Ne sentiremo parlare. Bene.
La prima prova discografica del giovane duo bresciano è un piccolo bignami di quello che sono in grado di combinare sopra un grande palco, o lungo un marciapiede, in una piazza con dieci o mille persone, o più semplicemente tra le quattro mura di una stanza con gli amici fidati presenti. Il loro blues acustico non ha bisogno di pesanti sovrastrutture, luci stroboscopiche ed effetti speciali. Registrato in un Home Studio, senza troppe sovraincisioni (appunto), lasciando il campo libero alla loro bravura, i fratelli Matteo e Andrea Corvaglia, rispettivamente voce e chitarra acustica il primo e armonica (presenza serpeggiante che lascia il segno) e voce il secondo, si giocano le loro carte con naturalezza e disinvoltura da veri veterani della musica. Se non ci credete ascoltate le loro voci: vissute, vere ed emozionanti. Arrivano. Per questa prima prova decidono di mettere in vetrina le loro influenze musicali. 14 canzoni: 11 cover e 3 originali. Scorrendo le tracce si capisce benissimo la qualità (altissima) dei dischi che giravano per casa in gioventù (solo qualche anno fa in fondo ): vecchi dischi come DEJA VU (CSN & Y) con ‘Almost Cut My Hair' di David Crosby, ‘April Come She Will’ di Paul Simon e Art Garfunkel, la perfetta e inarrivabile ‘The Weight’ della Band, la riuscita ‘Blinded By The Light’ e ‘If I Shoul Fall Behind’ del primo e poi più maturo Bruce Springsteen, ‘Virginia Avenue’ di Tom Waits, ‘Little Wing’ di Jimi Hendrix, e vinili decisamente più recenti con il treno in corsa chiamato ‘Mother, When?’ dei Shouting Matches e la più delicata 'Homesick’ dei Kings Of Convenience.
Insomma: puntano in alto e si mettono alla prova. Se ripetere il phatos e la rabbia originale di un ribelle David Crosby risulta quanto meno difficilmente replicabile, nel resto ci mettono del loro, con tanta passione e bravura, convincendo.
Le tre composizioni originali non cambiano le carte in tavola ma indicano il futuro prossimo: ‘Janis’ è un omaggio a Janis Joplin con la straordinaria partecipazione di Boris Savoldelli alla voce, ‘Athens’ è un alt folk orecchiabile che lascia il segno immediatamente, e ‘Pirate Flag’ è più strutturata, corale e suonata, già presente nella colonna sonora del film ROSSO MILLE MIGLIA. Un’altra carta da giocare.
Con due piedi saldi nel passato della musica (blues, country e rock della vecchia scuola) e gli atri due in costante marcia nel presente (la scelta-giusta e coraggiosa- di partecipare alle selezioni di X Factor e la distribuzione del CD in allegato al Giornale di Brescia), i Crowsroads lanciano la loro sfida alle nuove e giovani stelle della musica italiana. Per me hanno già vinto.
BOBY SOLO & SILVIABlues For Two (Maxy Sound, 2016)
Mamma si è sempre vantata di avere il 45 giri di 'Una Lacrima Sul Viso'. Ma nessuno, in casa, lo vide mai. Effettivamente fu poi trovato, senza copertina e rigatissimo, in una scatola abbandonata in cantina. Tutto vero. Ora posso rispondere con questo BLUES FOR TWO. Chi conosce Bobby Solo sa che non è nuovo a cose (belle) del genere. In mezzo alle comparsate in TV sulle reti nazionalpopolari per fare felici le ex ragazze degli anni 60, ogni tanto tira fuori dischi sorprendentemente genuini e grezzi. Lo aveva già fatto omaggiando Johnny Cash (ricordate HOMEMADE JOHNNY CASH?) e John Lee Hooker. Con questo, registrato agli studi di Max Titi a Bussolengo (VR), che sarà il primo di una trilogia già annunciata, dichiara tutto il suo amore per il blues acustico con dodici cover ben scelte (Little Walter, Tony Joe White, B.B.King, John Lee Hooker, Bobbie Gentry, Muddy Waters, T-Bone Walker...). Due chitarre, un piede che batte il tempo, un'armonica e la sua voce che si distingue. Registrato senza troppi trucchi da studio e in presa diretta. Ad accompagnarlo, la bravissima e giovanissima Silvia Zaniboni, chitarrista ferrarese di talento e vera sorpresa del disco. Un ascolto curioso e sorprendente, Bobby Solo è sempre autoironico ma crede in quello che fa, e consigliato, partendo dalla bella versione di 'The Thrill Is Gone'.
NEIL YOUNG +THE PROMISE OF THE REAL- Earth (Reprise Records, 2016)
Ve lo immaginate NEIL YOUNG alle prese con la registrazione di questo disco? No, non sopra ad un palco per l’ennesimo concerto. Quella è la consueta routine d’artista con la valigia sempre pronta e i tour con i giovani PROMISE OF THE REAL (i figli di Willie Nelson e soci) lo hanno pure rivitalizzato. Ancora una volta. L’ennesima. Quella è la parte normale. Sto parlando dei rumori e suoni che ha disseminato qua e là, durante i quasi cento minuti (13 canzoni , 2 Cd) di registrazioni live, come fossero sementi da piantare ad una terra malata e agonizzante.
Immagino il giorno che uscì dal Broken Arrow Ranch, di mattina presto per farvi ritorno a tarda notte: mise in moto, a fatica, una delle vecchie auto parcheggiate nel personale Feelgood’s Garage-facciamo l’adorata Buick Roadmaster Sedanet detta “Black queen” del 1947 (l’ho scelta dal suo libro Special deluxe, c’è vasta scelta)-caricò due vecchi microfoni per registrazioni ambientali e un registratore a nastro e poi via alla ricerca di suoni e rumori da aggiungere alle canzoni già catturate live. Forse non sarà stato così ma lo voglio pensare e immaginarmelo dentro a pollai recintati per raccogliere il saluto mattiniero di galli e galline, alveari di api ronzanti, sulle rive di un lago per catturare i versi di anatre, grilli, corvi e rane, in alta montagna per ruscelli di acqua fresca e in verdi pascoli per cavalli e mucche, sulla spiaggia per le onde dell'oceano, poi via verso i rumori più molesti (sirene e clacson) delle affollate città, stazioni ferroviarie, ma anche le campane dei campanili che non ci stanno mai male. Tutto con in testa l’ingenua idea di creare un concept album dedicato a madre natura, ai pericoli, al futuro (se non è testarda coerenza questa?), la stessa signora natura che usciva ed esce un po’ meno giovane e ancora più malandata anche qui, perché ‘After The Gold Rush’ suonata al pianoforte c’è ed è sempre un bel ascoltare. “Look at Mother Nature On The Run, In The Nineteen Seventies” cantava già nel 1970 e canta pure oggi.
Scaletta bizzarra - e coraggiosa - dove insieme all’unico inedito, la tirata rock di ‘Seed Justice’, trovano posto ‘Vampire Blues’ da ON THE BEACH, ‘My Country Home’ e i torrenziali ventotto minuti di ‘Love And Only Love’ da RAGGED GLORY, alcuni estratti dal disco "attacco alla Monsanto" dello scorso anno con i Promise Of The Real (‘The Monsanto Years’, ‘Big Box’, ‘People Want To Hear About Love’, ‘Wolf Moon’) e alcune sorprese come ‘Western Hero’ da SLEEPS WITH ANGELS e una rumorosa ‘Hippie Dream’ da LANDING ON WATER (1986), originariamente scritta per David Crosby e poi estesa a tutte le vittime degli eccessi, di ogni natura.
Un disco fiume che vive di tanti momenti elettrici ma anche di respiri agresti come ‘Human Highway’ e ‘Wolf Moon’ o l’immancabile organo a pompa che apre in ‘Mother Earth’.
Un live album ufficiale che mancava dal lontano 2000 (ROAD ROCK), escludendo tutti quelli usciti dall’archivio. Un live album atipico, però. Se molti si vantano di non aver aggiunto sovraincisioni nei loro dischi dal vivo, Young si vanta, come un ragazzino spavaldo, del contrario: oltre a tutti i suoni aggiunti, in ‘People want To Hear About Love’ ci mette la voce nera di D.R.A.M. e la tromba di Nico Segal.
"So quello che voglio e non accetto altro.Mi sento bene. So che posso ancora continuare. Non c'è nessun motivo per non continuare, perché riesco ancora a vedere dove sto andando. Non lo vedo chiaramente, ma so che è là fuori" racconta in una recente intervista a Uncut.
Ora vado, la Black Queen è arrivata sotto casa e a Neil non so mai dire no, anche quando non ci dice nulla di nuovo ma ci ripete fino alla nausea l'ennesima lezione.
Eccomi!
Dick Manitoba, voce impazzita e mascotte del gruppo guidato dal bassista e cantante Andy Shernoff, aveva di che essere felice quando posò con fare da wrestler cazzone in quel putrido spogliatoio di chissà quale locale sotterraneo di New York (o palestra?). Pochi suonavano come loro in quel 1975. Un solo anno dopo, tutti gli armadietti saranno aperti e occupati da altri gruppi che ruberanno la scena senza troppi complimenti, scardinando lucchetti, rubando asciugamani e calpestando il sudore già versato. Complici l’etichetta Epic che li scaricò immediatamente (un flop commerciale) e un suono che arrivò leggermente prima dello scoppio: hard rock, garage, pop e proto punk potevano convivere insieme e rimanere legati dall’idiozia adolescenziale e da testi irriverenti, sarcastici e satirici. Tacciati pure di omofobia in alcuni casi (nota la rissa tra il transgender Wayne County e Manitoba con quest’ultimo che ebbe la peggio).
La cover di ‘California Sun’ arrivò prima di quella dei fratellini Ramones, ‘I Got You Babe’ rileggeva Sonny & Cher, ‘(I Live For) Cars And Girls’ chiariva la loro filosofia fancazzista, ‘Teengenerate’ passa dal suono di un organo alla classica rullata di ‘Be My Baby’ prima di catapultarci dentro a giornate tipo (mangiando uova e guardando la TV), gli assoli di Ross "The Boss" Funichello in ‘Back To Africa’ e ‘ Master Race Rock’ (“Let’s Go, Let’s Go” vi dice nulla?) anticipavano un futuro nei Manowar, il gruppo più tamarro che abbia calcato i palchi metal, l’altro chitarrista Scott Kempner formerà invece i più “seri” Del-Lords. Fight For Your Right To Party. Una festa breve ma che ha lasciato il segno: prima dell’apertura ‘The Next Big Thing’, Manitoba è chiarissimo nel dichiarare: “questo è solo un hobby”. Dentro a quello spogliatoio si sente ancora il loro sudore maleodorante ma la giacca rossa glitterata, con il nome “Handsome Dick Manitoba” cucito sul retro, brilla ancora quarant'anni dopo.
PAUL SIMON Stranger To Stranger (Concord Records, 2016)
Ahhhh questi ultrasettantenni. Li adoro un po’ tutti. Ancora. Chi è fermo sullo stesso marciapiede da una vita, chi ha cercato di cambiare strada, senza le capacità al cambiamento, facendo pessime figure per poi ritornare sui propri passi in fretta e chi cambia, con la naturale propensione al cambiamento, rischia e porta a casa sempre qualcosa di interessante. Paul Simon appartiene a questa terza categoria. Un curioso, un viaggiatore. STRANGER TO STRANGER sta bene proprio lì: tra, i per me inarrivabili, GRACELAND (1986) e THE RHYTHM OF THE SAINTS (1990), ma alcuni semi di world music li aveva già gettati insieme a Art Gurfunkel e fin dal primo album solista del 1972, e lo strano e ostico esperimento con Brian Eno in SURPRISE (2006), che in verità dovrei riprendere in mano senza avere il coraggio di farlo una volta per tutte, e l’ultimo uscito, il buon SO BEAUTIFUL OR SO WHAT (2011). Simon è ancora un folk singer con l’accento pop marcato (che voce!) certamente tra i più atipici, (‘Insomniac’s Lullaby’, solo chitarra e voce che chiude il disco ma è stata anche la prima canzone scritta per l’album, ce lo dimostra) a cui piace ancora avventurarsi in giro per il mondo e saltellare avanti e indietro nel tempo, raccontare di omicidi consumati in famiglie benestanti in quel di Milwaukee (‘The Werewof’), di campioni di baseball “velocissimi” degli anni ’30 (‘Cool Papa Bell’), di veterani di guerre mica troppo lontane da noi (‘The Riverbank’), homeless visionari (‘Street Angel’) e guaritori brasiliani (‘la stupenda’Proof Of Love’) . Di amore. Sopra alla sua valigia non mancano, anche questa volta, adesivi stampati nella lontana Africa, in Sud America, in Spagna (c’è tanto Flamenco) e pure in Italia. Il coraggio di non rinnegare il presente, ma viverlo, lo porta all’incontro, avvenuto a Milano e proseguito via Internet, con Cristiano Crisci o Digi G’Alessio (scegliete voi) e il suo progetto dance Clap! Clap!. Ecco che la presenza di loop, campionamenti e elettronica diventano il collante che unisce i suoi viaggi fisici e mentali. In modo perfetto. Senza strafare. Senza Paul Simon: Digi G’Alessio o Cristiano Crisci (scegliete voi ancora una volta) per me sarebbe rimasto per sempre dentro ad una discoteca di provincia. Invece no.
Con ‘In A Parade’, anche se qui Clap! Clap! non ci sono, si balla parlando di schizofrenia! Un disco compatto (38 minuti, 11 canzoni) che inizialmente da l’impressione di incompiutezza, tanto che due tracce, ‘The Clock’, ‘In The Garden Of Edie’, sono corti riempitivi, ( e qui arriva la versione deluxe a rimpolpare) ma poi si rivela per quello che è: il disco, con belle canzoni-la liquidità della title track con la tromba di C.J. Camerieri (immaginatela sulle labbra di Miles Davis), mi ha già invaso-di un esploratore che non ama i confini e che già nel 1976 diceva di essere “ancora pazzo dopo tanti anni”. Pensate cos’è oggi!
#5. “Se non ci fosse bisognerebbe inventarlo”, dicevano i tifosi del Verona riferendosi a GIANFRANCO ZIGONI. Tra le righe bianche dei campi da calcio si potevano ancora leggere poesie: surreali, folli, maledette, passionali, anche comiche. Erano gli anni settanta (1975/76), quando assistendo ud una partita di serie A seduto in tribuna o in piedi in curva, potevi ammutolire dallo stupore di fronte ad un calciatore con cappello da cow boy e pelliccia che seguiva le linee bianche della follia che lo portavano ad accomodarsi in panchina. Lui era ZIGONI, detto “Zigo”, classe ’44, mancina e possente ala sinistra del Verona (ma anche Juventus, Genoa e Roma) che in segno di sdegno e protesta verso il suo allenatore Valcareggi, che quel giorno decise di non farlo giocare, si conciò in quel modo e così vi rimase per tutta la durata della partita. “Era come se il Brasile lasciasse fuori Pelè” dirà con la sua solita “gradassa” autostima da buon veneto con il bicchiere di frizzantino sempre in mano e bello fresco da mandar giù . Ma è solo uno dei tanti episodi di un calciatore fuori da ogni schema stabilito: uno che andava in ritiro con la pistola nel fodero come un pistolero del vecchio west (“la mano sinistra di Dio”, si autodefinì) e passava le nottate pre-partita a sparare ai lampioni fuori dalla stanza d’albergo, uno che sfruttava i compagni di stanza più giovani come schiavi alla corte del re, chiedere dettagli al povero Francesco Guidolin, attuale allenatore dell’Udinese…oppure in giro per locali a caccia di donne e sesso invece di stare chiuso nei famigerati ritiri che ai suoi occhi avevano tutte le connotazioni di prigioni per anime libere. Per non parlare di quegli arbitri e guardalinee additati come nemici pubblici numeri uno e la serie infinita di giornate di squalifica che ne conseguirono, l’amore per il vino Raboso, Bob Dylan e Fabrizio De Andrè, le corse in macchina a 200 km/h con incidenti annessi. Tutto e di più raccontato nel libro “Dio Zigo pensaci tu” che scrisse, qualche anno fa, insieme a Ezio Vendrame (altro bel personaggio), una carrellata di episodi che sembrano arrivare da un’altra epoca tanto sono folli, ingenui e caserecci, così lontani dal calcio “finto” e costruito di oggi. “Nel mondo di grandi siamo in tre, credo: io, Vendrame e Che Guevara…poi il più grande, Dio”. Disse Zigoni, aggiungendo un “credo” di troppo, credo. (EC)
#6. ORLANDO PEREIRA con quel look da menestrello medievale o se preferite da Ian Anderson (Jethro Tull) periodo “Songs From The Woods”, che poi è quasi la stessa cosa, passò in Italia veloce come un frecciarossa in un giorno senza scioperi, lui che in campo guidava la difesa con passo lento, troppo lento per il nostro campionato. Difensore brasiliano, “lungagnone” (m 1,84 , kg 71 dice l’album pan...ini 1981/82), con un curriculum vitae non propriamente esaltante ma da buon gregario difensivo: dal 1970 militò nel Santos, Coritiba e America RJ, fino ad arrivare al suo passaggio al Vasco Da Gama nel 1977, vi rimase fino al 1981 e vinse uno scudetto. Anche in nazionale la sua carriera non fu delle più felici, solo 7 le presenze, prima del mondiale argentino del 1978. A Udine arrivò alla “veneranda” età di 32 anni, non si sa bene come e perchè, nella stagione 1981/82 proveniente da quel Vasco Da Gama dove fu compagno del mitico Roberto Dinamite, la cui potenza del tiro è tutta celata nel nome. In Friuli trovò ad attenderlo l’allenatore Enzo Ferrari, reduce dal successo nel campionato primavera, alla prima esperienza in massima divisione e che qualche anno dopo fu il primo allenatore italiano ad espatriare all’estero (in Spagna nel Real Saragozza) , e Franco Causio, il nuovo prestigioso acquisto prelevato dalla Juventus e primo tassello di una “squadra dei sogni” che arriverà. Il povero Orlando morirà giovanissimo a soli 49 anni. Una fine triste quasi come lo sguardo in questa figurina: soffriva di labirintite, ed uno giorno del 1998 mentre era in ritiro con la squadra giovanile del Vasco Da Gama, di cui diventò allenatore, scivolò nella stanza d’albergo, provocandosi la frattura della quinta vertebra della colonna, rimase paralizzato e morì un anno dopo a seguito di complicazioni cardiache. Il brasiliano aprirà le porte a tanti altri suoi connazionali. Quando finì la stagione 1981/82 che l’Udinese concluse all’ottavo posto con 26 punti , Orlando pur avendo totalizzato 29 presenze (tra i più presenti), in Giugno lasciò l’Italia e qualche striscia di simpatia, proprio mentre nel campionato mondiale di Spagna ‘82, la squadra brasiliana metteva in vetrina i suoi campioni migliori che presto sarebbero sbarcati da noi. Da Edinho che l’anno dopo ne prese il posto al centro della difesa friulana, fino a Zico che in Friuli lasciò ben altri ricordi calcistici, entrando nel mito. (EC)
Per tutti i grandi che hanno cavalcato da protagonisti gli anni settanta, presentarsi preparati al nuovo decennio che bussava alle porte non è stato facile. Fu una sfida e tanti la persero. IAN HUNTER, cuore inglese con anima americana, ci prova nel migliore ma più difficile dei modi, con coraggio e spregiudicatezza, visto che deve difendere una reputazione dopo il riuscito YOU’RE NEVER ALONE WITH A SCHIZOPHRENIC uscito nel 1979 (senza dimenticare i Mott The Hoople), e lo fa reclutando 2/4 del più grande gruppo sulla piazza in quel momento, consegnando loro le chiavi dello studio di registrazione Power Station a New York. Sono i Clash a segnare il passo di queste dieci canzoni, ed è proprio MICK JONES a dettare legge in produzione e alla chitarra (insieme a MICK RONSON), unitamente al sempre poco raccomandabile e defilato TOPPER HEADON che siede dietro alla batteria. Un taglio agli inconfondibili ricci, brillantina in testa e si parte con un disco che scivola in mille direzioni diverse. Non cercate sicuri punti di riferimento qua dentro. Se una certa normalità è scandita e garantita dal rock’n’roll clashiano di ‘Lisa Likes Rock N’Roll’, ‘Gun Control’ (una marcetta che avanza divertente con i suoi ganci reggae) e ‘Central Park N’ West’ e dalle ballate come ‘Rain’ e ‘Old Records Never Die’, una romantica ode alla musica; sono i pezzi più coraggiosi e fuori misura a sorprendere.
Mick Ronson, Mick Jones e Ian Hunter in studio
Il reggae/dub tout court di ‘Theatre Of The Absurd’, le traballanti impalcature di modernismi in ‘Noises’ costruite tra rumori assortiti, caos dub e rap primitivo, i frizzanti momenti pop R&B di ‘I Need Your Love’ con il sax di GARY WINDO e il basso di TODD RUNDGREN (anche ai cori), e il funk cantato con voce suadente da navigato crooner di ‘Leave Me Alone’.
A concludere una ‘Keep On Burnin’ che inizialmente avanza timida come qualche ballata notturna estrapolata da THE RIVER di Springsteen ma poi si tinge di soul, esplodendo nel finale sorprendentemente gospel.
Questo è il SANDINISTA di Ian Hunter. Sì, insomma…quasi.
Usciti dallo splendido Teatro Sociale di Como, la pioggia continua a scendere, è pure calata un po' di nebbia e sembra più autunno che Giugno, ci rifugiamo dentro a un piccolo e accogliente pub, uno dei più antichi dentro alle mura che circondano la città sul lago. Cerchiamo un tavolo e lo troviamo a fatica, è pieno di ragazzi ed è pur sempre venerdì sera, e il loro primo pensiero non è certamente il concerto di Graham Nash appena concluso. Una signora, lei sì più anziana di noi, è seduta ad un altro tavolo con il marito, era al concerto come noi, ma sembra aver gradito poco: "bravo Nash, ma quanta tristezza in quelle canzoni! Solo nel finale mi sono divertita!". Non rispondo, se non dentro di me: "Ma come? Sono uscito da quel teatro pieno di gioia di vivere! O quella signora non è stata veramente al concerto, o non ha percepito l'atmosfera magica che vi aleggiava. Ma c'è una terza ipotesi: potrei essere troppo ottimista io." No, fermi: l'ultima la scarto immediatamente.
Io ho visto solo gioia, entusiasmo e voglia di vivere e me le sto trascinando ancora dietro, a tre giorni dal concerto. Proprio ora mentre sto scrivendo.
Piacere iniziato fin da subito con l'entrata in scena di Graham Nash, a piedi scalzi sopra all'intimo angolo preparato a centro palco, fatto di soli tappeti e candele, e quell'apertura dedicata al suo passato più remoto: Bus Stop (il loro più grande successo) e King Midas In Reverse della sua prima band The Hollies, nata a Manchester negli anni sessanta inseguendo cìò che usciva dalle radio dell'epoca, Everly Brothers in primis. Passarono pure al Festival di Sanremo nel 1967 accompagnando Mino Reitano, ma pochi se ne accorsero.
Vivacità proseguita nel seguire il percorso tracciato con il suo ultimo disco THIS PATH TONIGHT (splendida la title track), uscito dopo quattordici anni di assenza discografica da solista, che guarda al passato (Golden Days) ma che sa affrontare bene il presente (Myself At Last) e il futuro, segnati fortemente dal matrimonio naufragato dopo 38 anni con Susan Sennett e dalla nuova relazione con Amy Grantham, una donna molto più giovane che sembra aver fatto bene anche al lato artistico di Nash.
Curiosità nel rivedere Shane Fontayne, anche lui inglese emigrato negli USA, chitarrista che avevo lasciato per l'ultima volta in quella Pasqua piovosa del 1993 allo stadio Bentegodi di Verona quando accompagnò in tour Bruce Springsteen, allora orfano della E Street Band. Lo lasciai con i capelli ricci, neri e lunghi, lo ritrovo con i capelli corti e brizzolati ma sempre bravissimo alla chitarra e ai cori. Una spalla (anche produttore dell'ultimo disco) ideale e affidabile come pochi. Stupore nell'ascoltare con quale classe Nash (voce ancora cristallina) riesce a dare una seconda vita anche ad un disco di CSN, inutile fin dalla brutta copertina, come LIVE IT UP uscito nel 1990. House Of Broken Dreams, che leggenda vuole ispirata dall'amico David Gilmour, arriva da lì e non sfigura affatto in mezzo a tanti successi. Comunque su quel disco c'erano almeno un altro paio di buone canzoni scritte dai compagni di sempre.
Estasiato nel sentire quanto Wasted On The Way, scritta nel 1980 ricordando tutto il tempo e le tante opportunità che CSN persero in favore di altri effimeri piaceri, sia la canzone che questa sera suona più west coast anni 70 di tutte.
Dolcezza nel sentire le dediche fatte a Levon Helm (la nuova Back Home) e soprattutto a Joni Mitchell (Simple Man, I Used To Be A King), donna, artista e amante fondamentale nella carriera di Nash. Senza di lei non ci sarebbe stato lo sbarco definitivo negli States, e forse nulla di quello che abbiamo ascoltato in questo concerto. "La sua bellezza era un dono quasi altrettanto grande quanto il suo talento e io ero stato risucchiato nella sua orbita, ammaliato fin dal primo istante" scrive Nash nell' autobiografia Wild Tales.
Beatitudine nel sentire Cathedral per l'ennesima volta, e ti sembra di volare sopra la cattedrale di Winchester e perderti tra le rocce di Stonehenge. Canzone composta sotto il pesante effetto di acidi e capolavoro assoluto e inarrivabile della sua carriera. Uscì nel 1977 insieme ad altre magnifiche canzoni (purtroppo assenti stasera) come Cold Rain, e Carried Away in quel disco targato CSN con barca in copertina, spesso dimenticato ma che per molti aspetti rappresenta il vero vertice compositivo del trio.
Piacere nel sentire due canzoni (Immigration Man e Wind On Water) estratte dai primi due dischi usciti a nome Crosby & Nash. Anche se l'amicizia così ben raccontata nell' autobiografia, oggi sembra vivere uno dei peggiori periodi di sempre. Mai più Crosby, Stills & Nash? Sembra sia proprio così.
Ho percepito il focoso brio in quello spirito battagliero da vecchio hippie che non si è ancora affievolito dopo tanti anni. L'esecuzione di Chicago al piano, protest song per eccellenza, è stata un buono spunto per metterci in guardia sull'imminente pericolo chiamato Donald Trump.
Insomma, potrei continuare con il finale che è tanto piaciuto alla signora seduta al pub ma credo che possa bastare tutto questo (ho perfino lasciato fuori, volutamente, le canzoni di CSN seduti nel divano e Deja Vu) per capire quanta vita si sia adagiata tra le poltroncine rosse del teatro in questa magica serata.
Gioia, vivacità, brio, curiosità, stupore, piacere, beatitudine non sono parole che associo alla tristezza.
Se ancora non siete convinti: ascoltate l'ispirato THIS PATH TONIGHT, il sentiero di un uomo che, a settantaquattro anni, sta ancora correndo, a piedi rigorosamente scalzi, verso nuove mete di vita.
Bus Stop / King Midas In Reverse / Marrakesh Express / I Used To Be A king / Immigration Man / Sleep Song / This Path Tonight / Myself At Last / Wind On Water / Wasted On The Way / Simple Man / Taken At All / House Of Broken Dreams / Mississippi Burning / Back Home / Golden Days / Cathedral / Our House / Chicago / Blackbird / Teach Your Children
Bus Stop / King Midas In Reverse / Marrakesh Express / I Used To Be A king / Immigration Man / Sleep Song / This Path Tonight / Myself At Last / Wind On Water / Wasted On The Way / Simple Man / Taken At All / House Of Broken Dreams / Mississippi Burning / Back Home / Golden Days / Cathedral / Our House / Chicago / Blackbird / Teach Your Children
TONY JOE WHITE Rain Crow (Swamp/Yep Records, 2016)
Insomma, la voce non è più quella nera, nerissima e baritonale dei tempi migliori, allenata ascoltando Lighting Hopkins, del trittico perfetto: BLACK AND WHITE (1968), …CONTINUED (1969) e TONY JOE (1970), ora è più secca e profonda che mai, anche se resta la miglior voce per raccontare certe storie, che siano oscure o più commoventi, come quelle che animano ‘The Bad Wind’ popolata da pistole, infimi bar e tradimenti o ‘The Middle Of Nowhere’ scritta insieme a Billy Bob Thornton che narra la vera vicenda di un amico trentenne affetto dalla sindrome di Down, desideroso di salire sullo scuolabus che vede passare tutti i giorni davanti a casa. Il suo volto in copertina inquieta pure un po’, metà Crocodile Dundee metà Freddy Krueger, ma TONY JOE WHITE, 73 anni a Luglio, si conferma il re indiscusso dello swamp rock, ora che John Fogerty sembra più interessato a cover e duetti e il compianto J.J. Cale ha raggiunto per sempre la sua Cajun Moon, lassù da qualche parte.
Il nuovo album (l’ultimo fu HOODOO nel 2013) registrato nel suo studio di registrazione in Tennessee con il figlio Jody in produzione, l’aiuto della moglie Leann per alcuni testi, e i soli Steve Forrest e Bryan Owings al basso e batteria (più Tyson Rogers alle tastiere), si addentra come sempre tra le pieghe calde e umide del profondo Sud degli States, tra i suoi antenati Cherokee, tra donne dai poteri magici (‘Hoochie Woman’), riti propiziatori che riportano la memoria alla fattoria di suo padre dove è cresciuto (‘Rain Crow’), storie di ordinaria follia e di grandi misteri nascosti tra le paludi e la luna della sua terra nativa, la Louisiana. Suono secco, grezzo, spontaneo e diretto con l’ inconfondibile chitarra “whomper stomper” (così autodefinì la sua tecnica) e l’armonica, si viaggia a ritmi spesso lenti dalla cadenza quasi tribale (‘Conjure Child’), mentre qualche volta si accelera (’The Opening Of The Box’), ma raramente. Nessun altro sa raccontare ancora queste storie così bene (‘Tell Me ASwamp Story’). Tony Joe White continua a fare bene quello che sa fare meglio. Meglio di chiunque altro.
