in The Revengeful.
Danzig oscuro e malefico lo incontriamo nel blues-doom sabbathiano di Night star hel e nella finale Left hand rise above.
Classico disco per i nostalgici del primo Danzig. Ora è da valutare quanto questo ritorno sia frutto dell'ispirazione o un atto dovuto, dopo l'ultimo decennio di declino vissuto dal nostro. Io mi porrei nella via di mezzo, in fondo il disco si lascia ascoltare e questo è già un buon passo in avanti...verso il passato.

DISCHI IN ASCOLTO...in rigoroso ordine casuale...

ALEJANDRO ESCOVEDO Street songs of love ...dopo aver superato i gravi problemi di salute di alcuni anni fa, Escovedo è tornato più in forma che mai.Fanno testo i suoi due ultimi dischi. Questo prodotto da Tony Visconti, vede la partecipazione di due star come Springsteen e Ian Hunter. Disco energico e tirato, glam '70, punk, rock urbano e folk convivono e convincono. Voto 8


THUNDERSTORM Nero Enigma ...la band bergamasca è sicuramente una delle migliori realtà europee di doom-metal e lo dimostra con questo disco-concept sui serial killer. Voto7,5


FLOGGING MOLLY Live At the Greek Theatre ...registrato live a Los Angeles, in 2 cd e un DVD, tutta la carica dell'irish folk-punk della band americana che con gli anni si sta ritagliando una fetta di popolarità e rispetto. Voto:7


MARY GAUTHIER The foundling ...la cantautrice americana mette in musica la sua triste storia di trovatella. Una piccola autobiografia in musica che sa toccare le corde delle emozioni.Folk e country intimo e cupo che vuole essere un punto di arrivo e di ripartenza per la sua carriera. Voto:7,5


WATERMELON SLIM Ringers ...secondo disco consecutivo registrato a Nashville, nel giro di due anni, il grande bluesman gioca ancora con il country, lasciando ancora momentaneamente in disparte il blues dei suoi primi dischi. Registrato con i musicisti del posto, Watermelon Slim rimane uno dei personaggi più veri e genuini del blues americano Voto:7


TOM PETTY and THE HEARTBREAKERS Mojo...Petty riprende in mano il suo gruppo, dopo otto anni e pubblica un disco dall'impronta rock-blues molto marcata. Chitarre in grande evidenza e prova d'insieme compatta e diretta. Superiore alle ultime prove di studio Voto:8
http://www.debaser.it/recensionidb/ID_31676/Tom_Petty__The_Heartbreakers_Mojo.htm


THE GASLIGHT ANTHEM American Slang ...la band guidata da Brian Fallon è chiamata a ripetere il buon successo del precedente The '59 sound e ci riesce perfettamente con il suo working class rock in bilico tra Clash e Springsteen. Voto 7


MASSIMO PRIVIERO Rolling Live ...il rocker veneto festeggia con 2 cd e un dvd il concerto tenuto lo scorso anno al Rolling Stone di Milano. Viaggio tra la carriera di uno dei migliori artisti rock italiani che in questi ultimi anni sembra si stia riprendendo una rivincita artistica che merita pienamente. Voto:7,5


MOLLY HATCHET Justice ...Dopo il buon ritorno dei Lynyrd Skynyrd dello scorso anno, ritornano con il loro quattordicesimo album in carriera, gli altri grandi del southern rock americano. In linea con le ultime produzioni, spinte all'hard-heavy,disco con poche sorprese e tanto mestiere. Voto:6


OZZY OSBOURNE Scream ...il madman torna a fare quello che gli riesce meglio. Primo disco senza Zakk Wylde dopo vent'anni di collaborazione ininterrotta. Nuovo chitarrista e suono che mixa il moderno delle ultime uscite con alcuni accenni al glorioso passato. Mancano le grandi canzoni ma pur sempre un disco onesto...Voto 6,5

VICTOR DEME (clip officiel) : DJON MAYA

RECENSIONE: VICTOR DEME(Deli)... se questa deve essere l'estate dell'Africa , che lo sia anche in musica...e non sto parlando delle noiose vuvuzele...

...ma di un artista che ha scelto il basso profilo della terra africana pur potendo permettersi molto di più...

VICTOR DEME- Delì (Chapa blues records, 2010)

Immerso nei migliaia di cd, stordito da chitarre, batterie, effetti elettronici, urla e lamenti, a volte la canzone giusta per riportare la musica alla sua primaria importanza sembra arrivare quasi per caso. E' così è nato l'amore per questo simpatico personaggio che guarda caso rilascia in questi giorni la sua seconda prova di studio. Scontata la mia corsa a comprare il disco e a informarmi sulla storia di questo ometto africano, cinquantenne con pochi denti ma tanta tanta genuinità musicale da dare.

Scopro così la sua storia, di musicista nel Burkina Faso che ha suonato per trent'anni nel suo paese, lontano dai grandi riflettori, per vedersi catapultato a 47 anni suonati su un aereo e volare per la prima volta in vita sua verso Parigi per il suo primo concerto europeo. E' l'inizio di un piccolo successo in Francia, che lo porta ad incidere il suo primo album, premiatissimo e vendutissimo oltr'alpe. Ora tutti lo vogliono e tutti lo cercano. Deme vede tanti soldi che mai aveva visto, con grande generosità e umiltà li impiega per opere di bene nella sua povera terra. Al momento di registrare questa seconda opera, gli vengono proposti sontuosi studi di registrazione a Parigi e Londra e lui ancora con grande attaccamento alle proprie radici, decide di registrarlo a casa sua, tra la sua gente e la sua famiglia. In un mondo dove si farebbero follie per il famoso "calcio in culo che conta", una piccola dimostrazione di umiltà e coerenza è sempre eclatante ma positiva e d'esempio.

Victor Deme sa scrivere canzoni e sa in modo straordinario unire il folk blues americano con la musica Mandinga. Le sue canzoni sanno toccare la corda dell'emotività, sanno essere tristi ma cariche di speranza e gioia di vivere che forse il mondo occidentale ha perso da tanto, troppo tempo. Crescere i propri figli e Deme ne ha sei, secondo il rispetto e le tradizioni del proprio popolo è ancora un valore che viene cantato in "Mèka Dèen". In "Sèrè Jugu" il Delta blues americano sposa alla perfezione i suoni africani così come in Kèeba Sekouma, canzone dedicata all'"uomo moderno". Incredibili accenni western in stile Morricone, amatissimo da Deme, in "Mais où sont les dollars" e "Maa Gaafora" e tromboni e saxofoni in "Ma Belle", il disco è una fioritura di suoni, mai troppo invasivi, che sanno accompagnare il cantato del bravo Victor. "Sina" è un piccolo gioiello, impreziosito da un bellissimo violino gitano che tanto mi ricorda il Bob Dylan di Desire. Accompagnato da musicisti africani con i loro strumenti tradizionali, quest'opera sa cullare l'ascoltatore catapultandolo in mezzo a strade polverose, circondate da vegetazione e case di mattoni e fango, dove Victor Deme quando non è in giro per il mondo a suonare, ama tornare con la speranza di dare dignità alla vita della sua famiglia. Raro esempio di come si possa, dopo anni di sacrifici, raggiungere il successo e i soldi, usando esso per migliorare la propria vita e non rovinarla.

Rimani sempre così Victor, tu che ci riesci e puoi.