TYGERS OF PAN TANG Electrifyed (Mighty Music, 2026)
avanti tutta!
La vita media di una tigre si aggira intorno ai quindici anni. Poi ci sono le piacevoli eccezioni.
I Tygers Of Pan Tang da cinquant'anni dispensano musica pesante condita da melodia e sembrano non aver voglia di mollare la presa, anzi, ad ogni album alzano l'asticella. È successo nuovamente dopo l'ultimo straordinario Bloodlines uscito tre anni fa: Electrifyed sembra perfino recuperare quel suono grezzo e diretto degli albori (punto di riferimento Wild Cat del 1980) pronto e buono per un set live, quando insieme ad una nutrita e varia masnada di band erano ambasciatori di un movimento musicale che ancora oggi vive in gran parte di quei gruppi vivi e vegeti. Segno di quanto la NWOBHM abbia segnato la musica pesante.
Guidati dalla chitarra del veterano Robb Weir, vero e proprio dispensatore di riff, bisogna dare atto che l'entrata in formazione del "nostro" Iacopo Meille alla voce dal 2008 ha fatto letteralmente rinascere la band in una seconda parte di carriera (una seconda giovinezza) uguale ma differente dalla gloriosa prima segnata da dischi entrati di diritto nell'enciclopedia del metallo come Wild Cat, Spellbound, Crazy Nights ma anche Wild Cat e The Cage meritano di essere rivalutati.
Insieme a Craig Ellis (batteria dal 2000) e Huw Holding (basso) da questo album c'è l'entrata del nuovo chitarrista John Foottit (al posto di Francesco Marras) i Tygers Of Pan Tang dell'iniziale 'Rise Up!', quasi una chiamata alle armi per quarantasei minuti non mollano un colpo al suon di un hard rock grintoso con punte metal dove a vincere sono le canzoni, questa volta dal tono più dark del solito, quasi in simbiosi con questi tempi cupi ma anche segnate da vicende personali segnanti.
Sì perché come ho già detto per il nuovo disco di Tony Iommi, alla fine sono le canzoni che contano e qui ce ne sono dieci, tutte ottime da 'Forevermore' (con il suo intermezzo psichedelico e l'omaggio e i ricordi di Meille per il padre scomparso da poco), passando per l'old school 'The Powers That Be', l'hard rock di 'Dark Divinity', la rutilante title track, l'oscura e cadenzata 'The Fight Goes On' fino alla finale 'Revenge Is Sweet' che sembra scavare indietro nel tempo fino a giungere ai primissimi giorni della band.
I Tigers Of Pan Tang sono uno di quei rari casi di band che pur guardando indietro alla loro storia con il giusto rispetto sono stati in grado di costruirsi un presente degno, stimolante e pure in continua evoluzione.
In testa la melodia, tra le dita i riff. Quando Tony Iommi decide che il momento è quello giusto per regalare al mondo nuove canzoni, spostatevi tutti. E di canzoni ne bastano solamente otto per riprendersi la scena da lui stesso creata. Per ritrovare la chitarra di Iommi in un disco intero bisognava andare indietro di tredici anni (troppi!) quando nel 2013 uscì 13, capitolo conclusivo dei Black Sabbath con Ozzy Osbourne e dei Black Sabbath tutti. Periodo che coincise pure con la più brutta delle notizie: gli fu diagnosticato un cancro. "Continuo a chiedermi quando morirò. Sì, lo faccio. Ma mi piace essere creativo. Mi piace farlo, e mi dà la forza di andare avanti." ha dichiarato recentemente.
Ma se c'è un disco che meriterebbe di uscire a nome Black Sabbath è proprio questo From The Dark, così come fu The Devil You Know uscito a nome Heaven & Hell. Vecchia storia.
Se nel suo primo disco solista (no non sto parlando di Seventh Star che invece il nome Black Sabbath se lo prese) chiamò a se una pletora di musicisti e cantanti (Henry Rollins, Ozzy, Skin, Billy Idol, Phil Anselmo, Dave Grohl, Peter Steele...), mentre per Fused si avvalse della collaborazione di Glenn Hughes (con lui uscì pure il buon The 1996 Dep Sessions), questa volta puntando sul cantante norvegese Jørn Lande (Masterplan, Avsntasia) e la sua vocalità non troppo lontana da R.J. Dio, ma anche autore di tutti i testi (una calata drammatica nel mondo oscuro di oggi tra guerre, alienazione e un'apocalisse mai così vicina) cerca di recuperare i Black Sabbath più dinamici, heavy e epici dei dischi con Dio (tracce di Mob Rules e Dehumanizer) e Tony Martin (tracce di The Headless Cross e del sempre sottovalutsto Cross Purposes).
L'ascolto dell'iniziale 'Over The Violet Sun', del riff thrash di 'World Alone', dell'epica e quadrata 'Stormwatcher' e della più veloce 'Return Of Arbalist' sembrano confermare anche grazie all'enfasi vocale di Lande che fa un lavoro straordinario (i toni ruvidi lo allontanano dai continui paragoni con Dio) ma...
Ma non mancano lente e atmosferiche passeggiate negli inferi del doom (con tutti quei cambi di tempo cari a Iommi) che riportano ai primi giorni di Birmingham: con 'Black Times' in testa, 'Beyond The Dead', i chiaro scuri di 'Death Wake' (con l'amico Brian May a lasciare il suo assolo), i sette minuti finali di Legacy che riassumono il Tony Iommi pensiero, un blues oscuro dai riff imponenti e assoli mai banali (elettrico e acustico), così come non lo sono tutti quelli che l'hanno preceduto. Un disco che cerca le sue origini nel passato ma calato perfettamente nel presente anche grazie alla produzione moderna ma "rispettosa" di Mike Exeter (anche tastierista) e ai musicisti che vi hanno suonato: la bassista Becky Baldwin (Fury, Mercyful Fate) e il batterista Karl Brazil.
La carriera solista di Iommi non è stata prolifica ma From The Dark si candida ad essere il miglior disco uscito a suo nome e che ciò avvenga nel 2026 a 78 anni suonati non si può chiamare miracolo, sarebbe troppo riduttivo, ma classe! E se i risultati sono questi è lecito aspettarsi altro di questo livello in futuro. Se invece dovesse essere il sipario sulla carriera, di meglio non si poteva fare. In testa la melodia, tra le dita i riff: perché la differenza la fa chi sa scrivere ancora canzoni. E Iommi la differenza l'ha sempre fatta.
"Al boss dell’Atlantic non importava se schiattavo per overdose. L’importante per lui era finire il disco. L’aria era cambiata, soprattutto dopo la morte di Cobain. Le major si sono sbarazzate di noi perché per loro non eravamo più di nessuna utilità" così scrive Evan Dando nella sua recente autobiografia Rumors Of My Demise. Ascesa e declino di una rockstar (a metà) e idolo generazionale (mancato) che poteva aver tutto ma si ritrova a lottare con un futuro segnato dalle dipendenze.
A volte una cover che spopola (naturalmente 'Mrs Robinson' di Simon & Garfunkel) e un bell'aspetto diventano una gabbia d'oro tendente ad arrugginire. Aggiungiamoci il pregio/difetto di non essersi mai presi troppo sul serio.
Negli ultimi vent'anni è entrato e uscito dal tunnel. Recentemente si è incasinato ancor di più la vita per altri aspetti, diciamo da "pervertito" versione social. La cosa più importante è però vederlo vivo, felice e sorridente sopra a un palco stasera: con i piedi a calpestare le sue scalette (e un paio di testi) grandi come dei poster che però segue a cazzo, scombussolandole a seconda dell'umore, e mettendo in difficoltà i suoi due compagni,soffermandosi su quei due album (It's A Shame About Ray e Come On Feel)che lo portarono in prima pagina a metà anni novanta unendo rock alternativo (i Lemonheads piantarono semi ma non raccolsero pienamente tutti i frutti), punk (stasera a fine concerto regala 'Here Today, Gone Tomorrow' dei Ramones), il sempre rinnovato e totale amore per personaggi border del country americano come Gram Parsons e Townes Van Zandt (ecco 'To Live Is To Fly' cantata nel siparietto in solitaria) e power pop ('In Your Arms'), dando anche la giusta importanza a Love Chant (bella 'Deep End') l'ultimo disco uscito lo scorso anno che pare averlo rimesso in carreggiata, unitamente alla sua nuova vita in Brasile.
Spirito libero e sopra le righe, nel suo universo stonato ruotano tanti pianeti che seguono traiettorie assai sbilenche. Bello aver provato per un'ora e venti minuti a seguirne qualcuno stasera.
SEASICK STEVEThe Last Season Of America (Eastcote Recordings, 2026)
"abbiamo un criminale che gestisce questo posto"
Quando Seasick Steve e la moglie Elisabeth nel 2024 decisero di attraversare l'America per un viaggio on the road che li avrebbe portati da Miami a Los Angeles pensavano quanto meno di divertirsi. Di passare ore spensierate in viaggio con i paesaggi a scorrere veloci dai finestrini. A viaggio concluso però si erano accorti dell'enorme tristezza e senso di angoscia che quei giorni avevano lasciato nei loro umori. Dai finestrini erano apparsi più povertà e degrado che altro. A questo punto era tutto buon fieno da mettere via per ispirare nuove dieci canzoni che sono diventate "The Last Season Of America" (titolo preso in prestito da una frase carpita dentro a un locale di New Orleans), ossia una specie di concept album dai tratti politici che misura la febbre del suo paese, giungendo a due conclusioni: il sogno americano si sta sgretolando ma si può ancora sperare in una rinascita.
Seasick Steve non le manda certamente a dire: "abbiamo un criminale che gestisce questo posto, ha bugie scritte su tutta la faccia", canta in 'Bad Things' auspicando il ritorno e l'aiuto di vecchi eroi come Martin Luther King mentre intorno costruisce un funky ballabile che piacerebbe tanto a Mick Jagger.
Mentre in 'Free Man', uno spoken funky assai incazzatato, proclama la sua libertà e indipendenza nel muoveversi nel music business ("pieno di merda"): " sono un uomo libero, sono un uomo libero. Prenderò i soldi e scapperò" è la conclusione. Più chiaro di così.
Un disco dalle tante sfumature che sa passare da 'El Camino' con i suoi sapori tex mex che ricordano da vicino il compianto Joe Ely mentre ospita El Jefe Ricardo Arjona al canto a una 'Surf Flat' che dice tutto nel titolo, strumentale surf rockabilly dai toni dark che ritorna a un vecchio amore come fece con un suo disco passato Sonic Soul Surfer del 2015.
'Somebody' e un blues che parte acustico e si incendia nel finale anche grazie alla batteria del fraterno e sempre presente amico Crazy Dan Magnusson. A completare "La Banda": brother Dave Okumu (chitarra elettrica dei The Invisible) e brother Martin Terefe (basso e anche produttore del disco). Più svariati musicisti che arricchiscono di archi la dolce ballata acustica 'Matilda' che lievita nel finale e di fiati la conclusiva 'Feel The Sun' che stempera l'aria pesante dando un barlume di speranza.
"Ci sono cose brutte, ma possiamo ancora cambiare. Se credi nella speranza, possiamo ricomporci. Io credo ancora nel potere dell'amore" canta Seasick Steve in 'Bad Things' anticipando il finale. Un bel disco che abbandona la grezza attitudine di un tempo comunque presente in canzoni come 'Above Ground Boogie', blues che avanza sornione per sciogliersi nella psichedelia e 'Bootstraps' altro blues duro e puro che si sofferma sulla mortalità per giocare più di fino e di sfumature. L 'inizio tranquillo e folk del disco con 'Last Season', giusta prefazione a tutto quello che seguirà, è un televisore accesso che ci avverte: "è l'ultima stagione dell' America E non la vedremo mai più".
Citando il titolo di un suo vecchio disco, "Non si possono insegnare nuovi trucchi a un vecchio cane", bisogna dire che anche questa volta Seasick Steve ha tirato giù un disco sincero, a tratti incazzato, che ci racconta di politica corrotta, disudiaglianze sociali, invecchiamento e libertà attraverso gli occhi di chi ne ha già viste molte, difficile da fregare, ma che in fondo alla strada vede ancora una luce di amore e speranza.
EUROPECome This Madness (Silver Lining Music, 2026)
guardare avanti
Prima facciamo due calcoli: da quando si sono riformati nel 2004, ventidue anni fa, hanno registrato sette dischi. Nei primi tredici anni di carriera (dal 1979 al 1992) hanno inciso cinque album.
Se però ci mettessimo sul marciapiede più frequentato di una qualsiasi città italiana per fare una semplice domanda ai passanti, sono sicuro che il novanta per cento di loro risponderebbe:" chi quelli di The Final Countdown? Ma sono ancora vivi?". Naturalmente la domanda sarebbe stata:"hai ascoltato l'ultimo disco degli Europe?". Male molto male, perché con Come This Madness, uscito nove anni dopo Walk The Earth (2017)-quando si dice "fare uscire un disco solo quando hai qualcosa d'importante da dire"- siamo di fronte a uno dei migliori album di uno di quei rari gruppi che sembrano migliorare con il tempo o meglio non sembrano vivacchiare solo tra i fasti del passato. Anche se quest'anno nei palchi di tutto il mondo verranno festeggiati i quarant'anni proprio di The Final Countdown: la data all' Alcatraz di Milano (14 Ottobre 2026) ha raggiunto il sold out in questi giorni. A proposito, Joey Tempest dice:"Questa canzone fa parte del mondo da decenni e sta raggiungendo nuove generazioni, ed è meraviglioso. Ma non ci dà fastidio perché amiamo ancora suonarla dal vivo. Sentiamo ancora quell'energia e riusciamo a trasmetterla, che sia a un festival per famiglie o a un festival metal: la gente si raduna intorno, sentiamo quell'energia... amiamo suonarla dal vivo. Quindi questa canzone rimane importante per noi."
Come This Madnes sembra fare da punto di raccolta di tutte le anime della band svedese: ci sono le tastiere di Mic Michaeli che spesso richiamano il periodo di Out Of This World con non rare incursioni orchestrali come nell'apertura 'One On One' (gli archi con l'orchestra di Stoccolma) e 'In The Absence Of Grace', la chitarra di John Norum è quella solida e dai riff pesanti della seconda parte di carriera anche se non mancano assoli che riportano ai primissimi due album Europe (1983) e Wing Of Tomorrow (1984), Joey Tempest in barba agli anni che passano si conferma uno dei migliori vocalist hard rock della sua generazione, spesso dimenticato, sembra che il tempo non abbia intaccato la sua ugola e la sezione ritmica formata da John Leven (è il suo basso a dare la partenza al disco) e Ian Haugland (batteria) è sempre una garanzia e motore instancabile.
Certo, gli Europe guardano al passato con i gruppi che da sempre, fin da inizio carriera, sono stati i fari ad illuminare la strada ma che ora vengono in superficie con maggiore facilità (Rainbow, Deep Purple, Ufo, Thin Lizzy) ma mantengono i piedi ancorati nel presente con suoni e produzione moderni e testi attuali e pure politici come 'The Cult Of Ignorance' ispirato da una frase di Isaac Asimov, 'The Absence Of Grace' è un dichiarato attacco ai clown che muovono i fili del mondo prendendo spunto da un vecchio proverbio turco che recita "quando un pagliaccio si trasferisce in un castello, non diventa re. Piuttosto, il castello diventa un circo" e 'Come This Madness' che Tempest non nasconde ispirata da Bob Dylan.
"Non siamo una band politica, ma a volte, quando scrivo, lo faccio con il telegiornale acceso: mi piace avere un po' di rumore di sottofondo mentre scrivo e raccolgo idee, e ovviamente gli eventi attuali trovano spazio nei testi". È sempre Tempest a parlare.
Lasciate da parte le atmosfere pesanti e cupe degli ultimi due dischi War Of Kings (2015) e Walk The Earth (2017), Come This Madness è un album vario, e fresco, che sa passare dall'hard rock dai chorus impeccabili di 'The Cult Of Ignorance' ai tanti cambi di atmosfera della title track con il suo messaggio di speranza, alla malinconica ballata in crescendo guidata dal pianoforte 'This Time Of Year', alla più bluesy 'In A Different World'.
La scattante e galoppante 'Scandinavian Eyes' con la sua intro sinfonica e gli ospiti Mikael Åkerfeldt (Opeth) e Tobias Forge (Ghost) è certamente tra i punti più alti di un disco che comunque non ha punti deboli, 'Takin' It Back' è puro hard anni settanta che sembra guardare ai Thin Lizzy, 'In The Absence Of Grace' è un breve intermezzo pianoforte, orchestra e con il cantato di Tempest in bella evidenza che introduce 'The Angels Must Have Flown' con il riff di chitarra più pesante del disco.
The Devil's Back è altro hard rock abbastanza massiccio che fa da preludio alla finale 'Nothing Can Follow This', un bel riassunto del disco e di cosa sono gli Europe oggi: instancabili professionisti del rock (produzione cristallina, con massima cura degli arrangiamenti di Tom Dalgety e Mike Fraser e artwork uscito dagli Storm Studios che ricorda da vicino Blackout degli Scorpions) che non hanno perso la voglia di comporre musica dove chitarre pesanti e melodia si incontrano nel mezzo di un equlibrio che spesso rasenta la perfezione. Non stanno più rincorrendo il successo ma stanno cavalcando la libertà espressiva con coerenza (rimanere se stessi anche nei cambiamenti) e pochi gruppi con cinquant'anni di carriera riescono a farlo ancora così bene, facendo uscire uno dei loro migliori dischi. Forse sarebbe ora di riconoscere alla band svedese tutti i meriti acquisiti sul campo.
